EntréePays d'origine du ballet. Une brève histoire du ballet
Le ballet (ballet français, du latin ballo - je danse) est un type d'art scénique dont les principaux moyens d'expression sont inextricablement liés la musique et la danse.
Le plus souvent, un ballet est basé sur une sorte d'intrigue, un concept dramatique, un livret, mais il existe également des ballets sans intrigue. Les principaux types de danse en ballet sont la danse classique et la danse de caractère. Un rôle important ici est joué par la pantomime, à l'aide de laquelle les acteurs transmettent les sentiments des personnages, leur « conversation » entre eux et l'essence de ce qui se passe. Le ballet moderne utilise également largement des éléments de gymnastique et d'acrobatie.
La naissance du ballet
Le ballet est né en Italie à la Renaissance (XVIe siècle), initialement comme une scène de danse unie par une seule action ou ambiance, un épisode d'un spectacle musical ou d'un opéra. Emprunté à l'Italie, le ballet de cour s'épanouit en France comme un magnifique spectacle d'apparat. La base musicale des premiers ballets (The Queen's Comedy Ballet, 1581) était constituée de danses folkloriques et de cour qui faisaient partie de l'ancienne suite. Dans la seconde moitié du XVIIe siècle, de nouveaux genres théâtraux apparaissent, comme la comédie-ballet, l'opéra-ballet, dans lesquels une place importante est accordée à la musique de ballet et des tentatives sont faites pour la dramatiser. Mais le ballet n'est devenu une forme indépendante d'art scénique que dans la seconde moitié du XVIIIe siècle grâce aux réformes menées par le chorégraphe français J. J. Nover. S’appuyant sur l’esthétique des Lumières françaises, il a créé des performances dans lesquelles le contenu est révélé dans des images plastiques dramatiquement expressives, et a établi le rôle actif de la musique comme « un programme qui détermine les mouvements et les actions du danseur ».
Développement ultérieur du ballet
Le développement et l'épanouissement du ballet se sont produits à l'ère du romantisme.
Costume de ballet moderne (costume de la Fée Dragée de la pièce « Casse-Noisette »)
Retour dans les années 30 du 18ème siècle. La ballerine française Camargo a raccourci sa jupe (tutu) et abandonné ses talons, ce qui lui a permis d'introduire des dérapages dans sa danse. Vers la fin du XVIIIe siècle. le costume de ballet devient beaucoup plus léger et plus libre, ce qui contribue grandement au développement rapide de la technique de danse. En essayant de rendre leur danse plus aérienne, les artistes ont essayé de se tenir sur la pointe des pieds, ce qui a conduit à l'invention des pointes. À l'avenir, la technique des doigts de la danse féminine se développe activement. La première à utiliser la danse sur pointes comme moyen d'expression fut Maria Taglioni.
La dramatisation du ballet a nécessité le développement de la musique de ballet. Beethoven, dans son ballet « Les Œuvres de Prométhée » (1801), fit la première tentative de symphonisation d'un ballet. La direction romantique s'établit dans les ballets d'Adam Giselle (1841) et Corsaire (1856). Les ballets Coppélia (1870) et Sylvia (1876) de Delibes sont considérés comme les premiers ballets symphonisés. Parallèlement, émerge une approche simplifiée de la musique de ballet (dans les ballets de C. Pugna, L. Minkus, R. Drigo, etc.), comme une musique mélodique, au rythme clair, servant uniquement d'accompagnement à la danse.
Le ballet pénètre en Russie et commence à se répandre même sous Pierre Ier. XVIIIe siècle En 1738, à la demande du maître de danse français Jean-Baptiste Lande, la première école de danse classique de Russie fut ouverte à Saint-Pétersbourg (aujourd'hui l'Académie Vaganova du ballet russe).
L'histoire du ballet russe commence en 1738. C'est alors, grâce à la demande de M. Lande, qu'est apparue la première école d'art du ballet en Russie - l'Académie de danse de Saint-Pétersbourg, désormais mondialement connue, du nom d'Agrippina Yakovlevna Vaganova. Les dirigeants du trône russe se sont toujours souciés du développement de l’art de la danse. Mikhaïl Fedorovitch fut le premier des tsars russes à introduire un nouveau poste de danseur au sein du personnel de sa cour. C'était Ivan Lodyguine. Il devait non seulement danser lui-même, mais aussi enseigner ce métier aux autres. Vingt-neuf jeunes gens furent mis à sa disposition. Le premier théâtre est apparu sous le tsar Alexeï Mikhaïlovitch. Ensuite, il était d'usage de montrer une danse sur scène entre les actes d'une pièce de théâtre, appelée ballet. Plus tard, par décret spécial de l'empereur Pierre le Grand, la danse devint partie intégrante de l'étiquette de la cour. Dans les années 30 du XVIIIe siècle, les jeunes nobles étaient obligés d'apprendre la danse. À Saint-Pétersbourg, la danse de salon est devenue une discipline obligatoire dans le corps de cadets de la Gentry. Avec l'ouverture du théâtre d'été dans le Jardin d'été et du théâtre d'hiver dans l'aile du Palais d'Hiver, les cadets commencent à participer à la danse classique. Le professeur de danse du corps était Jean-Baptiste Lande. Il comprit parfaitement qu'à l'avenir les nobles ne se consacreraient plus à l'art du ballet. Bien qu'ils aient dansé dans des ballets à égalité avec les professionnels. Lande, comme personne d'autre, a vu la nécessité du théâtre de ballet russe. En septembre 1737, il dépose une pétition dans laquelle il parvient à justifier la nécessité de créer une nouvelle école spéciale où filles et garçons d'origine simple apprendraient l'art chorégraphique. Bientôt, cette autorisation fut accordée. Douze filles et douze garçons minces furent choisis parmi les serviteurs du palais, que Lande commença à instruire. Le travail quotidien a porté ses fruits, le public était ravi de ce qu'il a vu. À partir de 1743, les anciens élèves de Lande commencèrent à percevoir un salaire de danseur de ballet. L'école réussit très vite à doter la scène russe d'excellents danseurs de corps de ballet et de magnifiques solistes. Les noms des meilleurs étudiants de la première cohorte restent dans l'histoire : Aksinya Sergeeva, Avdotya Timofeeva, Elizaveta Zorina, Afanasy Toporkov, Andrei Nesterov
L'identité nationale du ballet russe commence à se dessiner au début du XIXe siècle grâce au travail du chorégraphe français S.-L. Didlo. Didelot renforce le rôle du corps de ballet, le lien entre danse et pantomime, et affirme la priorité de la danse féminine.
