خانه / مبلمان/ کشور مبدا باله. تاریخچه مختصری از باله

کشور مبدا باله تاریخچه مختصری از باله

باله (به فرانسوی باله، از لاتین ballo - من می رقصم) نوعی هنر صحنه است که ابزار اصلی بیان آن موسیقی و رقص به طور جدایی ناپذیر به هم مرتبط هستند.

اغلب، یک باله بر اساس نوعی طرح، مفهوم دراماتیک، لیبرتو است، اما باله های بدون طرح نیز وجود دارد. انواع اصلی رقص در باله رقص کلاسیک و رقص شخصیت است. نقش مهمی در اینجا پانتومیم ایفا می کند که با کمک آن بازیگران احساسات شخصیت ها ، "مکالمه" آنها با یکدیگر و جوهر آنچه اتفاق می افتد را منتقل می کنند. باله مدرن همچنین به طور گسترده از عناصر ژیمناستیک و آکروباتیک استفاده می کند.

تولد باله

باله در دوران رنسانس (قرن شانزدهم) در ایتالیا به وجود آمد، در ابتدا به عنوان یک صحنه رقص که با یک کنش یا حالت واحد، یک قسمت در یک اجرای موسیقی یا اپرا متحد می شد. باله دادگاه که از ایتالیا وام گرفته شده بود در فرانسه به عنوان یک نمایش تشریفاتی باشکوه شکوفا شد. اساس موسیقی اولین باله (باله کمدی ملکه، 1581) رقص های محلی و درباری بود که بخشی از مجموعه باستانی بود. در نیمه دوم قرن هفدهم، ژانرهای تئاتری جدیدی مانند کمدی-باله، اپرا- باله ظاهر شد که در آن ها جایگاه قابل توجهی به موسیقی باله داده شد و تلاش هایی برای نمایش آن صورت گرفت. اما باله تنها در نیمه دوم قرن هجدهم به لطف اصلاحاتی که توسط طراح رقص فرانسوی J. J. Nover انجام شد، به شکل مستقلی از هنر صحنه تبدیل شد. بر اساس زیبایی شناسی روشنگری فرانسوی، او اجراهایی را خلق کرد که در آنها محتوا در تصاویر پلاستیکی به طرز چشمگیری آشکار می شود و نقش فعال موسیقی را به عنوان "برنامه ای که حرکات و اعمال رقصنده را تعیین می کند" تثبیت کرد.

توسعه بیشتر باله

توسعه و شکوفایی بیشتر باله در عصر رمانتیسم رخ داد.

لباس باله مدرن (لباس پری آلو قند از نمایشنامه "فندق شکن")

در دهه 30 قرن هجدهم. بالرین فرانسوی کامارگو دامن خود را کوتاه کرد (توتو) و کفش‌های پاشنه‌دار را رها کرد که به او اجازه می‌داد اسکیت را وارد رقص خود کند. تا پایان قرن 18. لباس باله بسیار سبک تر و آزادتر می شود، که تا حد زیادی به توسعه سریع تکنیک رقص کمک می کند. در تلاش برای هوادارتر کردن رقص خود، نوازندگان سعی کردند روی انگشتان خود بایستند که منجر به اختراع کفش های پوینت شد. در آینده، تکنیک انگشتان رقص زن به طور فعال در حال توسعه است. اولین کسی که از رقص پوینت به عنوان وسیله ای برای بیان استفاده کرد ماریا تاگلیونی بود.

نمایش باله مستلزم توسعه موسیقی باله بود. بتهوون در باله خود "آثار پرومتئوس" (1801) اولین تلاش را برای سمفونی کردن یک باله انجام داد. کارگردانی رمانتیک در باله های آدام، ژیزل (1841) و کورسیر (1856) تثبیت شد. باله های دلیبس کوپلیا (1870) و سیلویا (1876) اولین باله های سمفونی شده در نظر گرفته می شوند. در همان زمان، یک رویکرد ساده به موسیقی باله پدیدار شد (در باله های سی. پوگنا، ال. مینکوس، آر. دریگو و غیره)، به عنوان موسیقی ملودیک، شفاف در ریتم، که تنها به عنوان همراهی برای رقص عمل می کرد.

باله به روسیه نفوذ می کند و حتی در زمان پیتر اول شروع به گسترش می کند. قرن هجدهم در سال 1738، به درخواست استاد رقص فرانسوی ژان باپتیست لنده، اولین مدرسه رقص باله در روسیه در سنت پترزبورگ (اکنون آکادمی باله روسی واگانوا) افتتاح شد.

تاریخ باله روسیه از سال 1738 آغاز می شود. در آن زمان بود که به لطف درخواست آقای لنده، اولین مدرسه هنر باله در روسیه پدیدار شد - آکادمی رقص سن پترزبورگ که اکنون به نام آگریپینا یاکولوونا واگانوا نامگذاری شده است. حاکمان تاج و تخت روسیه همیشه به توسعه هنر رقص اهمیت می دادند. میخائیل فدوروویچ اولین نفر از تزارهای روسیه بود که موقعیت جدیدی از رقصنده را به کارکنان دربار خود معرفی کرد. ایوان لودیگین بود. او باید نه تنها خودش می رقصید، بلکه این هنر را به دیگران نیز آموزش می داد. بیست و نه مرد جوان در اختیار او قرار گرفتند. اولین تئاتر در زمان تزار الکسی میخایلوویچ ظاهر شد. سپس مرسوم بود که یک رقص صحنه ای را بین اعمال یک نمایش نشان می دادند که به آن باله می گفتند. بعداً با فرمان خاص امپراتور پیتر کبیر، رقص جزء لاینفک آداب دربار شد. در دهه 30 قرن هجدهم، جوانان نجیب مجبور به یادگیری رقص بودند. در سن پترزبورگ، رقص سالن رقص به یک رشته اجباری در سپاه کادت جنتری تبدیل شد. با افتتاح تئاتر تابستانی در باغ تابستانی، و تئاتر زمستانی در بال کاخ زمستانی، کادت ها شروع به شرکت در رقص باله می کنند. معلم رقص در سپاه ژان باپتیست لنده بود. او به خوبی درک می کرد که اعیان در آینده خود را وقف هنر باله نخواهند کرد. اگرچه آنها در رقص باله همتراز با حرفه ای ها بودند. لنده، مانند هیچ کس دیگری، نیاز به تئاتر باله روسی را نمی دید. در سپتامبر 1737، او دادخواستی را ارائه کرد که در آن توانست نیاز به ایجاد یک مدرسه ویژه جدید را توجیه کند که در آن دختران و پسران با منشأ ساده هنرهای رقص را یاد بگیرند. به زودی چنین اجازه ای داده شد. دوازده دختر و دوازده پسر لاغر اندام از میان خادمان کاخ انتخاب شدند که لنده شروع به آموزش آنها کرد. کار روزانه نتیجه داد، مردم از آنچه دیدند خوشحال شدند. از سال 1743، دستمزد شاگردان سابق لنده به عنوان رقصنده باله شروع شد. مدرسه خیلی سریع توانست صحنه روسی را با رقصندگان عالی باله و تک نوازان باشکوه فراهم کند. اسامی بهترین دانش آموزان گروه اول در تاریخ باقی مانده است: آکسینیا سرگیوا، آودوتیا تیموفیوا، الیزاوتا زورینا، آفاناسی توپورکوف، آندری نستروف.

هویت ملی باله روسی در آغاز قرن نوزدهم به لطف کار طراح رقص فرانسوی S.-L. دیدلو. دیدلو نقش گروه باله، ارتباط بین رقص و پانتومیم را تقویت می کند و اولویت رقص زنان را تایید می کند.

یک انقلاب واقعی در موسیقی باله توسط چایکوفسکی ایجاد شد که توسعه مداوم سمفونیک، محتوای فیگوراتیو عمیق و بیان دراماتیک را وارد آن کرد. موسیقی باله های او «دریاچه قو» (1877)، «زیبای خفته» (1890) و «فندق شکن» (1892) همراه با موسیقی سمفونیک، توانایی آشکارسازی جریان درونی کنش را به دست آورد تا تجسم بخشیدن به شخصیت های شخصیت ها در تعامل، رشد و مبارزه آنها. در طراحی رقص، نوآوری چایکوفسکی توسط طراحان رقص ماریوس پتیپا و L. I. Ivanov که پایه و اساس سمفونیزه کردن رقص را پایه ریزی کردند، تجسم یافت. سنت سمفونی کردن موسیقی باله توسط گلازونف در باله های "ریموندا" (1898)، "بانوی جوان خدمتکار" (1900) و "فصل ها" (1900) ادامه یافت.

آغاز قرن بیستم با جستجوهای نوآورانه، میل به غلبه بر کلیشه ها و قراردادهای باله دانشگاهی قرن نوزدهم مشخص شد. در باله های خود ، طراح رقص تئاتر بولشوی A. A. Gorsky به دنبال دستیابی به ثبات در توسعه اکشن دراماتیک ، اصالت تاریخی بود ، سعی کرد نقش سپاه باله را به عنوان یک شخصیت توده ای تقویت کند و بر جدایی پانتومیم و رقص غلبه کند. . M. M. Fokin با گسترش چشمگیر طیف ایده ها و تصاویر در باله و غنی سازی آن با فرم ها و سبک های جدید، سهم عمده ای در هنر باله روسیه ایفا کرد. تولیدات او از باله های "Chopiniana"، "Petrushka"، "Firebird" و دیگران برای "فصول روسیه" باعث شهرت باله روسیه در خارج از کشور شد. مینیاتور "قو در حال مرگ" (1907) که فوکین برای آنا پاولوا خلق کرد، شهرت جهانی پیدا کرد. در سالهای 1911-1913، بر اساس "فصول روسیه"، گروه دائمی "باله روسیه دیاگیلف" تشکیل شد. پس از خروج فوکین از گروه، واسلاو نیژینسکی طراح رقص آن شد. معروف ترین ساخته او باله «آیین بهار» با موسیقی استراوینسکی بود.

رقص مدرن

رقص مدرن جهتی در هنر رقص است که در آغاز قرن بیستم در نتیجه انحراف از هنجارهای سخت باله به نفع آزادی خلاقانه طراحان رقص ظاهر شد.

باله از رقص آزاد الهام گرفته شد، سازندگان آن نه چندان به تکنیک های رقص جدید یا رقص، بلکه به رقص به عنوان یک فلسفه خاص که می تواند زندگی را تغییر دهد علاقه مند بودند. این جنبش که در آغاز قرن بیستم پدید آمد (ایزادورا دانکن را بنیانگذار آن می دانند) به عنوان منبع بسیاری از گرایش ها در رقص مدرن خدمت کرد و انگیزه ای برای اصلاح خود باله داد.

ارسال کار خوب خود در پایگاه دانش ساده است. از فرم زیر استفاده کنید

دانشجویان، دانشجویان تحصیلات تکمیلی، دانشمندان جوانی که از دانش پایه در تحصیل و کار خود استفاده می کنند از شما بسیار سپاسگزار خواهند بود.

ارسال شده در http://www.allbest.ru

معرفی

باله (به فرانسوی باله، از لاتین ballo - من می رقصم) نوعی هنر صحنه است که ابزار اصلی بیان آن موسیقی و رقص پیوند ناگسستنی است.

1. تولد باله

2. توسعه بیشتر باله

توسعه و شکوفایی بیشتر باله در عصر رمانتیسم رخ داد.

لباس باله مدرن (لباس پری آلو قند از نمایشنامه "فندق شکن").