Une véritable révolution dans la musique de ballet a été réalisée par Tchaïkovski, qui y a introduit un développement symphonique continu, un contenu figuratif profond et une expressivité dramatique. La musique de ses ballets « Le Lac des Cygnes » (1877), « La Belle au bois dormant » (1890) et « Casse-Noisette » (1892) acquiert, avec la musique symphonique, la capacité de révéler le flux interne de l'action, d'incarner le personnages des personnages dans leur interaction, leur développement et leur lutte. En chorégraphie, l'innovation de Tchaïkovski a été incarnée par les chorégraphes Marius Petipa et L. I. Ivanov, qui ont jeté les bases de la symphonisation de la danse. La tradition de la musique de ballet symphonisante a été poursuivie par Glazunov dans les ballets « Raymonda » (1898), « La Jeune Servante » (1900) et « Les Saisons » (1900).
Le début du XXe siècle est marqué par des recherches innovantes, la volonté de dépasser les stéréotypes et les conventions du ballet académique du XIXe siècle. Dans ses ballets, le chorégraphe du Théâtre Bolchoï A. A. Gorsky a cherché à atteindre la cohérence dans le développement de l'action dramatique, l'authenticité historique, a tenté de renforcer le rôle du corps de ballet en tant que personnage de masse et de surmonter la séparation de la pantomime et de la danse. . M. M. Fokin a apporté une contribution majeure à l'art du ballet russe en élargissant considérablement la gamme d'idées et d'images du ballet, en l'enrichissant de nouvelles formes et de nouveaux styles. Ses productions des ballets « Chopiniana », « Petrouchka », « Firebird » et d'autres pour les « Saisons russes » ont fait la renommée du ballet russe à l'étranger. La miniature «Le cygne mourant» (1907), créée par Fokin pour Anna Pavlova, a acquis une renommée mondiale. En 1911-13, sur la base des « Saisons russes », la troupe permanente « Ballet russe de Diaghilev » fut créée. Après que Fokine ait quitté la troupe, Vaslav Nijinsky en devient le chorégraphe. Sa production la plus célèbre est le ballet « Le Sacre du printemps » sur la musique de Stravinsky.
Danse moderne
La danse moderne est une direction de l'art de la danse apparue au début du XXe siècle à la suite d'un écart par rapport aux normes strictes du ballet au profit de la liberté créatrice des chorégraphes.
Le ballet s'est inspiré de la danse libre, dont les créateurs ne s'intéressaient pas tant aux nouvelles techniques de danse ou chorégraphies, mais à la danse en tant que philosophie particulière qui pouvait changer la vie. Ce mouvement, né au début du XXe siècle (Isadora Duncan est considérée comme sa fondatrice), a été à l'origine de nombreuses tendances de la danse moderne et a donné une impulsion à la réforme du ballet lui-même.
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Introduction
Le ballet (ballet français, du latin ballo - je danse) est un type d'art scénique dont les principaux moyens d'expression sont inextricablement liés la musique et la danse.
Le plus souvent, un ballet est basé sur une sorte d'intrigue, un concept dramatique, un livret, mais il existe également des ballets sans intrigue. Les principaux types de danse en ballet sont la danse classique et la danse de caractère. Un rôle important ici est joué par la pantomime, à l'aide de laquelle les acteurs transmettent les sentiments des personnages, leur « conversation » entre eux et l'essence de ce qui se passe. Le ballet moderne utilise également largement des éléments de gymnastique et d'acrobatie.
1. La naissance du ballet
Le ballet est né en Italie à la Renaissance (XVIe siècle), initialement comme une scène de danse unie par une seule action ou ambiance, un épisode d'un spectacle musical ou d'un opéra. Emprunté à l'Italie, le ballet de cour s'épanouit en France comme un magnifique spectacle d'apparat. La base musicale des premiers ballets (The Queen's Comedy Ballet, 1581) était constituée de danses folkloriques et de cour qui faisaient partie de l'ancienne suite. Dans la seconde moitié du XVIIe siècle, de nouveaux genres théâtraux apparaissent, comme la comédie-ballet, l'opéra-ballet, dans lesquels une place importante est accordée à la musique de ballet et des tentatives sont faites pour la dramatiser. Mais le ballet n'est devenu une forme indépendante d'art scénique que dans la seconde moitié du XVIIIe siècle grâce aux réformes menées par le chorégraphe français J. J. Nover. S’appuyant sur l’esthétique des Lumières françaises, il a créé des performances dans lesquelles le contenu est révélé dans des images plastiques dramatiquement expressives, et a établi le rôle actif de la musique comme « un programme qui détermine les mouvements et les actions du danseur ».
2. Développement ultérieur du ballet
Le développement et l'épanouissement du ballet se sont produits à l'ère du romantisme.
Costume de ballet moderne (costume de la Fée Dragée de la pièce « Casse-Noisette »).
Retour dans les années 30 du 18ème siècle. La ballerine française Camargo a raccourci sa jupe (tutu) et abandonné ses talons, ce qui lui a permis d'introduire des dérapages dans sa danse. Vers la fin du XVIIIe siècle. le costume de ballet devient beaucoup plus léger et plus libre, ce qui contribue grandement au développement rapide de la technique de danse. En essayant de rendre leur danse plus aérienne, les artistes ont essayé de se tenir sur la pointe des pieds, ce qui a conduit à l'invention des pointes. À l'avenir, la technique des doigts de la danse féminine se développe activement. La première à utiliser la danse sur pointes comme moyen d'expression fut Maria Taglioni.
La dramatisation du ballet a nécessité le développement de la musique de ballet. Beethoven, dans son ballet « Les Œuvres de Prométhée » (1801), fit la première tentative de symphonisation d'un ballet. La direction romantique s'établit dans les ballets d'Adam Giselle (1841) et Corsaire (1856). Les ballets Coppélia (1870) et Sylvia (1876) de Delibes sont considérés comme les premiers ballets symphonisés. Parallèlement, émerge une approche simplifiée de la musique de ballet (dans les ballets de C. Pugna, L. Minkus, R. Drigo, etc.), comme une musique mélodique, au rythme clair, servant uniquement d'accompagnement à la danse.
Le ballet pénètre en Russie et commence à se répandre même sous Pierre Ier. XVIIIe siècle En 1738, à la demande du maître de danse français Jean-Baptiste Lande, la première école de danse classique de Russie fut ouverte à Saint-Pétersbourg (aujourd'hui l'Académie Vaganova du ballet russe).
L'histoire du ballet russe commence en 1738. C'est alors, grâce à la demande de M. Lande, qu'est apparue la première école d'art du ballet en Russie - l'Académie de danse de Saint-Pétersbourg, désormais mondialement connue, du nom d'Agrippina Yakovlevna Vaganova. Les dirigeants du trône russe se sont toujours souciés du développement de l’art de la danse. Mikhaïl Fedorovitch fut le premier des tsars russes à introduire un nouveau poste de danseur au sein du personnel de sa cour. C'était Ivan Lodyguine. Il devait non seulement danser lui-même, mais aussi enseigner ce métier aux autres. Vingt-neuf jeunes gens furent mis à sa disposition. Le premier théâtre est apparu sous le tsar Alexeï Mikhaïlovitch. Ensuite, il était d'usage de montrer une danse sur scène entre les actes d'une pièce de théâtre, appelée ballet. Plus tard, par décret spécial de l'empereur Pierre le Grand, la danse devint partie intégrante de l'étiquette de la cour. Dans les années 30 du XVIIIe siècle, les jeunes nobles étaient obligés d'apprendre la danse. À Saint-Pétersbourg, la danse de salon est devenue une discipline obligatoire dans le corps de cadets de la Gentry. Avec l'ouverture du théâtre d'été dans le Jardin d'été et du théâtre d'hiver dans l'aile du Palais d'Hiver, les cadets commencent à participer à des danses de ballet. Le professeur de danse du corps était Jean-Baptiste Lande. Il comprit parfaitement qu'à l'avenir les nobles ne se consacreraient plus à l'art du ballet. Bien qu'ils aient dansé dans des ballets à égalité avec les professionnels. Lande, comme personne d'autre, a vu la nécessité du théâtre de ballet russe. En septembre 1737, il dépose une pétition dans laquelle il parvient à justifier la nécessité de créer une nouvelle école spéciale où filles et garçons d'origine simple apprendraient l'art chorégraphique. Bientôt, cette autorisation fut accordée. Douze filles et douze garçons minces furent choisis parmi les serviteurs du palais, que Lande commença à instruire. Le travail quotidien a porté ses fruits, le public était ravi de ce qu'il a vu. À partir de 1743, les anciens élèves de Lande commencèrent à percevoir un salaire de danseur de ballet. L'école réussit très vite à doter la scène russe d'excellents danseurs de corps de ballet et de magnifiques solistes. Les noms des meilleurs étudiants de la première cohorte restent dans l'histoire : Aksinya Sergeeva, Avdotya Timofeeva, Elizaveta Zorina, Afanasy Toporkov, Andrei Nesterov
L'identité nationale du ballet russe a commencé à se dessiner au début du XIXe siècle grâce au travail du chorégraphe français Sh.L. Didlo. Didelot renforce le rôle du corps de ballet, le lien entre danse et pantomime, et affirme la priorité de la danse féminine.
Une véritable révolution dans la musique de ballet a été réalisée par Tchaïkovski, qui y a introduit un développement symphonique continu, un contenu figuratif profond et une expressivité dramatique. La musique de ses ballets « Le Lac des Cygnes » (1877), « La Belle au bois dormant » (1890), « Casse-Noisette » (1892) acquiert, avec la musique symphonique, la capacité de révéler le flux intérieur de l'action. Incarnez les personnages des personnages dans leur interaction, leur développement, leur lutte. En chorégraphie, l'innovation de Tchaïkovski a été incarnée par les chorégraphes Marius Petipa et L. I. Ivanov, qui ont jeté les bases de la symphonisation de la danse. La tradition de la musique de ballet symphonisante a été poursuivie par Glazunov dans les ballets « Raymonda » (1898), « La Jeune Servante » (1900) et « Les Saisons » (1900).
Le début du XXe siècle est marqué par des recherches innovantes, la volonté de dépasser les stéréotypes et les conventions du ballet académique du XIXe siècle. Dans ses ballets, le chorégraphe du Théâtre Bolchoï A.A. Gorsky s'est efforcé d'atteindre la cohérence dans le développement de l'action dramatique, l'authenticité historique, a tenté de renforcer le rôle du corps de ballet en tant que personnage de masse et de surmonter la séparation de la pantomime et de la danse. M. M. Fokin a apporté une contribution majeure à l'art du ballet russe en élargissant considérablement la gamme d'idées et d'images du ballet, en l'enrichissant de nouvelles formes et de nouveaux styles. Ses productions des ballets « Chopiniana », « Petrouchka », « Firebird » et d'autres pour les « Saisons russes » ont fait la renommée du ballet russe à l'étranger. La miniature «Le cygne mourant» (1907), créée par Fokin pour Anna Pavlova, a acquis une renommée mondiale. En 1911-13, sur la base des « Saisons russes », la troupe permanente « Ballet russe de Diaghilev » fut créée. Après que Fokine ait quitté la troupe, Vaslav Nijinsky en devient le chorégraphe. Sa production la plus célèbre est le ballet « Le Sacre du printemps » sur la musique de Stravinsky.
scène du romantisme du ballet Tchaïkovski
3. Danse moderne
La danse moderne est une direction de l'art de la danse apparue au début du XXe siècle à la suite d'un écart par rapport aux normes strictes du ballet au profit de la liberté créatrice des chorégraphes.
Le ballet s'est inspiré de la danse libre, dont les créateurs ne s'intéressaient pas tant aux nouvelles techniques de danse ou chorégraphies, mais à la danse en tant que philosophie particulière qui pouvait changer la vie. Ce mouvement, né au début du XXe siècle (Isadora Duncan est considérée comme sa fondatrice), a été à l'origine de nombreuses tendances de la danse moderne et a donné une impulsion à la réforme du ballet lui-même.
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Plan
1. Introduction.
2. Le ballet comme art. Histoire d'origine dans le monde.
5. Le ballet russe au XXIe siècle.
6. Conclusion.
7. Liste des références.
1. Introduction.
Le ballet (du verbe italien « ballare », qui signifie « danser ») est un spectacle musical et chorégraphique et, en outre, un type d'art scénique dans lequel les pensées et les images sont révélées et incarnées à l'aide de la musique et de la plasticité. Une œuvre chorégraphique (ballet) dispose de divers moyens de mise en scène, dont le premier est la danse - le langage principal et principal du théâtre de ballet. Ce que devrait être cette danse dépend du chorégraphe. La danse est l'une des formes de réflexion de l'histoire de la culture ; elle exprime le caractère, le mode de vie et la psychologie d'un peuple particulier. De nombreuses personnalités culturelles marquantes ont défini le concept de « danse » en fonction de l'époque historique à laquelle elles ont vécu et de leur vision du monde. Des personnalités culturelles de premier plan se sont toujours battues pour l'idée de danse-action. Ainsi, A.S. Pouchkine rêvait du « vol rempli d’âme » du Terpsichore russe. O. de Balzac disait que la danse est un des types de l'être. PI. Tchaïkovski a reconnu que la danse, comme le chant, a toujours été un compagnon de la vie quotidienne. N.V. Gogol a écrit sur les danses folkloriques, sur leur langage enflammé et aérien [Shmyrova ; 61].
L'une des formes les plus élevées de chorégraphie est la danse classique, née de la somme de la créativité dansée de tous les peuples du monde, qui est internationale, proche et compréhensible pour tous les habitants de la planète. Danse classique, selon A.Ya. Vaganova est « une forme de mouvement des émotions humaines, c'est la poésie du mouvement humain, comme la musique est la poésie des sons » [Vaganova ; 106].