تاریخ باله روسیه از سال 1738 آغاز می شود. در آن زمان بود که به لطف درخواست آقای لنده، اولین مدرسه هنر باله در روسیه پدیدار شد - آکادمی رقص سن پترزبورگ که اکنون به نام آگریپینا یاکولوونا واگانوا نامگذاری شده است. حاکمان تاج و تخت روسیه همیشه به توسعه هنر رقص اهمیت می دادند. میخائیل فدوروویچ اولین نفر از تزارهای روسیه بود که موقعیت جدیدی از رقصنده را به کارکنان دربار خود معرفی کرد. ایوان لودیگین بود. او باید نه تنها خودش می رقصید، بلکه این هنر را به دیگران نیز آموزش می داد. بیست و نه مرد جوان در اختیار او قرار گرفتند. اولین تئاتر در زمان تزار الکسی میخایلوویچ ظاهر شد. سپس مرسوم بود که یک رقص صحنه ای را بین اعمال یک نمایش نشان می دادند که به آن باله می گفتند. بعداً با فرمان خاص امپراتور پیتر کبیر، رقص جزء لاینفک آداب دربار شد. در دهه 30 قرن هجدهم، جوانان نجیب مجبور به یادگیری رقص بودند. در سن پترزبورگ، رقص سالن رقص به یک رشته اجباری در سپاه کادت جنتری تبدیل شد. با افتتاح تئاتر تابستانی در باغ تابستانی و تئاتر زمستانی در بال کاخ زمستانی، کادت ها شروع به شرکت در رقص های باله می کنند. معلم رقص در سپاه ژان باپتیست لنده بود. او به خوبی درک می کرد که اعیان در آینده خود را وقف هنر باله نخواهند کرد. اگرچه آنها در رقص باله همتراز با حرفه ای ها بودند. لنده، مانند هیچ کس دیگری، نیاز به تئاتر باله روسی را نمی دید. در سپتامبر 1737، او دادخواستی را ارائه کرد که در آن توانست نیاز به ایجاد یک مدرسه ویژه جدید را توجیه کند که در آن دختران و پسران با منشأ ساده هنرهای رقص را یاد بگیرند. به زودی چنین اجازه ای داده شد. دوازده دختر و دوازده پسر لاغر اندام از میان خادمان کاخ انتخاب شدند که لنده شروع به آموزش آنها کرد. کار روزانه نتیجه داد، مردم از آنچه دیدند خوشحال شدند. از سال 1743، دستمزد شاگردان سابق لنده به عنوان رقصنده باله شروع شد. مدرسه خیلی سریع توانست صحنه روسی را با رقصندگان عالی باله و تک نوازان باشکوه فراهم کند. اسامی بهترین دانش آموزان گروه اول در تاریخ باقی مانده است: آکسینیا سرگیوا، آودوتیا تیموفیوا، الیزاوتا زورینا، آفاناسی توپورکوف، آندری نستروف.

هویت ملی باله روسی در آغاز قرن نوزدهم به لطف کار طراح رقص فرانسوی Sh.L. دیدلو. دیدلو نقش گروه باله، ارتباط بین رقص و پانتومیم را تقویت می کند و اولویت رقص زنان را تایید می کند.

یک انقلاب واقعی در موسیقی باله توسط چایکوفسکی ایجاد شد که توسعه مداوم سمفونیک، محتوای فیگوراتیو عمیق و بیان دراماتیک را وارد آن کرد. موسیقی باله های او "دریاچه قو" (1877)، "زیبای خفته" (1890)، "فندق شکن" (1892) همراه با موسیقی سمفونیک، توانایی آشکارسازی جریان درونی کنش را به دست آورد. شخصیت های شخصیت ها را در تعامل، توسعه، مبارزه آنها تجسم کنید. در طراحی رقص، نوآوری چایکوفسکی توسط طراحان رقص ماریوس پتیپا و L. I. Ivanov که پایه و اساس سمفونیزه کردن رقص را پایه ریزی کردند، تجسم یافت. سنت سمفونی کردن موسیقی باله توسط گلازونف در باله های "ریموندا" (1898)، "بانوی جوان خدمتکار" (1900) و "فصل ها" (1900) ادامه یافت.

آغاز قرن بیستم با جستجوهای نوآورانه، میل به غلبه بر کلیشه ها و قراردادهای باله دانشگاهی قرن نوزدهم مشخص شد. در باله های خود، طراح رقص تئاتر بولشوی A.A. گورسکی برای دستیابی به ثبات در توسعه اکشن دراماتیک، اصالت تاریخی تلاش کرد، سعی کرد نقش سپاه باله را به عنوان یک شخصیت توده ای تقویت کند و بر جدایی پانتومیم و رقص غلبه کند. M. M. Fokin با گسترش چشمگیر طیف ایده ها و تصاویر در باله و غنی سازی آن با فرم ها و سبک های جدید، سهم عمده ای در هنر باله روسیه ایفا کرد. تولیدات او از باله های "Chopiniana"، "Petrushka"، "Firebird" و دیگران برای "فصول روسیه" باعث شهرت باله روسیه در خارج از کشور شد. مینیاتور "قو در حال مرگ" (1907) که فوکین برای آنا پاولوا خلق کرد، شهرت جهانی پیدا کرد. در سالهای 1911-1913، بر اساس "فصول روسیه"، گروه دائمی "باله روسیه دیاگیلف" تشکیل شد. پس از خروج فوکین از گروه، واسلاو نیژینسکی طراح رقص آن شد. معروف ترین ساخته او باله «آیین بهار» با موسیقی استراوینسکی بود.

صحنه رمانتیسم باله چایکوفسکی

3. رقص مدرن

ارسال شده در Allbest.ru

...

اسناد مشابه

تاریخچه خاستگاه باله به عنوان شکلی از هنر نمایشی که شامل شکلی رسمی از رقص است. جدایی باله از اپرا، ظهور نوع جدیدی از اجرای تئاتر. باله روسی S.P. دیاگیلف. باله جهانی در پایان قرن نهم و آغاز قرن بیستم.

چکیده، اضافه شده در 2011/02/08

رقص به عنوان یک هنر انواع و ژانرهای رقص. باله ایتالیا قرن هفدهم. باله عاشقانه در روسیه. موقعیت دست ها و پاها، وضعیت بدن و سر در رقص کلاسیک. لیبرتو باله "چشمه باخچیسرای". چهره های باله فرانسوی قرن 18.

برگه تقلب، اضافه شده در 11/04/2014

در نظر گرفتن رقص به عنوان یک هنر که ماده آن حرکات و حالات بدن انسان است که یک نظام هنری واحد را تشکیل می دهد. امکانات رقص در آشکار ساختن عواطف انسانی. وحدت روح و بدن در شکل پذیری موسیقایی باله.

تست، اضافه شده در 2012/12/24

ویژگی های فلسفی و زیبایی شناختی فرهنگ رنسانس. جایگاه موسیقی در نظام هنری رنسانس. موسیقی و رقص: جنبه های تعامل طراحی رقص در مورد رویکردهای خود تعیین کننده. پالت ژانر هنر رقص رنسانس.

کار دوره، اضافه شده در 12/19/2010

اجزای اصلی یک باله، روند خلق آن بر اساس یک اثر ادبی. هدف از لباس و مناظر، نقش قهرمانان در تولید باله. تاریخچه پیدایش باله به دلیل تقسیم رقص به اشکال روزمره و صحنه ای.

ارائه، اضافه شده در 2012/02/25

رقص های فولکلور به عنوان خاستگاه باله روسی، نقش باله سرف در توسعه آن. اولین رقصنده های حرفه ای روسی. باله قرن 19 و 20. - ادامه سنت های عامیانه در رقص کلاسیک روسی. تولد هنر رقص مدرن.

چکیده، اضافه شده در 2011/05/20

گسترش رمانتیسیسم به عنوان یک جنبش در هنر. سنتز هنر، فلسفه، دین در یک نظام هنری رمانتیک. افول هنر باله در اروپا، شکوفایی آن در روسیه. طراحان رقص و رقص برجسته دوران رمانتیک.

تست، اضافه شده در 2013/03/11

باله قبل از 1900. خاستگاه باله به عنوان یک نمایش دربار. مهارت معلمان رقص اولیه ایتالیایی. باله در عصر روشنگری. باله عاشقانه. باله قرن 20. باله روسی S.P. دیاگیلف. باله در ایالات متحده آمریکا. باله جهانی. بریتانیای کبیر. فرانسه.

چکیده، اضافه شده در 11/08/2008

مفهوم رقص به عنوان یک نوع هنر، ویژگی ها و ویژگی های متمایز آن، تاریخچه شکل گیری و توسعه آن. مراحل شکوفایی هنر باله، مکاتب و مسیرهای پیشرو آن. توسعه رقص و باله در اوکراین مدرن.

چکیده، اضافه شده در 10/04/2009

تاریخچه باله. ریشه های پایه های تکنیک باله در اپرای پاریس در سال 1681. لغو باله در ترکمنستان در سال 2001. باله های آهنگسازان معروف. استادان برجسته هنر باله روسیه. مدرسه باله کلاسیک.

انشا در رشته دانشگاهی "فرهنگ شناسی"

با موضوع: "تاریخ باله در روسیه".

طرح

1. معرفی.

2. باله به عنوان یک هنر. تاریخچه پیدایش در جهان.

5. باله روسیه در قرن 21.

6. نتیجه گیری.

7. فهرست مراجع.

1. معرفی.

باله (از فعل ایتالیایی "ballare" به معنای "رقصیدن") یک اجرای موسیقی و رقص و علاوه بر این، نوعی هنر صحنه است که در آن افکار و تصاویر با کمک موسیقی و انعطاف پذیری آشکار و مجسم می شوند. یک اثر رقص (باله) ابزارهای مختلفی برای اجرای صحنه دارد که اولین آنها رقص است - زبان اصلی و اصلی تئاتر باله. اینکه این رقص چگونه باید باشد به طراح رقص بستگی دارد. رقص یکی از اشکال بازتاب تاریخ فرهنگ است که بیانگر شخصیت، شیوه زندگی و روانشناسی یک قوم خاص است. بسیاری از شخصیت های برجسته فرهنگی، مفهوم "رقص" را بسته به دوران تاریخی که در آن زندگی می کردند و جهان بینی آنها تعریف کردند. چهره های برجسته فرهنگی همیشه برای ایده رقص-عمل جنگیده اند. بنابراین، A.S. پوشکین رویای "پرواز پر از روح" ترپسیکور روسی را دید. O. de Balzac گفته است که رقص یکی از انواع وجود است. P.I. چایکوفسکی دریافت که رقص، مانند آهنگ، همیشه همراه زندگی روزمره بوده است. N.V. گوگول در مورد رقص های محلی، در مورد زبان آتشین و هوای آنها نوشت [Shmyrova; 61].

یکی از عالی ترین اشکال رقص، رقص کلاسیک است که از مجموع خلاقیت رقص همه مردم جهان برخاسته است، که بین المللی، نزدیک و برای همه مردم روی کره زمین قابل درک است. رقص کلاسیک به گفته A.Ya. واگانوا "شکل حرکت احساسات انسانی است، شعر حرکت انسان است، مانند موسیقی شعر اصوات" [واگانوا; 106].

چنین رقصی بیانگر دنیای معنوی انسان است. این کیفیت است که باله روسی را در سراسر جهان مشهور کرده است و به معیاری برای هنر باله جهانی تبدیل شده است. در روسیه، باله به کمال رسیده است و اشکالی به خود گرفته است که نمایندگان این هنر از سراسر جهان برای آن تلاش می کنند.

باله روسی گل آذین نام ها، انواع جهت ها و مضامین است. این موسیقی و صحنه نگاری درخشان است. انعطاف پذیری و بالاترین مهارت های بازیگری. تاریخ باله روسی آنقدر چند وجهی است که مطالعه آن در همه زمان ها مرتبط است.