Une telle danse est une expression du monde spirituel de l’homme. C'est cette qualité qui a rendu le ballet russe célèbre dans le monde entier, devenant ainsi une référence pour l'art du ballet mondial. En Russie, le ballet a atteint la perfection et a pris les formes recherchées par les représentants de cet art du monde entier.
Le ballet russe est une inflorescence de noms, une variété de directions et de thèmes ; c'est une musique et une scénographie brillantes ; plasticité aiguisée et compétences d'acteur les plus élevées. L'histoire du ballet russe est si multiforme que son étude est pertinente à tout moment.
2. Le ballet comme art. Histoire d'origine dans le monde.
Le ballet, comme nous le savons, est né de la danse. Étant l’une des formes d’art les plus anciennes, elle est entrée de manière organique dans la vie humaine dans les temps anciens. La danse est l’un des moyens d’expression émotionnels humains les plus anciens. À un moment donné, la danse a atteint un tout autre niveau, puis le ballet est apparu. Cela s'est produit aux XVe et XVIe siècles, lorsque la danse de cour a commencé à se généraliser en Europe.
Le terme « ballet » lui-même est né en Italie au XVIe siècle, à la Renaissance. De plus, ce terme ne désignait pas tout un spectacle de danse, mais juste un épisode. Le ballet appartient aux formes d'art synthétiques, qui comprennent la danse elle-même, la musique, la dramaturgie (livret) et la scénographie. De plus, un spectacle de ballet comprend également le travail des artistes - costumes, maquillage, etc. Cependant, le principal moyen d’expression artistique du ballet est la danse. Bien qu'il soit impossible d'imaginer un ballet sans musique et sans base dramatique.
La structure du ballet est très diversifiée. Il peut s'agir d'un récit à plan unique, à plans multiples, avec une intrigue clairement définie, avant-gardiste ou dépourvu d'intrigue. Ce type de ballet comprend le ballet miniature, le ballet symphonique et le ballet d'ambiance. Si nous parlons du genre du ballet, il existe alors les genres héroïque, comique, folklorique, ainsi que le ballet moderne et jazz apparu au 20e siècle.
Le mérite le plus important dans le processus de transformation de la danse en représentation théâtrale appartient à l'Italie. C'était dans ce pays entre le XIVe et le XVe siècle. Des maîtres de danse professionnels sont apparus, la danse de salon s'est développée, dont la base était la danse folklorique. La danse de salon acquiert le statut de danse de cour.
Des processus similaires se produisent dans d'autres pays européens : Angleterre, Espagne, France. En Angleterre, les scènes de danse dans lesquelles il y avait une intrigue étaient appelées masques, en Italie et en Espagne - maritimes (moresca, morescha). Les mauresques représentaient l'affrontement entre chrétiens et musulmans et faisaient partie intégrante des processions du carnaval et de la commedia dell'arte. Ce terme était utilisé pour décrire des représentations théâtrales d'esprit populaire, construites sur l'improvisation et présentées sur les places. a joué un rôle important dans la commedia dell'arte.
En 1581, un phénomène important se produit dans l'histoire de l'art du ballet : à Paris, à la cour de Catherine de Médicis, est organisé le tout premier spectacle de ballet, dans lequel la danse, la musique, la pantomime et la parole sont combinées. Le spectacle s’appelait « Circé ou le ballet comique de la reine » et était dirigé par le chorégraphe italien Baltazarini di Belgioioso. C'est à partir de ce moment que le genre du ballet de cour commence à prendre activement forme en France, qui comprend des spectacles, des pastorales, des mascarades et des divertissements dansés.
Au XVIe siècle, les ballets étaient représentés selon le style dominant - le baroque, c'est pourquoi ils se distinguaient par leur faste et leur luxe. À partir du milieu du XVIe siècle, l'art de la danse s'enrichit d'un nouveau type appelé ballo figurato, puisque cette danse était organisée selon le principe de construction de figures géométriques. Le développement actif de l'art de la danse de cour est attesté par la représentation du ballet des femmes turques qui a eu lieu en 1615 au palais Médicis à Florence. En fait, au XVIe siècle, le concept de « ballet » est apparu – juste pendant la Renaissance en Italie.
La transformation de la danse en ballet a commencé à se produire au moment où son exécution a commencé à obéir aux canons établis par Pierre Beauchamp, un chorégraphe français qui a enseigné la chorégraphie à Louis lui-même. Beauchamp collabore activement avec Lully. Grâce à leurs efforts, l’évolution du ballet a considérablement progressé. En 1661, Beauchamp prend la tête de l'Académie française de danse, qui devient en 1875 l'Opéra de Paris. Beauchamp a formulé les règles selon lesquelles les danses devaient être exécutées de la manière noble inhérente à l'époque. Ainsi commença la formation du ballet, qui se développa au XVIIIe siècle. des intermèdes et divertissements à l’art indépendant.
Le XIXe siècle marque la transition du ballet européen vers le romantisme. Les ballets légers et poétiques de cette époque résistent aux débuts de la mécanisation et de l’industrialisation. Les héroïnes des ballets ressemblaient presque à des créatures surnaturelles ; Les créatures d’un autre monde étaient des personnages communs. Le ballet « Giselle » (compositeur A. Adam) fut un ballet marquant de la période romantique. Cette période est également marquée par une nouvelle amélioration de la technique des pointes.
Dans la seconde moitié du XIXe siècle, d'autres tendances dominent le ballet : l'impressionnisme, l'académisme et le modernisme. Le réalisme qui les a remplacés a conduit au déclin du ballet européen. Seul le ballet russe a réussi non seulement à préserver les traditions et les formes, mais aussi à décoller.
Le ballet du XXe siècle en Europe et aux États-Unis se caractérise par un rejet des normes et canons antérieurs. Les spectacles dans lesquels la danse moderne, l'intrigue, le symphonisme et la métaphore sont en premier lieu deviennent à la mode. Des éléments du vocabulaire jazz et sportif ainsi que des motifs folkloriques sont introduits dans la structure du ballet.
La seconde moitié du XXe siècle est une gravitation vers les traditions postmodernes. Des éléments d'autres arts pénètrent dans le ballet : photographie, cinéma, effets sonores et lumineux, musique électronique. De nouveaux genres émergent également : le ballet de contact, dans lequel l'artiste interagit avec le public ; Les ballets miniatures et les ballets de nouvelles sont de plus en plus répandus. L'art du ballet était le plus développé aux États-Unis, en Grande-Bretagne et en France. Les danseurs émigrés russes ont joué un rôle important dans le développement du ballet mondial. Ainsi, nous pouvons dire que le ballet mondial, né pendant la Renaissance européenne, a traversé un chemin de développement très difficile, absorbant les tendances dominantes de l'art à chaque étape de son évolution. Le ballet européen, ayant influencé la formation du ballet russe, ne pouvait le surpasser à l'avenir.
3. L'apparition du ballet en Russie. Les premières troupes, performances, dirigeants.
En Russie, le ballet est apparu au vrai sens du terme vers 1735, c'est-à-dire au XVIIIe siècle. À cette époque, en Russie, le sol de la danse était déjà bien préparé pour la formation et le développement du ballet, et ce sol se composait de deux couches : nationale et étrangère. Par la suite, les danses folkloriques ont été incluses dans le ballet, la comédie, l'opéra, et non seulement au XVIIIe siècle, mais aussi plus tôt, à leurs balbutiements, à la fin du XVIIe siècle.
En 1675, sous le règne du tsar Alexeï Mikhaïlovitch, une pièce intitulée « Sirènes ou nymphes slaves », une fabuleuse comédie avec chants et danses, fut mise en scène. La première représentation théâtrale eut lieu en octobre 1672. Une date célèbre dans l’histoire du ballet est le règne de Pierre le Grand. Le tsar encouragea les troupes étrangères à venir en Russie. DANS. Mikhnevich affirme que Pierre Ier « a obligé les entrepreneurs étrangers à enseigner l'art théâtral, la danse et la musique avec un bon zèle et toutes les révélations aux étudiants russes choisis parmi les commis » [Mikhnevich ; 77].
Sous Pierre Ier, des intermèdes avec des ballets et des représentations théâtrales avec des danses étaient donnés de temps en temps, mais son règne n'a pas eu d'impact significatif sur l'évolution du ballet. L'année 1734 est une étape importante dans l'histoire du ballet russe, puisque cette année-là une troupe de ballet italienne ainsi que le danseur français Jean Baptiste Lande se sont rendus à Saint-Pétersbourg. Il a joué un rôle très important dans le développement du ballet russe. Grâce à ses efforts, la première école de théâtre de l'histoire de la Russie fut ouverte en mai 1738, ce qui revêtit une importance exceptionnelle pour le développement du ballet russe. [Dobrovolskaïa ; 248].
En 1757, Giovanni Locatelli, un chorégraphe qui a également beaucoup fait pour le ballet russe, arrive en Russie. Ses ballets, comme ceux d'un autre chorégraphe, Sacco, constituent une avancée majeure et ouvrent la voie à une étape importante suivante. Nous parlons de la période pendant laquelle D.M.G. Angiolini et F. Hilferding. À l'époque d'Elizabeth Petrovna, la soi-disant. comédies musicales avec chants et danses. Ensuite, une nouvelle ère commence dans l’histoire du ballet et elle est liée à l’ère de Catherine II.
Catherine II se souciait beaucoup de la prospérité du monde du théâtre et réussissait à l'organiser superbement. Sous le règne de Catherine II, le ballet russe est devenu l'une des plus importantes arènes européennes pour la réforme du ballet classique [Lifar ; 40]. Angiolino est devenu particulièrement célèbre en ce sens. Ses ballets connurent un immense succès, ses contemporains parlaient de lui comme d’un « chorégraphe parfait ». Non moins significatives doivent être reconnues les activités de Pierre Grange, le principal rival d'Angiolini et Hilferding. Il préfère les activités plus variées et met en scène des ballets anacréontiques, héroïques et allégoriques. Mais il n'a pas évité les ballets comiques et quotidiens, qui ont acquis une grande popularité auprès du public. C'était en effet un chorégraphe très prolifique.
Malheureusement, la plupart des ballets de l'époque de Catherine ne conservent pas les noms de leurs créateurs. Pendant ce temps, sans eux, le tableau de l’art chorégraphique n’est pas complet. Cependant, ceux d'entre eux qui ont survécu dans l'histoire avaient une ligne de développement commune (nous parlons des années 60-70 du XVIIIe siècle). Cette période est caractérisée par la tendance suivante : la domination des noms étrangers. Quant à la technique de la danse, son amélioration s'observe ici. Les performances des danseurs pétersbourgeois sont au niveau de celles parisiennes.
Et si Hilferding et Angiolini marquaient le début de l’ère du ballet de Catherine, alors sa finale fut Karl Lepik, G. Canziani, I.I. Walsberg-Lesogorov. Le nom de famille est particulièrement significatif puisqu'il s'agit d'un nom russe. Bien que Walsberg-Lesogorov soit d’origine suédoise, il se considérait comme russe et son objectif était de créer un « ballet moral » différent. La contribution de Walberg au ballet russe fut énorme. Grâce à lui, cet art a fait un pas en avant.
La seconde moitié de l'époque de Catherine est devenue célèbre grâce aux noms de danseurs très talentueux. Tout d'abord, c'est V.M. Balachov et I.L. Eropkine. Les contemporains ont décrit les sauts d’Eropkin comme une sorte de miracle qui n’avait pas encore été vu sur la scène russe parmi les artistes russes. Les noms de ballerines telles que A. Pomoreva, M. Kolombusova, N.P. se démarquent. Berilova. La dernière ballerine de la liste ci-dessus des ballerines brillait à l'époque de Paul Ier, était l'incarnation de la grâce et un maître de la pantomime.
À la fin du XVIIIe siècle, des théâtres de serfs et, par conséquent, des ballets font leur apparition en Russie. Les cinémas maison des nobles, qui aspirent au faste, au luxe et à la richesse de l'environnement théâtral, prennent de l'ampleur. Chacun d'eux veut avoir autant d'acteurs, chanteurs, danseurs talentueux que possible, et ils les cherchaient parmi les serfs. Le théâtre du comte N.P. est devenu particulièrement célèbre. Cheremetev.
Le nom de Didelot se fait connaître. Un objectif important de Didelot en tant que professeur était de préparer des danseurs de haut niveau. Didelot a collaboré avec K.A. Kavos - un chorégraphe éminent. Ensemble, ils ont mis en avant le concept de programmation, qui impliquait l'unité de la dramaturgie - chorégraphique et musicale. Les ballets de Didelot étaient déjà annonciateurs du romantisme. Dans ses productions, Didelot parvient à combiner la danse solo et le corps de ballet, les réunissant en un seul ensemble.
Ainsi, dans le premier tiers du XIXe siècle, le ballet russe approchait de sa maturité créatrice. On pouvait déjà parler de la création d'une école nationale, dont les caractéristiques devinrent plus tard la gloire du ballet russe : virtuosité de la technique, psychologisme et profondeur, véracité et sincérité, beauté et grâce.