2. باله به عنوان یک هنر. تاریخچه پیدایش در جهان.

همانطور که می دانیم باله از رقص سرچشمه گرفته است. این هنر به عنوان یکی از قدیمی ترین اشکال هنر، به طور ارگانیک در دوران باستان وارد زندگی بشر شد. رقص یکی از قدیمی ترین ابزارهای بیان احساسات انسان است. در نقطه ای خاص، رقص به سطح کاملاً متفاوتی رسید و سپس باله به وجود آمد. این در قرن 15 - 16 اتفاق افتاد، زمانی که رقص دادگاه شروع به گسترش گسترده در اروپا کرد.

اصطلاح باله در قرن شانزدهم در ایتالیا و در دوران رنسانس سرچشمه گرفت. علاوه بر این، این اصطلاح به معنای اجرای کامل رقص نیست، بلکه فقط یک قسمت است. باله متعلق به اشکال هنری مصنوعی است که شامل خود رقص، موسیقی، دراماتورژی (لیبرتو) و صحنه‌شناسی است. علاوه بر این، اجرای باله شامل کارهای هنرمندان - لباس، گریم و غیره می شود. اما ابزار اصلی بیان هنری باله رقص است. اگرچه تصور یک باله بدون موسیقی و مبنای نمایشی غیرممکن است.

ساختار باله بسیار متنوع است. می تواند تک شات، چند شات، روایت با طرحی مشخص، آوانگارد یا بدون طرح باشد. این نوع باله شامل مینیاتور، باله سمفونیک و باله حالت است. اگر در مورد ژانر باله صحبت کنیم، ژانرهای قهرمانانه، کمیک، فولکلور و همچنین باله مدرن و جاز وجود دارند که در قرن بیستم ظاهر شدند.

مهمترین شایستگی در روند تبدیل رقص به یک نمایش تئاتر متعلق به ایتالیاست. در این کشور در دوره از قرن چهاردهم تا پانزدهم بود. استادان حرفه ای رقص ظاهر شدند، رقص سالن رقص توسعه یافت که اساس آن رقص محلی بود. رقص تالار رقص جایگاه رقص درباری را می یابد.

فرآیندهای مشابهی در سایر کشورهای اروپایی رخ می دهد: انگلیس، اسپانیا، فرانسه. در انگلستان، صحنه های رقص که در آن طرحی وجود داشت، ماسک نامیده می شد، در ایتالیا و اسپانیا - دریایی (moresca، morescha). مورسک ها رویارویی بین مسیحیان و مسلمانان را به تصویر می کشیدند و بخشی جدایی ناپذیر از راهپیمایی های کارناوال و کمدیا دل آرته (commedia dell'arte) بود. نقش مهمی در کمدیا دل آرته داشت.

در سال 1581، یک پدیده مهم در تاریخ هنر باله رخ داد: در پاریس، در دادگاه کاترین دو مدیچی، اولین اجرای باله به صحنه رفت که در آن رقص، موسیقی، پانتومیم و سخنرانی با هم ترکیب شدند. این اجرا «سیرس، یا باله کمدی ملکه» نام داشت و توسط طراح رقص ایتالیایی بالتازارینی دی بلژیویوسو کارگردانی شد. از این لحظه بود که ژانر باله دادگاه به طور فعال در فرانسه شکل گرفت که شامل نمایش های جانبی، پاستورال ها، بالماسکه ها و تنوع رقص بود.

در قرن شانزدهم، باله ها مطابق با سبک غالب - باروک به صحنه رفتند، به همین دلیل است که آنها با شکوه و تجمل متمایز بودند. از اواسط قرن شانزدهم، هنر رقص با نوع جدیدی به نام ballo figurato غنی شد، زیرا این رقص بر اساس اصل ساخت اشکال هندسی سازماندهی شد. پیشرفت فعال هنر رقص دربار با اجرای باله زنان ترک که در سال 1615 در کاخ مدیچی در فلورانس برگزار شد نشان می دهد. در واقع، در قرن شانزدهم مفهوم "باله" به وجود آمد - درست در دوران رنسانس در ایتالیا.

تبدیل رقص به باله در لحظه ای شروع شد که اجرای آن مطابق با قوانینی بود که توسط پیر بوشامپ، طراح رقص فرانسوی که به خود لویی رقص رقص آموخته بود، ایجاد شد. Beauchamp فعالانه با Lully همکاری کرد. با تلاش آنها، تکامل باله به طور قابل توجهی به جلو حرکت کرده است. در سال 1661، بوشام رئیس آکادمی رقص فرانسه شد که در سال 1875 به اپرای پاریس تبدیل شد. بوچمپ قوانینی را تدوین کرد که بر اساس آن رقص ها باید به شیوه ای اصیل و ذاتی در عصر اجرا شوند. بدین ترتیب شکل گیری باله آغاز شد که تا قرن 18 توسعه یافت. از میان‌آهنگ‌ها و دگرگونی‌ها به هنر مستقل.

قرن نوزدهم انتقال باله اروپایی به رمانتیسیسم بود. باله های سبک و شاعرانه آن دوران در برابر آغاز ماشینی شدن و صنعتی شدن مقاومت کردند. قهرمانان باله تقریباً شبیه موجودات غیرزمینی بودند. موجودات اخروی شخصیت های رایجی بودند. باله برجسته دوره رمانتیک باله "ژیزل" (آهنگساز A. Adam) بود. این دوره همچنین با بهبود بیشتر تکنیک پوینت مشخص شد.

در نیمه دوم قرن نوزدهم، جهات دیگری بر باله غالب شد: امپرسیونیسم، آکادمیک گرایی و مدرنیسم. رئالیسمی که جایگزین آنها شد، باله اروپایی را به انحطاط کشاند. فقط باله روسی توانست نه تنها سنت ها و فرم ها را حفظ کند، بلکه به پرواز درآمد.

باله قرن بیستم در اروپا و ایالات متحده با رد هنجارها و قوانین قبلی مشخص می شود. اجراهایی که در آن رقص مدرن، بی پیرنگی، سمفونیزم و استعاره در وهله اول قرار دارند، مد می شوند. عناصری از واژگان جاز و ورزشی و نقوش فولکلور به ساختار باله وارد شده است.

نیمه دوم قرن بیستم کششی به سوی سنت های پست مدرن است. عناصر دیگر هنرها در باله نفوذ می کنند: عکاسی، سینما، جلوه های صوتی و نوری، موسیقی الکترونیک. ژانرهای جدیدی نیز در حال ظهور هستند: باله تماسی، که در آن هنرمند با مخاطب تعامل دارد. باله های مینیاتوری و باله های رمان به طور فزاینده ای در حال گسترش هستند. هنر باله در ایالات متحده آمریکا، بریتانیا و فرانسه بیشتر توسعه یافت. رقصندگان مهاجر روسی نقش بزرگی در توسعه باله جهانی داشتند. بنابراین، می توان گفت که باله جهانی، که در دوران رنسانس اروپا پدید آمد، مسیر توسعه بسیار دشواری را طی کرد و روندهای غالب هنر را در هر مرحله از تکامل جذب کرد. باله اروپایی که بر شکل گیری باله روسی تأثیر گذاشت، در آینده نتوانست از آن پیشی بگیرد.

3. ظهور باله در روسیه. اولین گروه ها، اجراها، رهبران.
در روسیه، باله به معنای واقعی کلمه در حدود سال 1735 بوجود آمد، یعنی. در قرن 18 در این زمان در روسیه خاک رقص برای شکل گیری و توسعه باله کاملاً آماده شده بود و این خاک از دو لایه تشکیل شده بود: ملی و خارجی. متعاقباً، رقص‌های محلی در باله، کمدی، اپرا و نه تنها در قرن هجدهم، بلکه پیش از آن، در دوران کودکی خود، در پایان قرن هفدهم گنجانده شدند.

در سال 1675، تحت رهبری تزار الکسی میخائیلوویچ، نمایشنامه ای با عنوان "پری دریایی یا پوره های اسلاو، کمدی افسانه ای با آهنگ ها و رقص ها" به صحنه رفت. اولین نمایش تئاتر در اکتبر 1672 روی صحنه رفت. تاریخ مشهور در تاریخ باله، سلطنت پتر کبیر است. تزار گروه های خارجی را تشویق کرد که به روسیه بیایند. که در. میخنویچ ادعا می‌کند که پیتر اول «کارآفرینان خارجی را موظف می‌کرد تا هنر تئاتر، رقص و موسیقی را با اشتیاق خوب و هر مکاشفه‌ای به دانش‌آموزان روسی برگزیده از کارمندان آموزش دهند» [میخنویچ; 77].

در زمان پیتر اول، هر از گاهی میان‌آهنگ‌هایی با باله و نمایش‌های تئاتری همراه با رقص اجرا می‌شد، اما سلطنت او تأثیر قابل‌توجهی بر تکامل باله نداشت. سال 1734 نقطه عطف مهمی در تاریخ باله روسیه است، زیرا در آن سال یک گروه باله از ایتالیا و همچنین رقصنده فرانسوی ژان باپتیست لنده از سنت پترزبورگ دیدن کردند. او نقش بسیار مهمی در توسعه باله روسیه ایفا کرد. به لطف تلاش های او، اولین مدرسه تئاتر در تاریخ روسیه در ماه مه 1738 افتتاح شد که برای توسعه باله روسی از اهمیت ویژه ای برخوردار بود. [دوبروولسکایا; 248].

در سال 1757، جووانی لوکاتلی، طراح رقص که کارهای زیادی برای باله روسی انجام داد، به روسیه آمد. باله های او، مانند باله های دیگر طراح رقص، ساکو، گام بزرگی به جلو بود و راه را برای مرحله مهم بعدی هموار کرد. ما در مورد دوره ای صحبت می کنیم که D.M.G. Angiolini و F. Hilferding. در عصر الیزابت پترونا، به اصطلاح. کمدی های موزیکال با آهنگ و رقص. بعد، دوره جدیدی در تاریخ باله آغاز می شود و با دوران کاترین دوم پیوند می خورد.

کاترین دوم به رونق تجارت تئاتر اهمیت زیادی داد و موفق شد آن را به طرز عالی سازماندهی کند. در دوران سلطنت کاترین دوم، باله روسی به یکی از مهمترین عرصه های اروپایی برای اصلاح باله کلاسیک تبدیل شد [Lifar; 40]. آنژولینو از این نظر شهرت ویژه ای پیدا کرد. باله‌های او موفقیت بزرگی بود، معاصرانش از او به‌عنوان «یک طراح رقص کامل» یاد می‌کردند. فعالیت های پیر گرانژ، رقیب اصلی Angiolini و Hilferding، کمتر قابل توجه نیست. او فعالیت های متنوع تری را ترجیح می داد و باله های آناکرونتیک، قهرمانانه و تمثیلی را به صحنه می برد. اما او از باله های کمیک و روزمره که محبوبیت زیادی در بین مردم به دست آورد، اجتناب نکرد. او در واقع یک طراح رقص بسیار پرکار بود.

متأسفانه اکثر باله های دوره کاترین نام خالقان خود را حفظ نکردند. در همین حال، بدون آنها، تصویر هنر رقص کامل نیست. با این حال، آنهایی از آنها که در تاریخ حفظ شده اند خط توسعه مشترکی داشتند (ما در مورد دهه 60 - 70 قرن هجدهم صحبت می کنیم). این دوره با روند زیر مشخص می شود: غلبه نام های خارجی. در مورد تکنیک رقص، بهبود آن در اینجا مشاهده می شود. اجرای رقصندگان سن پترزبورگ در سطح رقصندگان پاریسی است.

و اگر هیلفردینگ و آنجیولینی آغاز دوره باله کاترین بودند، پس پایان آن کارل لپیک، جی. کانزیانی، آی.ای. والسبرگ-لسوگروف نام خانوادگی بسیار مهم است زیرا یک نام روسی است. علیرغم این واقعیت که والسبرگ-لسوگروف اصالتاً سوئدی داشت، او خود را روسی می دانست و هدفش ایجاد یک "باله اخلاقی" متفاوت بود. سهم والبرگ در باله روسی بسیار زیاد بود. به لطف او این هنر گامی رو به جلو برداشته است.

نیمه دوم دوران کاترین با نام رقصندگان بسیار با استعداد مشهور شد. اول از همه، این V.M. بالاشوف و I.L. اروپکین. معاصران در مورد پرش های اروپکین به عنوان نوعی معجزه نوشتند که هنوز در صحنه روسیه در میان هنرمندان روسی دیده نشده بود. نام بالرین هایی مانند A. Pomoreva، M. Kolombusova، N.P. برجسته است. بریلووا آخرین بالرین از لیست بالا از بالرین ها در زمان پل اول درخشید، تجسم لطف و استاد پانتومیم بود.

در پایان قرن 18، تئاترهای رعیت و در نتیجه باله در روسیه ظاهر شد. سینماهای خانگی اشراف زادگان که برای شکوه، تجمل و غنای محیط تئاتر تلاش می کنند، در حال افزایش است. هر کدام از آنها می خواهند تا حد امکان بازیگر، خواننده، رقصنده با استعداد به دست آورند و آنها را در میان رعیت ها جستجو کردند. تئاتر کنت N.P به ویژه مشهور شد. شرمتف.

نام دیدلو معروف شد. هدف مهم دیدلوت به عنوان معلم، آماده کردن رقصندگان سطح بالا بود. دیدلو با K.A. همکاری کرد. کاووس - طراح رقص برجسته. آنها با هم مفهوم برنامه نویسی را مطرح کردند که دلالت بر وحدت دراماتورژی - رقص و موسیقی داشت. باله های دیدلو قبلاً منادی رمانتیسم بودند. دیدلو در تولیدات خود موفق شد رقص انفرادی و گروه باله را ترکیب کند و آنها را به یک گروه واحد تبدیل کند.

بنابراین، در یک سوم اول قرن نوزدهم، باله روسی به بلوغ خلاقانه خود نزدیک شد. قبلاً می شد در مورد تأسیس مدرسه ملی صحبت کرد که ویژگی های آن بعداً به شکوه باله روسی تبدیل شد: فضیلت تکنیک ، روانشناسی و عمق ، صداقت و صداقت ، زیبایی و لطف.

یکی از رویدادهای مهم افتتاح تئاتر بولشوی در مسکو در سال 1825 بود. به لطف این شرایط ، گروه باله مسکو یک صحنه فوق العاده مجهز را در اختیار داشت. از آغاز سال 1830، هر دو گروه سن پترزبورگ و مسکو با تجهیزات عالی شروع به اجرا در تئاتر کردند. مدرسه تئاتر حوزه باله را با پرسنل فراهم کرد: رقصندگان، هنرمندان، نوازندگان.

موسیقی اپرا M.I تأثیر زیادی بر باله روسی گذاشت. گلینکا، که در آن صحنه های رقص حاوی ویژگی های موسیقی دقیق، تصاویر در حال توسعه، و منشاء ملی به وضوح بیان شده بود.

دهه 30 - 40 - دوره رمانتیسم برخورد واقعیت و رویاها، ذاتی در دیدگاه رمانتیک، در تکامل باله منعکس شد که به دو جهت تقسیم شد. ویژگی اول درام برجسته و میل به نقد واقعیت بود. جهت دوم مبتنی بر فانتزی، غیر واقعی بودن تصاویر بود. در این گونه باله ها، ارواح، سیلف ها، نادین ها و غیره اغلب به عنوان شخصیت عمل می کردند. هر دو جهت با تصویر یک قهرمان رویاپرداز که با واقعیت خشن در تضاد بود و همچنین یک ویژگی بدیع، که رابطه هماهنگ بین رقص و پانتومیم بود، متحد شد. نکته مهم دیگری را باید ذکر کرد. رقص اکنون به عنصر اصلی باله تبدیل شده است.

به زودی رئالیسم جایگزین رمانتیسیسم در هنر و ادبیات شد (اواسط قرن نوزدهم). با این حال، گرایش های او در باله منعکس نمی شود، زیرا این هنر دربار باقی ماند و کارکردهای اصلی آن زیبایی شناختی و سرگرمی بود. اوایل دهه 60 با توطئه های افسانه ای و تنوع مشخص شده است. با این حال، در این دوره، روند تکامل باله در سطح تکنیک ها، ترکیب بندی و فرم ها کند شد. همه این عناصر به شدت تنظیم شده بودند.

ترکیب اجرا بر اساس ترکیبی از قطعات رقص و قسمت های پانتومیم بود، در حالی که پانتومیم شروع به یک شخصیت خدماتی کرد. بیشتر از همه، تکنیک و دوری فرم شروع به ارزش گذاری می کند. همه اینها به این واقعیت منجر می شود که معنای شروع به ناپدید شدن از هنر باله می کند.

و با این وجود، این باله روسی بود که سنت های بسیار هنری جدیدی را پایه گذاری کرد و متعاقباً الگویی برای کل هنر باله جهانی شد. این شرایط با نام رقصنده و طراح رقص برجسته M.I. پتیپا فعالیت خلاقانه او در زمانی آغاز شد که سنت های قبلی در حال منسوخ شدن بودند. پتیپا یکی از روندهای اصلی دوران گذر را گرفت - سمفونی سازی رقص و کارهای زیادی برای بهبود و غنی سازی آن انجام داد. پتیپا طراحی رقص را به گونه ای اجرا کرد که به وضوح انگیزه ها و ویژگی های شخصیت ها را که از طریق رقص بیان می شود برجسته می کرد. نقش تعیین کننده ای در آزمایشات پتیپا با همکاری او با P.I. چایکوفسکی و A.K. گلازونوف. به لطف فعالیت خلاقانه مشترک آنها، شاهکارهای واقعی چه از نظر موسیقی و چه در باله متولد می شوند: "زیبای خفته"، 1890. "دریاچه قو"، 1895 (باله های پی. آی چایکوفسکی) و "ریموندا"، 1898، "فصول"، 1900 (اثری از A.K. Glazunov). این آثار اوج سمفونیزم باله در قرن نوزدهم هستند.

بنابراین، با رهایی از نفوذ اروپا، باله روسی به تدریج ظاهر منحصر به فرد خود را به خود گرفت که تمام جهان را تسخیر کرد.

4. تاریخ باله در روسیه در قرن بیستم.

آغاز قرن بیستم با موقعیت های پیشرو باله روسی در هنر باله جهانی مشخص می شود. اکنون مدرسه باله روسی بهترین رپرتوار و سنت های سرمایه را دارد. در این دوره به دلیل تغییرات اجتماعی، انواع هنرها به روز می شوند. هدف اصلی آنها بازتاب انتقادی زندگی است. باله که اکنون از نظر سبک و روش دارای پتانسیل کامل برای تجدید است، نیاز به تغییرات مشابهی داشت. در این دوره طراحان رقص اصلاح طلبان فعال بودند: A.A. گورسکی و ام.ام. فوکین. آنها تعدادی از اصول هنری را ترویج کردند: طبیعی بودن پلاستیک، حقیقت سبکی، وحدت عمل. این طراحان رقص به جایگزینی اشکال قدیمی و غیر مرتبط باله کمک کردند و به جای آن درام رقص را تأیید کردند، که در آن طراحان صحنه، نویسندگان اصلی طراح رقص شدند.

فوکین و گورسکی با هنرمندان برجسته معاصر همکاری کردند: A.N. بنوا، ک.ا. کورووین، ال.اس. بکستروم، آ.یا. گولووین، ن.ک. روریچ. در طراحی خود، اجراها صدایی جدید و بدیع به خود گرفتند

رویدادهایی که توسط کارآفرین برجسته S.P برگزار شد نه تنها برای باله، بلکه برای کل زندگی فرهنگی به یک رویداد باشکوه تبدیل شد. تور دیاگیلف از باله روسی در پاریس که "فصول روسیه" نام داشت. افتتاحیه فصل موسیقی بدیع I.F. استراوینسکی (باله های "پرنده آتشین"، 1910 و "پتروشکا"، 1911 - هر دو توسط فوکین طراحی شده اند). V.F در باله های موسیقی استراوینسکی درخشید. نیژینسکی. چنین نمایش باشکوهی به این واقعیت کمک کرد که هنرمندان، آهنگسازان و نوازندگان بزرگ به عنوان یک هنر برابر به باله هجوم آوردند.

در زمان انقلاب اکتبر (1917)، باله قبلاً شکوه یک گنجینه ملی را به دست آورده بود. هنری حاوی ارزش فرهنگی عظیم به دلیل تغییرات بنیادینی که رخ داده بود، بسیاری از رقصندگان باله مهاجرت کردند، در حالی که آنهایی که باقی ماندند تحت فشار ایدئولوژیک قرار گرفتند. در همان زمان، تئاتر باله به دنبال حفظ سنت های قبلی بود.

طراحان رقص V.D. تیخومیروف و L.A. لاشچیلین روی باله های چند کنشی کار کرد و در تلاش برای مدرن سازی و غنی سازی فرم های متعارف بود. نمونه بارز این باله "The Red Poppy" (1927، آهنگساز R.M. Gliere) است.

در لنینگراد، F.V. مدیر هنری گروه شد. لوپوخوف او که یک خبره عالی از میراث کلاسیک بود، ذاتاً یک اصلاح طلب بود. از این موقعیت بود که او به رپرتوار کلاسیک نزدیک شد و آن را بازسازی کرد و مضامین جدیدی را وارد آن کرد. لوپوخوف تحقیقات خود را در زمینه کارگردانی نمایشی انجام داد. شایستگی او غنی سازی شکل پذیری باله با عناصر جدید است: آکروباتیک، ورزش، بازی، آیین.

باله شوروی دهه 1930. با جهت گیری قهرمانانه، پیچیدگی روانشناختی شخصیت هایش، و گستره وسیعش که هم شامل غزل و هم تراژدی بود، متمایز بود. دهه 30 - 40 - مرحله ترکیب اشکال باله کلاسیک و رقص ملی که با شخصیت تیز و رنگ های ملی مشخص می شود. ترکیبی از آغازهای انفرادی و دسته جمعی درام رقص شروع به تسلط می کند. در باله های این نوع، تمام عناصر اجرا: رقص، موسیقی، پانتومیم، طراحی هنری تابع قصد کارگردان بود که دراماتورژی را بر اساس یک اثر ادبی توسعه داد. علاوه بر این، باله های دهه 30 و 40. نشان دهنده علاقه هنر این دوره به تاریخ و فولکلور ملی است.

دوره جنگ بزرگ میهنی با فعالیت فعال نمایندگان برجسته باله مسکو و لنینگراد در تخلیه مشخص شد. در این راستا بسیاری از گروه های استانی رشد حرفه ای چشمگیری را تجربه می کنند. در سالهای اول پس از جنگ، موضوع میهن پرستانه در هنر باله غالب شد.