L’ouverture du Théâtre Bolchoï à Moscou en 1825 constitue un événement majeur. Grâce à cette circonstance, la troupe de ballet de Moscou disposait d'une scène superbement équipée. À partir de 1830, les troupes de Saint-Pétersbourg et de Moscou ont commencé à se produire dans des théâtres dotés d'un excellent équipement. L'école de théâtre a doté la sphère du ballet de personnel : danseurs, artistes, musiciens.
La musique d’opéra de M.I. a eu une grande influence sur le ballet russe. Glinka, où les scènes de danse contenaient des caractéristiques musicales précises, des images en développement et une origine nationale clairement exprimée.
30-40 ans - la période du romantisme. Le choc de la réalité et du rêve, inhérent à la vision romantique, s'est reflété dans l'évolution du ballet, qui s'est divisé en deux directions. Le premier était caractérisé par un drame prononcé et une volonté de critiquer la réalité. La deuxième direction était basée sur le fantasme, l'irréalité des images. Dans ces ballets, les fantômes, les sylphes, les ondines, etc. jouaient souvent le rôle de personnages. Les deux directions étaient unies par l'image d'un protagoniste rêveur entrant en conflit avec la dure réalité, ainsi que par une caractéristique innovante, à savoir la relation harmonieuse établie entre la danse et la pantomime. Un autre fait important est à noter. La danse est désormais devenue l'élément primordial du ballet.
Bientôt, le réalisme remplace le romantisme dans l’art et la littérature (milieu du XIXe siècle). Cependant, ses tendances ne se reflètent pas dans le ballet, car il reste un art de cour et ses fonctions principales sont esthétiques et divertissantes. Début des années 60 marqué par des intrigues et des divertissements de contes de fées. Cependant, durant cette période, le processus d’évolution du ballet fut ralenti au niveau des techniques, de la composition et des formes. Tous ces éléments étaient strictement réglementés.
La composition du spectacle était basée sur une combinaison de fragments de danse et d'épisodes de pantomime, tandis que la pantomime commençait à avoir un caractère de service. Surtout, la technique et l'éloignement de la forme commencent à être valorisés. Tout cela conduit au fait que le sens commence à disparaître de l'art du ballet.
Et néanmoins, c'est le ballet russe qui a établi de nouvelles traditions hautement artistiques et est ensuite devenu un modèle pour l'ensemble de l'art du ballet mondial. Cette circonstance est liée au nom du danseur et chorégraphe exceptionnel M.I. Pétipa. Son activité créatrice a commencé à une époque où les traditions antérieures devenaient déjà obsolètes. Petipa a capté l'une des principales tendances de l'époque qui passe - la symphonisation de la danse et a beaucoup fait pour l'améliorer et l'enrichir. Petipa a mis en scène la chorégraphie de manière à mettre clairement en évidence les motivations et les caractéristiques des personnages, exprimées à travers la danse. Un rôle décisif dans les expériences de Petipa a été joué par sa collaboration avec P.I. Tchaïkovski et A.K. Glazounov. Grâce à leur activité créatrice commune, naissent de véritables chefs-d'œuvre, tant musicalement que ballet : « La Belle au bois dormant », 1890 ; "Le Lac des Cygnes", 1895 (ballets de P.I. Tchaïkovski) et "Raymonda", 1898, "Saisons", 1900" (œuvres de A.K. Glazunov). Ces œuvres constituent le summum du ballet symphoniste du XIXe siècle.
Ainsi, s'affranchissant de l'influence européenne, le ballet russe prend peu à peu son aspect unique, qui conquiert le monde entier.
4. Histoire du ballet en Russie au XXe siècle.
Le début du XXe siècle est caractérisé par les positions de leader du ballet russe dans l'art du ballet mondial. Aujourd'hui, l'école de ballet russe possède le meilleur répertoire et les meilleures traditions capitales. Durant cette période, en raison des changements sociaux, tous les types d’art se modernisent. Leur objectif principal est un reflet critique de la vie. Le ballet, qui dispose désormais de tout le potentiel de renouvellement en termes de style et de méthode, nécessitait des changements similaires. Durant cette période, les chorégraphes-réformateurs sont actifs : A.A. Gorsky et M.M. Fokine. Ils promeuvent un certain nombre de principes artistiques : naturel plastique, véracité stylistique, unité d'action. Ces chorégraphes ont contribué au remplacement des anciennes formes de ballet, devenues obsolètes, en approuvant le drame chorégraphique, dans lequel les scénographes sont devenus les principaux co-auteurs du chorégraphe.
Fokin et Gorsky ont collaboré avec des artistes contemporains exceptionnels : A.N. Benoit, K.A. Korovine, L.S. Bakstrom, A. Ya. Golovine, N.K. Roerich. Dans leur conception, les performances ont pris un son nouveau et original
Les événements organisés par l'éminent entrepreneur S.P. sont devenus un événement grandiose non seulement pour le ballet, mais aussi pour toute la vie culturelle. La tournée de Diaghilev des ballets russes à Paris, appelés « Les Saisons russes ». L'ouverture de la saison a été la musique innovante d'I.F. Stravinsky (ballets « L'Oiseau de feu », 1910 et « Petrouchka », 1911 - tous deux chorégraphiés par Fokine). V.F. brillait dans des ballets sur la musique de Stravinsky. Nijinski. Un spectacle aussi grandiose a contribué au fait que de grands artistes, compositeurs et musiciens ont afflué vers le ballet en tant que forme d'art à part entière.
Au moment de la Révolution d’Octobre (1917), le ballet avait déjà acquis la gloire de trésor national ; art contenant une énorme valeur culturelle. En raison du changement radical survenu, de nombreux danseurs de ballet ont émigré, tandis que ceux qui sont restés ont subi des pressions idéologiques. Dans le même temps, le théâtre de ballet s'efforçait de préserver les traditions antérieures.
Chorégraphes V.D. Tikhomirov et L.A. Lashchilin a travaillé sur des ballets en plusieurs actes, s'efforçant de moderniser et d'enrichir les formes canoniques. Un exemple frappant en est le ballet « Le coquelicot rouge » (1927, compositeur R.M. Glière).
A Leningrad, F.V. devient directeur artistique de la troupe. Lopoukhov. Excellent connaisseur du patrimoine classique, il était par nature un réformateur. C'est à partir de cette position qu'il aborde le répertoire classique, le restaure et y introduit de nouveaux thèmes. Lopukhov a mené ses recherches dans le domaine de la mise en scène dramatique. Son mérite est l'enrichissement de la plasticité du ballet avec de nouveaux éléments : acrobatiques, sportifs, ludiques, rituels.
Ballet soviétique des années 1930. se distinguait par son orientation héroïque, la complexité psychologique de ses personnages et sa large palette, qui comprenait à la fois le lyrisme et la tragédie. 30-40 ans - l'étape de synthèse des formes du ballet classique et de la danse nationale, caractérisées par un caractère pointu et des couleurs nationales ; combinaison de débuts en solo et en masse. Le drame chorégraphique commence à dominer. Dans les ballets de ce type, tous les éléments du spectacle : danse, musique, pantomime, conception artistique étaient subordonnés à l'intention du metteur en scène, qui développait une dramaturgie basée sur une œuvre littéraire. A cela s'ajoutent des ballets des années 30 et 40. reflétait l'intérêt de l'art de cette période pour l'histoire et le folklore national.