نسل جدید طراحان رقص اکنون بر سیستم توسعه یافته رقص و دراماتورژی موسیقی متمرکز شده اند. در مفهوم خلاقانه آنها، موسیقی اساس کل عمل بود. این یک روند از دهه 1950 است. در این دوره نام Yu.N اهمیت ویژه ای پیدا کرد. گریگورویچ. در سال 1957 ، او نسخه جدیدی از باله "داستان گل سنگ" را ایجاد کرد که در آن تمام اکشن ها تابع موسیقی S.S. پروکوفیف، محتوای عمیق شعری و فلسفی آن. در سال 1961 ، شاهکار جدید گریگوروویچ ظاهر شد - باله "افسانه عشق" (آهنگساز A. Melikov) و در سال 1968 - "Spartacus" (آهنگساز A.I. Khachaturian).

در سال 1979 ، اولین نمایش باله "رومئو و ژولیت" در مسکو برگزار شد که توسط Yu.N. گریگوروویچ و قبلاً در سال 1980 اجراهای افسانه ای او "مرغ دریایی" ظاهر شد (آهنگساز R.K. Shchedrin) که در آن M.M. هم به عنوان طراح رقص و هم به عنوان مجری عمل کرد. پلیتسکایا. خلاقیت M.M. پلیتسکایا مرحله ویژه ای در تاریخ باله روسیه است. نقش کارمن در سوئیت بیزه-شچدرین به همین نام در سراسر جهان به عنوان یک نابغه شناخته می شود. سهم پلیتسکایا در باله جهانی و روسیه بسیار ارزشمند است.

تقریباً اواخر دهه 80 - 90. و تأثیر آنها بر باله روسی T.B. پردینا می نویسد: «آخرین مرحله باله شوروی 1985-1991 را پوشش می دهد. و با پرسترویکای گورباچف مرتبط است. در این سال‌ها فشار اداری و سیاسی بر هنر ضعیف شد و در نتیجه ماهیت فرصت‌طلبانه تولیدات رد شد. 105]. مرحله جدیدی در تکامل باله روسی تنها در قرن بیست و یکم آغاز شد.

5. باله روسیه در قرن 21.

قرن بیست و یکم به باله روسی نام های جدیدی داده است. احیای آن در اواخر دهه 2000 پس از یک دوره افول آغاز شد. یکی از بزرگترین طراحان رقص A.O. راتمانسکی رویدادها اجرای او "جریان روشن" (2002) با موسیقی D.D. شوستاکوویچ (2002) برای تئاتر بولشوی و "سیندرلا" برای تئاتر ماریینسکی. راتمانسکی برای نمایشنامه "لیا" در سال 2003 جایزه ماسک طلایی را دریافت کرد.

علاوه بر تئاترهای دولتی، گروه ها و مدارس خصوصی شروع به ظهور کردند که از دیگر گرایش های باله حمایت می کردند. در میان آنها، "تئاتر رقص" به کارگردانی A.N. برجسته است. فادیچف تئاترهای رقص جنبش پست مدرن (به سرپرستی G.M. Abramov، E.A. Panfilov، A.Yu. Pepelyaev)، و همچنین "باله امپراتوری" G. Taranda.

هر کدام از این تئاترها پدیده ای منحصر به فرد هستند. بنابراین، گروه گروه E.A. Panfilova، تحت نام "Experiment" یا "E. Panfilov's Perm Theater" با موفقیت در زمینه موسیقی جاز، کلاسیک، فولکلور و مدرن تسلط یافت. به لطف ترکیب همه این جهت ها، گروه پانفیلوف توانست فیلم منحصر به فرد خود را بسازد. خود پانفیلوف که زود درگذشت اغلب دیاگیلف دوم نامیده می شد.

مانند گذشته، تئاترهای بولشوی و ماریینسکی نسلی از استعدادهای درخشان را پرورش داده اند که امروز صحنه جهانی را فتح می کنند: یو. لوپاتکینا، دی. ویشنووا، ن. تیسکاریدزه، اس. زاخارووا، ام. الکساندرووا، ای. تسویرکو، دی. خوخلوا. ، E. Latypov، N. Batoeva و بسیاری دیگر.

امروزه، باله به طور فشرده به پیشرفت خود ادامه می دهد، همانطور که نه تنها توسط تئاترها و گروه های خصوصی متعدد، بلکه توسط مسابقات باله که به طور منظم سازماندهی شده است، گواه آن است. علاوه بر توسعه سنت های کلاسیک، ژانرها و فرم های تجربی به طور فعال در حال توسعه هستند. در مورد رپرتوار هم همینطور. تئاترها هنوز باله های کلاسیک را ارائه می دهند، اما در عین حال تولیدات جدید و از بسیاری جهات غیرمعمول با موسیقی از ژانرهای مختلف روی صحنه می آیند.

باله قرن بیست و یکم هنوز بسیار جوان است، با این حال، تنوع نام های با استعداد و آزمایش های موفق، در کنار حفظ سنت ها، دلیلی بر این باور است که این هنر هنوز تمام نشده است و چشم اندازهای زیادی دارد.

6. نتیجه گیری.

این اثر به بررسی تاریخ باله روسیه می پردازد. باله روسی که در نیمه دوم قرن هفدهم به عنوان سرگرمی دربار ظاهر شد، در قرن هجدهم به یک هنر بزرگ و بدیع تبدیل شد. در قرن 19 - 20 به طور کامل از باله های تمام کشورهای جهان پیشی گرفت و به کارت ویزیت کشور تبدیل شد.

باله روسی دو منبع داشت: رقص ملی و نفوذ خارجی. دومی در ابتدا در هنر باله روسیه غالب شد: رقصندگان و رقصندگان فرانسوی و ایتالیایی فداکارانه در زمینه روسیه کار کردند. پس از آن، وضعیت به طور اساسی تغییر کرد. طراحان رقص روسی و رقصندگان روسی باله روسی را به ارتفاعات بی سابقه ای رساندند. پیچیدگی و بهبود تکنیک باله، مهارت های بازیگری، دراماتورژی متفکرانه و عمیق - اینها مراحل تکاملی است که از طریق آن باله روسی صعود کرد. از یک هنر سرگرم کننده، به هنری با بالاترین استاندارد تبدیل شده است که تمام جهان را تسخیر کرده است. هر یک از طراحان رقص و رقصندگان اصلی روسیه دارای سبکی بدیع، بالاترین مهارت های بازیگری و تکنیک کامل هستند. باله روسی یک پدیده فرهنگی است، منبع کمال اخلاقی است که باید حفظ و تغذیه شود.

7. فهرست مراجع.

1. باله. دایره المعارف. - م.: دایره المعارف شوروی، 1981. - 264 ص.

2. باخروشین یو.آ. تاریخچه باله روسیه/Yu.A. باخروشین. - م.: روسیه شوروی، 1965. - 227 ص.

3. Buluchevsky Yu., Fomin V. فرهنگ لغت مختصر موسیقی/یو. بولوچفسکی، وی. فومین. - L.: "موسیقی"، 1989. - 378 ص.

4. Valberg E.K. اولین طراح رقص روسی/E.K. والبرگ // جلسات باز روزانه "موسسه سنت پترزبورگ"، 2002. - شماره 1. - 322 س. ص 10 - 16.

5. Dzhivelegov A.K. کمدی فولکلور ایتالیایی/A.K. جیویلیگوف. - M.: انتشارات آکادمی علوم اتحاد جماهیر شوروی، 1954. - 298 ص.

6. Dobrovolskaya G.N. رینالدی/G.N. دوبروولسکایا//باله روسی. دایره المعارف. - M.: انتشارات "BER"، 1997. -

7. کارسکایا تی.یا. تئاتر نمایشگاهی فرانسوی/T.Ya. کارسکایا. - ل.: هنر، 1948. - 232 ص.

8. Krasovskaya V.M. اطلاعات جدید در مورد منابع “New Werther”/V.M. کراسوفسکایا // باله شوروی. 1982. شماره 4. ص 57.

9. لیفار س.م. تاریخچه باله روسی/S.M. لیفار. - پاریس، 1945. - 307 ص.

10. میخنویچ V.O. مقالات برگزیده / V.O. میخنویچ. - م.: ناوکا، 1986. - 415 ص.

11. Predeina T.B. مسائل دوره بندی تاریخ باله روسیه در قرن های XX - XXI / T.B. Predeina // بولتن آکادمی دولتی فرهنگ و هنر چلیابینسک. 2013. - 1 (33). - 388 ص. ص 103 - 106.

12. اسلونیمسکی یو. در گهواره ترپسیکور روسی//یو. اسلونیمسکی. موارد دلخواه. - م.: هنر، 1375. - 321 ص.

13. Khudekov S.N. تاریخچه عمومی رقص/S.N. خودکف. - م.: اکسمو، 2010. - 608 ص.

14. Shmyrova T.I. توسعه تفکر تخیلی/T.I. شمیروف // باله شوروی، 1990. - 2. - 64 ص. ص 60 - 61.

باله یک هنر شاعرانه است. او با مضامین عالی، قهرمانانه و غنایی مشخص می شود. دنیای شگفت انگیز تصاویر رقص عمیقاً آرزوهای نجیب را برانگیخته و بیدار می کند.

اجرای باله ترکیبی از طرح جذابی است که توسط یک نویسنده ایجاد شده است، موسیقی ساخته شده توسط آهنگساز، رقصی که توسط یک طراح رقص اختراع شده و توسط هنرمندان اجرا می شود، مناظر زیبا و لباس هایی که مطابق نقشه های هنرمند ساخته شده اند.

این هنر پیچیده بسیار دیر توسعه یافت. باله کمی بیش از چهارصد سال قدمت دارد، اگرچه هنر رقص برای چندین هزار سال وجود داشته است (به مقاله "رقص محلی" مراجعه کنید).

باله در قرن پانزدهم در ایتالیا شکل گرفت. از رقص های محلی، نام "balletti" (ایتالیایی "ballare" - به رقص، و "balletti" - رقص) به رقص های پیچیده تر که در توپ های دادگاه اجرا می شد منتقل شد. در دربار حاکمان، نمایش های لباس اغلب با رقص، آواز و تلاوت به صحنه می رفت که خود درباریان در آن شرکت می کردند. این اولین باله‌ها شامل «مدخل‌های» شخصیت‌هایی بودند که اغلب از اساطیر یونان گرفته شده بودند. یکی از زوج‌های مجلل و مجلل با لباس دیگری جایگزین شد. پس از تمام "خروج ها"، رقص عمومی یا "گراند باله" آغاز شد.

چنین نمایشی در ایتالیا در یک جشن بزرگ در شهر تورتونا (1489) به روی صحنه رفت. خدایان و قهرمانان باستان می رقصیدند و برای مهمانان غذا سرو می کردند. خدایان دریا غذاهای ماهی می آوردند، الهه های باروری میوه و شیرینی سرو می کردند. این رقص باله خوراکی با ورود باشکوه باکوس، خدای شراب به پایان رسید. همین عقاید در بسیاری از دادگاه های اروپایی ظاهر شد.

به تدریج، در باله های دادگاه، قهرمانان اساطیری با ماسک های طنز که افرادی از مردم را به تصویر می کشند - لباسشویی، مسافرخانه، کفاش و غیره جایگزین می شوند. تمام نقش های باله فقط توسط مردان انجام می شد.

لباس ها و ماسک های شرکت کنندگان باله در دادگاه حجیم و ناراحت کننده بود. به عنوان مثال، یک کفاش مجبور بود با یک کفش بزرگ که سرش را پوشانده بود برقصد، و لباس یک ویولن از یک ویولن بزرگ تشکیل شده بود. قهرمانان دوران باستان نیز کت و شلوار سنگینی پوشیده بودند که یادآور لباس دادگاه بود. رقصیدن در چنین لباس هایی بسیار دشوار بود، بنابراین تمام حرکات باله به راه رفتن صاف، کمان های برازنده و ژست های برازنده محدود می شد. علاوه بر این، اگر زنان همراه با مردان در توپ‌های دادگاه شرکت می‌کردند، نقش‌های زنان روی صحنه توسط پسران با ماسک و کلاه گیس اجرا می‌شد.

درباریان به طور تصادفی می رقصیدند، زیرا قوانین اجرای حرکات رقص هنوز وجود نداشت.

با فرمان پادشاه فرانسه لویی چهاردهم، آکادمی سلطنتی رقص در سال 1661 برای ایجاد قوانین و سیستم رقص تاسیس شد. این شامل سیزده معلم رقص بود که توسط پادشاه منصوب شده بود. در سال 1669، یک تئاتر موزیکال (آکادمی سلطنتی موسیقی) تأسیس شد که در ابتدا فقط درباریان در اپرا و باله می رقصیدند. در ابتدا، اجراهای باله تقریباً هیچ تفاوتی با اجراهای دادگاه نداشت. موسیقی، رقص و آواز با یکدیگر ارتباط آزاد داشتند و تأثیر هنری منسجمی ایجاد نمی کردند. رقص ها مانند دربار بود - مینوت های آهسته، گاووت ها، دور از منبع عامیانه خود. زنان فقط در سال 1681 اجازه حضور روی صحنه را داشتند. آنها مجبور بودند با لباس های سنگین و بلند و کفش های پاشنه بلند برقصند. چنین لباس هایی مانع از اجرای رقص های پیچیده رقصنده می شد و به همین دلیل تسلط بر رقص های مردانه از نظر ظرافت، ظرافت، نرمی و تکنیک از رقص های زنان پیشی گرفت.

در ایتالیا، مد باله دادگاه خیلی زودتر گذشت و هنر رقص کاملاً حرفه ای شد. رقصندگان ایتالیایی به دلیل مهارت در تکنیک رقص مشهور بودند. اما هنوز چیزهای زیادی وجود داشت که مانع از تبدیل شدن باله به یک هنر واقعی می شد - متون همراه با رقص، لباس های حجیم و ماسکی که تمام چهره هنرمند را پنهان می کرد.

تا اینکه در سال 1773 رقصنده ماکسیمیلیان گاردل برای اولین بار نقاب سنتی را کنار زد. کمی بعد، بالرین ماری کامارگو با کوتاه کردن دامن خود درست بالای مچ پا و رها کردن پاشنه‌ها به آزادی حرکت دست پیدا کرد و ماری سال با لباس‌های گشاد و سبک که یادآور تونیک یونانی بود شروع به رقصیدن کرد. رقص کم کم معنادارتر شد.

کمک بزرگی به توسعه باله اروپای غربی توسط طراح رقص فرانسوی ژان ژورژ نوور (1727-1810) انجام شد. او در «نامه‌هایی درباره رقص» (1760) خواستار ایجاد رقص «موثر»، یعنی رقص معنادار و گویا بود که در آن احساسات، افکار و رویدادها در حرکات پانتومیم و رقص آشکار می‌شدند. نوور موفق شد این ایده‌های پیشرفته را تا حدی در اجراهای باله که در دادگاه دوک در اشتوتگارت و سایر صحنه‌ها اجرا می‌شد، اجرا کند.

دیدگاه های نوور تأثیر زیادی بر پیشرفت بیشتر باله داشت. لباس و نقاب سنتی کنار گذاشته شد. رقصندگان باله به صورت رایگان و آسان شروع به رقصیدن کردند

لباس ها. حرکات رقص آنها طبیعی تر، رسا و متنوع تر شد. شاگردان و پیروان نوور اولین اجراهای باله را در تاریخ طراحی رقص ایجاد کردند که در آن موسیقی، لباس، مناظر و رقص معنوی و معنادار با هم ادغام شدند. باله "احتیاط بیهوده" که بیش از صد و پنجاه سال پیش توسط داوبروال روی صحنه رفت، امروز در صحنه تئاترهای باله به حیات خود ادامه می دهد.

در طول سالهای انقلاب بورژوازی فرانسه، هنر باله با عناصر رقص محلی غنی شد که قبلاً برای هنرمندان دربار غیرقابل قبول بود. هنر دوران انقلاب به تصاویر قهرمانانه دوران باستان روی آورد.

یکی از آثار برجسته رقص آن زمان، "پیشنهاد به آزادی" توسط طراح رقص پیر گاردل ساخته شد. رقصی به آن وارد شد که با موسیقی مارسی اجرا شد.

در قرن 18 رقص با وسایل بیانی غنی شد. رقصندگان باله، با لباس‌های تن پوش و صندل سبک، می‌توانستند روی پنجه‌های پا بلند برقصند. حرکات دست آزاد و انعطاف پذیر شده است. بازیگران در حالات چهره، حرکات و ژست ها به دنبال انتقال احساسات شخصیت های خود بودند.

در حدود سال 1800، لئوتارد (کت و شلوار بافتنی گوشتی که محکم روی پاها و بدن قرار داشت) اختراع شد و حرکات رقصندگان آزادی کامل داشت. سطح مهارت های رقص به طور قابل توجهی افزایش یافته است. با این حال، رقص مردان همچنان جذاب‌تر از زنان بود.

بر اساس دستاوردهای هنر باله، رقصنده و معلم ایتالیایی کارلو بلاسیس (1803-1878) یک سیستم آموزش رقص را بر اساس پنج موقعیت شروع پاها ایجاد کرد. بلازیس از "زرادخانه" حرکاتی استفاده کرد که توسط نسل های هنرمندان و طراحان رقص از رقص محلی و درباری، از هنر باستانی وام گرفته شده بود. این سیستم بعدها "کلاسیک" نامیده شد.

در نیمه اول قرن نوزدهم. در نهایت مکتب باله کلاسیک ایتالیایی و فرانسوی شکل گرفت.

از ویژگی های تئاتر باله ایتالیایی، تکنیکی زیبا، پرش های پیچیده و حرکات تیز و سفت و سخت دست بود. گاهی اوقات، به خاطر درخشش و فضیلت بیرونی، اجراکنندگان معنی و رسا بودن رقص را قربانی می کردند. S. Viganò طراح رقص که با موفقیت باله های جدی و پیچیده را با موسیقی بتهوون بر اساس طرح تراژدی های شکسپیر و غیره اجرا کرد، در تئاتر La Scala در میلان تنها ماند.

برخلاف ایتالیایی، مدرسه باله فرانسوی به لطف، انعطاف پذیری، نرمی خطوط معروف بود، اما در عین حال سردی اجرا را مشخص می کرد. اجرای باله در فرانسه در قرن هجدهم. معمولا بر اساس یک طرح باستانی یا اسطوره ای.

هنرمندان تئاتر سلطنتی حتی برای بازتولید واقعی ویژگی های تاریخی یا ملی تلاش نمی کردند، بلکه از آداب و لباس های درباری تقلید می کردند. چوپان‌های یونان باستان با کفش‌هایی با پاشنه‌های قرمز، مدل‌شده از شیک پوشان دربار و با کلاه گیس‌های پودری با فر روی صحنه ظاهر شدند. همه اینها باعث ناامیدی بسیاری از رقص نویسان و هنرمندان از کلاسیک شد و آنها را به جستجوی وسایل جدیدی سوق داد که بتواند حقیقت زندگی را به طور کامل تر منتقل کند.

در روسیه، هنر حرفه ای باله در قرن 18 ظاهر شد. اگرچه در ابتدا معلمان و کارگردانان خارجی بودند، رقصندگان روسی خلاقانه از آنها دریافتند که چه چیزی با الزامات فرهنگ رقص روسی، که ارتباط نزدیکی با رقص محلی دارد، دارد، آنچه آن را غنی و اصیل می کند. آنها به دنبال این بودند که عناصر وام گرفته شده را با روحیه ملی آغشته کنند.

اینگونه بود که مکتب رقص کلاسیک روسی شکل گرفت. مهمترین مرحله توسعه آن با اقامت چارلز دیدلو (1767 - 1837) طراح رقص فرانسوی در روسیه، یکی از خالقان رمانتیسم در هنر باله مرتبط است. احساسات زنده انسانی، تعالی شاعرانه محتوای نقاشی های هنری، شیوه اجرا آزاد و جسورانه - این چیزی است که در باله های او جذابیت خاصی داشت و کلمه جدیدی در هنر بود. او به هنرمندان کمک کرد تا تصاویر واقعی تاریخی خلق کنند، محتوای اسطوره های قدیمی را دوباره تفسیر کرد، باله های "Acis and Galatea"، "Zephyr and Flora"، "Cupid and Psyche" را بر اساس آنها به صحنه برد.

دیدلو "باله پرواز" را به عنوان وسیله ای برای بیان هنری معرفی کرد، یعنی پروازهای اجراکنندگان بر روی صحنه، که با کمک دستگاه های مکانیکی انجام می شود.

زمانی که دیدلو هنوز در صحنه انگلیسی بود، شروع به صحنه‌سازی باله‌های واقع‌گرایانه کرد. اما برجسته‌ترین خلاقیت دیدلو، باله‌های دراماتیک «زندانی قفقاز» (بر اساس A.S. پوشکین)، «کلبه مجارستانی» و «Raulde Kreki» بود که در روسیه روی صحنه برد. دیدلو، که معاصرانش او را "شکسپیر و بایرون صحنه باله" می نامیدند، با مهارت متناوب قسمت های خنده دار و دراماتیک، بیننده را وادار کرد تا سرنوشت قهرمانان را با همدردی عمیق دنبال کند. درست است ، در باله های دیدلو هنوز پانتومیم زیادی وجود داشت و رقص ماهیت کمکی داشت ، زیرا شخصیت ها عمدتاً در جشن ها و انواع جشن ها می رقصیدند.

در روسیه، دیدلو بالرین های معروفی مانند آودوتیا ایستومینا و ماریا دانیلوا را آموزش داد. پس از دیدلو، با هر نسل جدید، باله روسی بدیع تر شد.

والبرچ و گلوشکوفسکی، طراحان رقص روسی، مضامین ملی را وارد باله کردند.

حتی یک اجرای باله را نمی توان بدون طراح رقص خلق کرد. او محتوای موسیقی نوشته شده توسط آهنگساز را در تصاویر رقص آشکار می کند، از طریق ترکیب و ترکیب رقص ها فکر می کند و همه نقش ها را توسعه می دهد. در قالب هنری تصاویر رقص، تجربیات عاطفی پیچیده و جهش های قدرتمند روح انسان منتقل می شود. گاهی اوقات در رقص یک طراح رقص موفق می شود افکار و احساسات را کمتر از آنچه می توان با کلمات انجام داد بیان کند.

تخیل خلاق دیدلو باعث پدید آمدن باله ای عاشقانه شد که بیانگر تمایل به آرزوهای متعالی و شاعرانه و افسانه ها بود. قهرمانان خود باله عاشقانه انواع و اقسام موجودات خارق العاده بودند - الف ها، سیلف ها، ارواح و سایه ها. بالرین ماریا تاگلیونی و پدرش، فیلیپ تاگلیونی، طراح رقص، در دهه 30 بودند. قرن نوزدهم نمونه ترین نمایندگان این باله جدید.

بهترین باله دوران رمانتیک، ژیزل، در سال 1841 در پاریس به روی صحنه رفت. این تراژدی یک دختر دهقانی پاک و معتمد را به تصویر می کشد که عمیقاً از خیانت معشوقش شوکه شده است. ژیزل از غم و اندوه می میرد و تبدیل به پری جنگلی می شود. این باله جاودانه جوان به زبان رقص درباره احساسات بزرگ صحبت می کند و هنوز هم در رپرتوار تئاترهای شوروی و خارجی گنجانده شده است.