La période de la Grande Guerre patriotique a été marquée par le travail actif des principaux représentants du ballet de Moscou et de Léningrad en matière d'évacuation. À cet égard, de nombreuses troupes provinciales connaissent une croissance professionnelle importante. Dans les premières années qui ont suivi la guerre, le thème patriotique a commencé à dominer l'art du ballet.
La nouvelle génération de chorégraphes se concentre désormais sur le système développé de danse et de dramaturgie musicale. Dans leur concept créatif, la musique était la base de toute l'action. C'est une tendance des années 1950. Durant cette période, le nom Yu.N. est devenu particulièrement significatif. Grigorovitch. En 1957, il crée une nouvelle version du ballet « Le Conte de la fleur de pierre », dans lequel toute l'action est subordonnée à la musique de S.S. Prokofiev, son profond contenu poétique et philosophique. En 1961, apparaît le nouveau chef-d'œuvre de Grigorovitch - le ballet "La Légende de l'Amour" (compositeur A. Melikov) et en 1968 - "Spartacus" (compositeur A.I. Khachaturian).
En 1979 a eu lieu la première à Moscou du ballet « Roméo et Juliette », interprété par Yu.N. Grigorovich, et déjà en 1980 sont apparues ses performances légendaires «La Mouette» (compositeur R.K. Shchedrin), dans lesquelles M.M. agissait à la fois en tant que chorégraphe et interprète. Plisetskaïa. Créativité M.M. Plisetskaya constitue une étape particulière dans l’histoire du ballet russe. Le rôle de Carmen dans la suite du même nom de Bizet-Shchedrin est reconnu comme un génie dans le monde entier. La contribution de Plisetskaya au ballet mondial et russe est inestimable.
Vers la fin des années 80-90. et leur influence sur le ballet russe T.B. Predeina écrit ce qui suit : « La dernière étape du ballet soviétique couvre la période 1985-1991. et est associé à la perestroïka de Gorbatchev. Au cours de ces années, la pression administrative et politique sur l'art s'est affaiblie, ce qui a entraîné le rejet du caractère opportuniste des productions » [Predeina ; 105]. Une nouvelle étape dans l'évolution du ballet russe n'a commencé qu'au XXIe siècle.
5. Le ballet russe au XXIe siècle.
Le XXIe siècle a donné de nouveaux noms au ballet russe. Son renouveau s’amorce à la fin des années 2000 après une période de déclin. L'un des plus grands chorégraphes est considéré comme A.O. Ratmanski. Les événements étaient ses performances « Bright Stream » (2002) sur la musique de D.D. Chostakovitch (2002) pour le Théâtre Bolchoï et « Cendrillon » pour le Théâtre Mariinsky. Pour la pièce "Lea", Ratmansky a reçu le Golden Mask Award en 2003.
En plus des théâtres d'État, des troupes et des écoles privées ont commencé à émerger, soutenant d'autres tendances du ballet. Parmi eux, se distingue le « Théâtre de danse », dirigé par A.N.. Fadeechev ; théâtres de danse du mouvement postmoderne (sous la direction de G.M. Abramov, E.A. Panfilov, A.Yu. Pepelyaev), ainsi que le « Ballet Impérial » de G. Taranda.
Chacun de ces théâtres est un phénomène unique. Ainsi, la troupe d'E.A. Panfilova, intitulée « Expérience » ou « Théâtre de Perm de E. Panfilov », maîtrise avec succès le domaine du jazz, du classique, du folklore et de la musique moderne. Grâce à la synthèse de toutes ces directions, la troupe de Panfilov a pu créer son propre film unique. Panfilov lui-même, décédé prématurément, était souvent appelé le deuxième Diaghilev.
Comme auparavant, les théâtres Bolchoï et Mariinsky ont élevé une génération de talents brillants qui conquièrent aujourd'hui la scène mondiale : U. Lopatkina, D. Vishneva, N. Tsiskaridze, S. Zakharova, M. Alexandrova, I. Tsvirko, D. Khokhlova , E. Latypov, N. Batoeva et bien d'autres.
Aujourd'hui, le ballet continue de se développer de manière intensive, comme en témoignent non seulement de nombreux théâtres et troupes privées, mais aussi des concours de ballet régulièrement organisés. Outre le développement des traditions classiques, des genres et des formes expérimentaux se développent activement. Il en va de même pour le répertoire. Les théâtres présentent toujours des ballets classiques, mais en même temps de nouvelles productions, et à bien des égards inhabituelles, sur des musiques de divers genres apparaissent sur scène.
Le ballet du XXIe siècle est encore très jeune, mais la variété des noms talentueux et des expériences réussies, ainsi que le maintien des traditions, donnent à penser que cet art n'est pas encore épuisé et a de grandes perspectives.
6. Conclusion.
Cet ouvrage examine l'histoire du ballet russe. Apparu dans la seconde moitié du XVIIe siècle comme divertissement de cour, le ballet russe est devenu dès le XVIIIe siècle un art grand et original. Aux XIXe et XXe siècles, il a complètement dépassé les ballets de tous les pays du monde et est devenu la carte de visite du pays.
Le ballet russe avait deux sources : la danse nationale et l'influence étrangère. Ce dernier a d'abord prévalu dans l'art du ballet russe : chorégraphes et danseurs français et italiens ont travaillé avec altruisme dans le domaine russe. Par la suite, la situation a radicalement changé. Les chorégraphes et danseurs russes ont élevé le ballet russe à des sommets sans précédent. Complication et amélioration de la technique du ballet, des talents d'acteur, d'une dramaturgie réfléchie et profonde - telles sont les étapes de l'évolution par lesquelles le ballet russe s'est élevé. D’art divertissant, il est devenu un art de très haut niveau qui a conquis le monde entier. Chacun des grands chorégraphes et danseurs de Russie possède un style original, des talents d'acteur les plus élevés et une technique perfectionnée. Le ballet russe est un phénomène culturel, source de perfection morale qu’il faut préserver et nourrir.
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Le ballet est un art poétique. Il se caractérise par des thèmes sublimes, héroïques et lyriques. Le monde fabuleusement merveilleux des images de danse excite profondément et éveille de nobles aspirations.
Les spectacles de ballet combinent une intrigue fascinante créée par un écrivain, une musique composée par un compositeur, une danse inventée par un chorégraphe et interprétée par des artistes, des paysages pittoresques et des costumes réalisés selon les plans de l'artiste.