باله «اسمرالدا» که توسط طراح رقص برجسته فرانسوی J. Perrot (1810-1892) بر اساس رمان «نوتردام پاریس» اثر وی. ”). اینجا حتی یک موجود خارق العاده وجود نداشت. پررو به دنبال بیان مستقیم کنش دراماتیک در رقص بود. استعداد این طراح رقص در سرزمین مادری خود به رسمیت شناخته نشد و واقعاً در انگلستان و به ویژه در روسیه شکوفا شد.

تاریخ باله روسیه با پیشرفت موسیقی کلاسیک روسیه ارتباط نزدیکی دارد. قبل از ظهور موسیقی باله توسط P.I. Tchaikovsky ، موسیقی فقط به عنوان همراهی برای رقص عمل می کرد: فقط یک سرعت خاص ، ریتم و یک ملودی به یاد ماندنی از آن لازم بود. موسیقی باله سمفونیک چایکوفسکی، عمیق، رنگارنگ، رسا، به بیننده کمک کرد تا تصور کند آنچه را نمی توان در رقص بیان کرد. در باله "فندق شکن" آهنگساز دنیای روشن و شاد رویاهای کودکان را آشکار کرد؛ در "دریاچه قو" از عشقی صحبت کرد که طلسم های شیطانی را در هم می شکند؛ در "زیبای خفته" پیروزی خوبی را بر شر نشان داد. زیبایی و خلوص دنیای درونی انسان، که توسط چایکوفسکی تجلیل شد، برای همیشه به محتوای اصلی هنر باله روسی تبدیل شد.

چایکوفسکی در حین کار بر روی زیبای خفته، بیش از یک بار به ماریوس پتیپا (1822-1910) طراح رقص فوق‌العاده برای مشاوره مراجعه کرد. او با تولد فرانسوی تقریباً شصت سال را وقف باله روسی کرد. پتیپا که یک خبره عالی رقص کلاسیک بود، به ویژه در باله های "زیبای خفته"، "دون کیشوت"، "لا بایادر" موفق بود، که در آنها به نظر می رسید رقص ها با موسیقی ادغام می شوند.

یکی دیگر از کارگردانان برجسته باله های چایکوفسکی، لو ایوانف (1834-1901)، رقص های غنایی شگفت انگیز قوها را در دریاچه سوان خلق کرد (اعمال 2 و 4 باله). ایوانف به دنبال آن بود که تمام غنای محتوای موسیقی را در رقص بیان کند.

تلفیق کامل موسیقی، رقص و نقاشی در اجرای باله در آغاز قرن بیستم به دست آمد. رقص M. Fokin و A. Gorsky. آنها نه تنها توانستند زندگی را به طور صادقانه در صحنه باله بازتولید کنند، بلکه ابزارهای بیانی منحصر به فردی را برای هر باله که با محتوا مطابقت دارد پیدا کنند. گورسکی و فوکین با همکاری با بهترین هنرمندان، هنر طراحی اجرا را به سطح بالایی ارتقا دادند.

در غرب در نیمه دوم قرن نوزدهم. باله رو به زوال رفت، معنای مستقل خود را از دست داد و به ضمیمه اپرا تبدیل شد، در حالی که هنر باله روسی به توسعه بهترین ویژگی های باله کلاسیک ادامه داد.

باله کلاسیک با الگوی دقیق حرکت، خلوص نجیب و معنویت اجرا متمایز می شود.

تمام ابزارهای بیان در باله کلاسیک در خدمت آشکار کردن محتوای عمیق و تجربیات پیچیده شخصیت ها هستند.

تورهای باله روسی در پاریس و لندن (در آغاز قرن بیستم) تأثیر خیره کننده ای بر مخاطبان غربی گذاشت. بالرین برجسته روسی آنا پاولوا به عنوان یکی از بزرگترین رقصندگان مدرسه کلاسیک شناخته شد. در رقص "قو در حال مرگ" (موسیقی از سنت سانز، طراحی رقص M. Fokin)، که تنها سه دقیقه طول کشید، پاولوا طیف وسیعی از تجربیات را آشکار کرد. مهارت درخشان طراحان رقص و هنرمندان روسی، هنر الهام گرفته آنا پاولوا تأثیر زیادی در احیای باله اروپایی داشت. پاولوا و پس از سایر معلمانش، مدارس رقص کلاسیک را در انگلستان افتتاح کردند. هنرمندان با استعدادی که آنها تربیت کردند گروه های حرفه ای تشکیل دادند که هنوز هم وجود دارند ("Marie Rambert Ballet"، "Royal Ballet" - سابقا "Sadler's Wells"). کارنامه آنها نه تنها شامل باله های آهنگسازان روسی، بلکه آثار شگفت انگیز چایکوفسکی است.

در دهه 30 قرن XX باله ملی در فرانسه، ایتالیا و دیگر کشورها احیا شد. او از مکتب رقص کلاسیک روسی و شوروی که در غرب بسیار محبوب است وام گرفت.

بهترین میراث کلاسیک مدرسه روسی بیشتر در باله شوروی توسعه یافت. به حق می توان آن را مرحله ای جدید و بالاتر از هنر رقص تلقی کرد. رقص کلاسیک در باله شوروی، مطابق با الزامات عصر ما، به طور مداوم در حال توسعه، بهبود و غنی سازی است و بهترین ویژگی های هنر رقص کشور ما را جذب می کند.

در صحنه شوروی، "دریاچه قو"، "زیبای خفته"، "ژیزل" زندگی جدیدی را تجربه می کنند. با حفظ همه چیز ارزشمند از تولیدات گذشته، آنها با درک متفاوتی از موسیقی، ایده جدیدی از عظمت و زیبایی زندگی آغشته شده اند و با تنش دراماتیک خاصی پر شده اند. هنر باله اتحاد جماهیر شوروی در تلاش است تا بهترین ها را در یک فرد نشان دهد، تمام غنای دنیای درونی او. نه تنها چشم را خوشایند می کند، بلکه آرزوهای نجیب، احساسات و افکار بلند را در مخاطب بیدار می کند.

هنر رقص شوروی با خلق باله های واقع گرایانه بزرگ اختصاص داده شده به قهرمانان عامیانه و مبارزان آزادی کشورها و دوره های مختلف اعتبار دارد. این «خشخاش سرخ» اثر گلیره است (به مقاله «R. M. Gliere» مراجعه کنید)، که توسط V. Tikhomirov و L. Lashchilin به صحنه رفته است. "شعله های پاریس" اثر B. Asafiev، طراح رقص Vainonen; «اسپارتاک» خاچاتوریان (به مقاله «آرام خاچاتوریان» مراجعه کنید). "Laurencia" اثر A. Crane، طراح رقص V. Chabukiani; "مسیر تندر" کارا کارائوا، طراح رقص K. Sergeev. "گل سنگی" توسط S. Prokofiev، طراح رقص Yu. Grigorovich.

صندوق طلایی باله شوروی شامل آثار شگفت انگیزی مانند "چشمه باخچیسارای" اثر ب. آسافیف و "رومئو و ژولیت" اثر اس. پروکوفیف است (به مقاله "S. S. Prokofiev مراجعه کنید"). L. Lavrovsky موفق شد محتوای شاعرانه آثار بزرگ پوشکین و شکسپیر را به زبان رقص ترجمه کند.

مردم شوروی به هنرمندان برجسته ای مانند اولانوا (به مقاله "G. S. Ulanova" مراجعه کنید)، M. Plisetskaya، O. Lepeshinskaya، R. Struchkova، K. Sergeev، V. Chabukiani، و بسیاری دیگر از دانش آموزان با شکوه مدارس باله شوروی افتخار می کنند. .

تحسین عمومی تماشاگران خارجی با تور هنرمندان شوروی برانگیخته شد، آنها به همراه کارگردانان توانستند باله را به "اجرای دراماتیک شدید، پر از سرزندگی، اختراعات رقص ... جلوه های صحنه و احساسات" تبدیل کنند. مطبوعات خارجی نوشتند. اجرای باله شوروی در تعدادی از کشورهای اروپایی و آمریکا به عنوان "رویدادهایی با اهمیت تاریخی" تلقی می شد.

باله یک هنر نسبتاً جوان است. قدمت آن کمی بیش از چهارصد سال است، اگرچه رقص از زمان های قدیم زندگی انسان را تزئین کرده است. باله در دوران رنسانس در شمال ایتالیا متولد شد. شاهزادگان ایتالیایی عاشق جشن های مجلل در قصر بودند که در آن رقص جایگاه مهمی را اشغال می کرد. رقص های روستایی برای خانم ها و آقایان دربار مناسب نبود. لباس آنها، مانند سالن هایی که در آن می رقصیدند، اجازه حرکت غیر سازمان یافته را نمی داد. معلمان ویژه - استادان رقص - سعی کردند نظم را در رقص های دادگاه برقرار کنند. آن‌ها از قبل ارقام انفرادی و حرکات رقص را با بزرگان تمرین می‌کردند و گروه‌هایی از رقصندگان را رهبری می‌کردند. به تدریج رقص بیشتر و بیشتر جنبه نمایشی پیدا کرد.

اصطلاح "باله" در پایان قرن شانزدهم ظاهر شد (از باله ایتالیایی - به رقص). اما پس از آن به معنای اجرا نبود، بلکه فقط یک قسمت رقص بود که حال و هوای خاصی را منتقل می کرد. چنین "باله ها" معمولاً از "خروجی" شخصیت ها - اغلب قهرمانان اسطوره های یونان - به هم پیوسته تشکیل شده است. پس از چنین "خروجی ها" رقص عمومی آغاز شد - "گراند باله".

اولین اجرای باله، باله کمدی ملکه بود که در سال 1581 توسط طراح رقص ایتالیایی Baltazarini di Belgioioso در فرانسه به صحنه رفت. در فرانسه بود که توسعه بیشتر باله اتفاق افتاد. در ابتدا اینها باله های بالماسکه بودند و سپس باله های ملودراماتیک باشکوه با توطئه های جوانمردانه و خارق العاده که در آن قسمت های رقص با آریاهای آوازی و شعرخوانی جایگزین شدند. تعجب نکنید، در آن زمان باله فقط یک اجرای رقص نبود.

در دوران سلطنت لویی چهاردهم، اجراهای باله درباری به شکوه خاصی رسید. لوئیس خود عاشق شرکت در باله بود و پس از ایفای نقش خورشید در باله شب، لقب معروف خود را "پادشاه خورشید" دریافت کرد.

او در سال 1661 آکادمی سلطنتی موسیقی و رقص را ایجاد کرد که شامل 13 استاد برجسته رقص بود. مسئولیت آنها حفظ سنت های رقص بود. مدیر آکادمی، معلم رقص سلطنتی، پیر بوشان، پنج موقعیت اصلی رقص کلاسیک را شناسایی کرد.

به زودی اپرای پاریس افتتاح شد و همان Beauchamp به عنوان طراح رقص منصوب شد. یک گروه باله به رهبری او تشکیل شد. در ابتدا فقط از مردان تشکیل شده بود. زنان تنها در سال 1681 در صحنه اپرای پاریس ظاهر شدند.

این تئاتر اپراها و باله های آهنگساز لولی و کمدی ها و باله های نمایشنامه نویس مولیر را روی صحنه می برد. در ابتدا درباریان در آنها شرکت می کردند و اجراها تقریباً هیچ تفاوتی با نمایش های کاخ نداشت. مینوئت های آهسته، گاووت ها و پاوان ها که قبلا ذکر شد رقصیدند. ماسک ها، لباس های سنگین و کفش های پاشنه بلند زنان را از انجام حرکات پیچیده باز می داشت. بنابراین، رقص مردان پس از آن با ظرافت و ظرافت بیشتر متمایز شد.

در اواسط قرن هجدهم، باله محبوبیت زیادی در اروپا به دست آورد. همه دربارهای اشرافی اروپا در پی تقلید از تجمل دربار سلطنتی فرانسه بودند. خانه های اپرا در شهرها افتتاح شد. تعداد زیادی از رقصندگان و معلمان رقص به راحتی کار پیدا کردند.

به زودی، تحت تأثیر مد، لباس‌های باله زنان بسیار سبک‌تر و آزادتر شدند و خطوط بدن در زیر آن دیده می‌شد. رقصندگان کفش های پاشنه بلند را رها کردند و کفش های بدون پاشنه سبک را جایگزین آن کردند. لباس مردانه نیز کمتر حجیم شد: شلوارهای تنگ تا زانو و جوراب‌های ساق بلند، دیدن چهره رقصنده را ممکن می‌کرد.

هر نوآوری رقص را معنادارتر می کرد و تکنیک رقص را بالاتر می برد. به تدریج باله از اپرا جدا شد و به هنری مستقل تبدیل شد.

گرچه مدرسه باله فرانسه به خاطر ظرافت و انعطاف خود مشهور بود، اما ویژگی آن سردی و رسمی بودن اجرا بود. از این رو طراحان رقص و هنرمندان به دنبال ابزارهای دیگر برای بیان بودند.

در پایان قرن 18، جهت جدیدی در هنر متولد شد - رمانتیسم، که تأثیر زیادی بر باله داشت. در یک باله عاشقانه، رقصنده روی کفش های پوینت ایستاده بود. ماریا تاگلیونی اولین کسی بود که این کار را انجام داد و ایده های قبلی در مورد باله را کاملاً تغییر داد. در باله La Sylphide، او به عنوان موجودی شکننده از دنیای دیگر ظاهر شد. موفقیت خیره کننده بود.

در این زمان، بسیاری از باله های شگفت انگیز ظاهر شدند، اما، متأسفانه، باله رمانتیک آخرین دوره شکوفایی هنر رقص در غرب شد. از نیمه دوم قرن نوزدهم، باله که اهمیت سابق خود را از دست داد، به ضمیمه ای برای اپرا تبدیل شد. تنها در دهه 30 قرن بیستم، تحت تأثیر باله روسی، احیای این هنر در اروپا آغاز شد.

در روسیه، اولین اجرای باله - "باله اورفئوس و اوریدیک" - در 8 فوریه 1673 در دربار تزار الکسی میخایلوویچ به صحنه رفت. رقص های تشریفاتی و آهسته شامل تغییر ژست ها، تعظیم و حرکت های زیبا و متناوب با آواز و سخنرانی بود. او هیچ نقش مهمی در توسعه رقص صحنه ایفا نکرد. این فقط یکی دیگر از "تفریحات" سلطنتی بود که مردم را با غیرمعمول بودن و تازگی خود جذب می کرد.

تنها یک ربع قرن بعد، به لطف اصلاحات پیتر اول، موسیقی و رقص وارد زندگی روزمره جامعه روسیه شد. آموزش اجباری رقص در موسسات آموزشی نجیب معرفی شد. نوازندگان، هنرمندان اپرا و گروه های باله وارداتی از خارج از کشور شروع به اجرا در دادگاه کردند.

در سال 1738، اولین مدرسه باله در روسیه افتتاح شد و سه سال بعد، 12 پسر و 12 دختر از خادمان کاخ، اولین رقصندگان حرفه ای در روسیه شدند. آنها ابتدا در باله های استادان خارجی به عنوان چهره (به قول رقصندگان باله) و بعداً در نقش های اصلی اجرا می کردند. تیموفی بوبلیکوف، رقصنده فوق العاده آن زمان، نه تنها در سن پترزبورگ، بلکه در وین نیز درخشید.

در آغاز قرن نوزدهم، هنر باله روسی به بلوغ خلاقانه رسید. رقصندگان روسی بیان و معنویت را به رقص آوردند. پوشکین با درک دقیق این موضوع، رقص معاصر خود آودوتیا ایستومینا را "پرواز پر از روح" نامید.

باله در این زمان جایگاه ممتازی در میان سایر اشکال هنر نمایشی داشت. مسئولان توجه زیادی به آن داشتند و یارانه های دولتی را در اختیار آنها قرار دادند. گروه‌های باله مسکو و سن پترزبورگ در تئاترهای مجهز اجرا می‌کردند و فارغ‌التحصیلان مدارس تئاتر سالانه به گروه رقصندگان، نوازندگان و دکوراتورها می‌پیوندند.

در تاریخ تئاتر باله ما، نام استادان خارجی که نقش مهمی در توسعه باله روسی داشتند، اغلب یافت می شود. اول از همه، اینها چارلز دیدلو، آرتور سن لئون و ماریوس پتیپا هستند. آنها به ایجاد مدرسه باله روسی کمک کردند. اما هنرمندان با استعداد روسی نیز این فرصت را دادند تا استعدادهای معلمان خود را آشکار کنند. این همواره بزرگترین طراحان رقص اروپا را به مسکو و سنت پترزبورگ جذب کرد. آنها در هیچ کجای جهان نتوانستند مانند روسیه با یک گروه بزرگ، با استعداد و آموزش دیده روبرو شوند.

در اواسط قرن نوزدهم، رئالیسم وارد ادبیات و هنر روسیه شد. طراحان رقص با تب و تاب، اما بی فایده، تلاش کردند تا اجراهای واقع گرایانه خلق کنند. آنها در نظر نگرفتند که باله یک هنر متعارف است و رئالیسم در باله تفاوت قابل توجهی با رئالیسم در نقاشی و ادبیات دارد. بحران هنر باله آغاز شد.

مرحله جدیدی در تاریخ باله روسیه زمانی آغاز شد که آهنگساز بزرگ روسی P. Tchaikovsky برای اولین بار موسیقی برای باله ساخت. دریاچه سوان بود. پیش از این موسیقی باله جدی گرفته نمی شد. این نوع خلاقیت موسیقایی پایین تری در نظر گرفته می شد، فقط همراهی با رقص.

به لطف چایکوفسکی، موسیقی باله در کنار موسیقی اپرا و سمفونیک به یک هنر جدی تبدیل شد. قبلاً موسیقی کاملاً به رقص وابسته بود ، اکنون رقص باید تسلیم موسیقی می شد. ابزارهای جدید بیان و رویکرد جدیدی برای خلق یک اجرا مورد نیاز بود.

توسعه بیشتر باله روسی با نام طراح رقص مسکو A. Gorsky همراه است که با کنار گذاشتن تکنیک های منسوخ پانتومیم ، از تکنیک های کارگردانی مدرن در اجرای باله استفاده کرد. او با اهمیت زیادی به طراحی زیبای اجرا، بهترین هنرمندان را به کار جذب کرد.

اما اصلاح‌کننده واقعی هنر باله، میخائیل فوکین است که علیه ساخت سنتی اجرای باله شورش کرد. او استدلال می‌کرد که موضوع نمایش، موسیقی آن، و دوره‌ای که در آن اکشن اتفاق می‌افتد، نیاز به حرکات رقص متفاوت و الگوی رقص متفاوتی دارد. هنگام اجرای باله "شب های مصر"، فوکین از شعر V. Bryusov و نقاشی های مصر باستان الهام گرفت و تصاویر باله "Petrushka" از شعر A. Blok الهام گرفت. در باله «دافنیس و کلوئه» رقصیدن روی کفش‌های پوینت را کنار گذاشت و نقاشی‌های دیواری باستانی را با حرکات آزاد و انعطاف‌پذیر احیا کرد. شوپینیانای او فضای باله رمانتیک را زنده کرد. فوکین نوشت: "او رویای خلق یک درام باله را از سرگرمی باله و از رقص به زبانی قابل فهم و گفتاری دارد." و او موفق شد.

در سال 1908، اجراهای سالانه رقصندگان باله روسی در پاریس آغاز شد که توسط چهره تئاتر S. P. Diaghilev سازماندهی شد. نام رقصندگان روسیه - واسلاو نیژینسکی، تامارا کارساوینا، آدولف بولم - در سراسر جهان شناخته شد. اما اولین بار در این ردیف نام آنا پاولوا بی نظیر است.

پاولوا - غنایی، شکننده، با خطوط بدن دراز، چشمان بزرگ - حکاکی هایی را برانگیخت که بالرین های رمانتیک را به تصویر می کشد. قهرمانان او یک رویای کاملاً روسی از یک زندگی هماهنگ و معنوی یا مالیخولیا و اندوه در مورد چیزی محقق نشده را منتقل می کردند. "قو در حال مرگ" که توسط بالرین بزرگ پاولوا خلق شده است، نماد شاعرانه باله روسی در آغاز قرن بیستم است.

پس از آن بود که تحت تأثیر مهارت هنرمندان روسی بود که باله غربی خود را تکان داد و باد دومی پیدا کرد.

پس از انقلاب اکتبر 1917، بسیاری از چهره های تئاتر باله روسیه را ترک کردند، اما با وجود این، مدرسه باله روسی زنده ماند. حرکت به سوی زندگی جدید، مضامین انقلابی، و از همه مهمتر دامنه آزمایش خلاقانه، الهام بخش استادان باله بود. آنها با وظیفه ای روبرو بودند: هنر رقص را به مردم نزدیکتر کنند، آن را حیاتی تر و قابل دسترس تر کنند.

این گونه بود که ژانر باله دراماتیک به وجود آمد. اینها اجراهایی بودند که معمولاً بر اساس طرح‌های آثار ادبی معروف ساخته می‌شدند که طبق قوانین اجرای نمایشی ساخته می‌شدند. محتوا از طریق پانتومیم و رقص فیگوراتیو ارائه شد. در اواسط قرن بیستم، باله نمایشی در بحران بود. طراحان رقص تلاش کردند تا این ژانر باله را حفظ کنند و ارزش سرگرمی اجراها را با کمک جلوه های صحنه افزایش دهند، اما، افسوس، بیهوده.

در پایان دهه 1950، نقطه عطفی بود. طراحان رقص و رقصندگان نسل جدید ژانرهای فراموش شده را احیا کرده اند - باله تک پرده، سمفونی باله، مینیاتور رقص. و از دهه 1970، گروه‌های باله مستقل، مستقل از تئاترهای اپرا و باله ظهور کردند. تعداد آنها مدام در حال افزایش است و استودیوهای رایگان رقص و رقص مدرن در بین آنها ظاهر می شوند. اما مدارس آکادمیک باله و رقص کلاسیک همچنان در کشور ما پیشرو هستند.

جالب است

در باله های گذشته یک سیستم کامل از کنوانسیون ها وجود داشت. به عنوان مثال، اگر هنرمندی لبه کف دست خود را روی پیشانی خود ببرد و به این معنی باشد که تاجی بر سر دارد، این به معنای "پادشاه" است. بازوهای خود را به صورت ضربدری روی سینه خود جمع کرد، که به معنای "مرگ" است. به انگشت حلقه دست اشاره کرد ، جایی که معمولاً حلقه می پوشند - "من می خواهم ازدواج کنم" یا "ازدواج"؛ شروع به انجام حرکات موج مانند با دستان خود کرد، به این معنی که او "در کشتی رفت" و غیره. البته، همه این حرکات فقط برای طراحان رقص، بازیگران و تعداد انگشت شماری باله - بازدیدکنندگان معمولی باله - قابل درک بود.

کشور مبدا باله تاریخچه مختصری از باله

ارسال کار خوب خود در پایگاه دانش ساده است. از فرم زیر استفاده کنید

اسناد مشابه

بازیابی رمز عبور