Cet art complexe s’est développé assez tard. Le ballet a un peu plus de quatre cents ans, même si l'art de la danse existe depuis plusieurs millénaires (voir article « Danse folklorique »).
Le ballet est né en Italie au XVe siècle. Des danses folkloriques, le nom «balletti» (italien «ballare» - danser et «balletti» - danses) est passé à des danses plus complexes exécutées lors des bals de cour. Dans les cours des dirigeants, des spectacles costumés étaient souvent organisés avec de la danse, des chants et des récitations, auxquels les courtisans eux-mêmes participaient. Ces premiers ballets consistaient en des « entrées » de personnages vaguement liés, le plus souvent tirés de la mythologie grecque. Un couple richement et somptueusement habillé a été remplacé par un autre. Après toutes les « sorties », la danse générale, ou « grand ballet », commença.
Une telle représentation a été organisée en Italie lors d'une grande fête dans la ville de Tortona (1489). Les anciens dieux et héros dansaient et servaient à manger aux invités. Les divinités de la mer apportaient des plats de poisson, les déesses de la fertilité servaient des fruits et des friandises. Ce ballet gastronomique s'est terminé par la magnifique entrée de Bacchus, le dieu du vin. Les mêmes idées sont apparues dans de nombreux tribunaux européens.
Peu à peu, dans les ballets de cour, les héros mythologiques sont remplacés par des masques comiques représentant des personnages du peuple - blanchisseuses, aubergistes, cordonniers, etc. Tous les rôles du ballet étaient interprétés uniquement par des hommes.
Les robes et les masques des participants au ballet de cour étaient volumineux et inconfortables. Par exemple, un cordonnier devait danser avec une énorme chaussure qui lui couvrait la tête, et le costume d'un violoniste se composait d'un grand violon. Les héros de l’Antiquité étaient également vêtus d’un costume épais, rappelant les costumes de cour. Il était très difficile de danser dans de tels costumes, c'est pourquoi tous les mouvements de ballet se limitaient à une marche douce, des arcs gracieux et des poses gracieuses. De plus, si les femmes participaient aux bals du tribunal avec les hommes, alors sur scène, les rôles des femmes étaient interprétés par des garçons portant des masques et des perruques.
Les courtisans dansaient au hasard, car les règles pour exécuter les mouvements de danse n'existaient pas encore.
Par décret du roi de France Louis XIV, l'Académie Royale de Danse a été fondée en 1661 pour développer des règles et un système de danses. Elle comprenait treize professeurs de danse nommés par le roi. En 1669, un théâtre musical (Royal Academy of Music) fut fondé, où au début seuls les courtisans dansaient dans les opéras et les ballets. Au début, les représentations de ballet n'étaient presque pas différentes des représentations de cour. La musique, la danse et le chant étaient vaguement liés les uns aux autres et ne produisaient pas une impression artistique cohérente. Les danses étaient les mêmes qu'à la cour : menuets lents, gavottes, bien loin de leur source folklorique. Les femmes n'étaient autorisées à apparaître sur scène qu'en 1681. Elles devaient danser avec des robes longues et lourdes et des chaussures à talons hauts. De tels costumes empêchaient les danseurs d'exécuter des danses virtuoses complexes et, par conséquent, la maîtrise des danses masculines surpassait les danses féminines en termes de grâce, d'élégance, de douceur et de technique.
En Italie, la mode du ballet de cour est passée beaucoup plus tôt et l'art de la danse est devenu complètement professionnel. Les danseurs italiens étaient célèbres pour leur virtuosité technique de danse. Mais il y avait encore beaucoup de choses qui empêchaient le ballet de devenir un véritable art : les textes accompagnant la danse, les costumes volumineux et le masque qui cachait tout le visage de l'artiste.
Il faudra attendre 1773 pour que le danseur Maximilien Gardel se débarrasse pour la première fois du masque traditionnel. Un peu plus tard, la ballerine Marie Camargo obtient une certaine liberté de mouvement en raccourcissant sa jupe juste au-dessus de la cheville et en abandonnant les talons, et Marie Salle se met à danser dans des vêtements amples et légers rappelant une tunique grecque. La danse est progressivement devenue de plus en plus significative.
Le chorégraphe français Jean-Georges Noverre (1727-1810) a apporté une contribution particulièrement importante au développement du ballet d'Europe occidentale. Dans ses « Lettres sur la danse » (1760), il appelle à la création d'une danse « efficace », c'est-à-dire significative et expressive, dans laquelle les sentiments, les pensées et les événements seraient révélés dans des mouvements de pantomime et de danse. Noverre n'a réussi à mettre en œuvre ces idées avancées que partiellement dans les spectacles de ballet présentés à la cour ducale de Stuttgart et sur d'autres scènes.
Les vues de Noverre ont eu une influence considérable sur le développement ultérieur du ballet. Le costume et le masque traditionnels ont été abandonnés. Les danseurs de ballet ont commencé à danser librement et facilement.
vêtements. Leurs mouvements de danse sont devenus plus naturels, expressifs et variés. Les étudiants et les adeptes de Noverre ont créé les premiers spectacles de ballet de l'histoire de la chorégraphie, où musique, costumes, décors et danse spirituelle et significative se sont fusionnés. Le ballet « Vaine Précaution », mis en scène par Dauberval il y a plus de cent cinquante ans, continue aujourd'hui de vivre sur les scènes des théâtres de ballet.
Au cours des années de la révolution bourgeoise française, l'art du ballet s'est enrichi d'éléments de danse folklorique, auparavant inacceptables pour les artistes de la cour. L’art de l’époque révolutionnaire s’est tourné vers les images héroïques de l’Antiquité.
L'une des productions chorégraphiques remarquables de l'époque, « Offrande à la liberté », a été créée par le chorégraphe Pierre Gardel. Une danse y fut introduite, exécutée sur la musique de la Marseillaise.
Au XVIIIe siècle la chorégraphie s'est enrichie de moyens expressifs. Les danseurs de ballet, vêtus de tuniques légères et de sandales, pouvaient déjà danser sur des demi-orteils hauts. Les mouvements des mains sont devenus libres et flexibles ; dans les expressions faciales, les mouvements et les gestes, les acteurs cherchaient à transmettre les sentiments de leurs personnages.
Vers 1800, le justaucorps (un costume tricoté de couleur chair qui épouse parfaitement les jambes et le corps) est inventé et les mouvements des danseurs bénéficient d'une totale liberté. Le niveau de compétences en danse a considérablement augmenté. Cependant, la danse masculine reste plus virtuose que celle des femmes.
Sur la base des réalisations de l'art du ballet, le danseur et professeur italien Carlo Blasis (1803-1878) a développé un système d'enseignement de la danse basé sur cinq positions de départ des jambes. Blazis a utilisé un « arsenal » de mouvements empruntés par des générations d'artistes et de chorégraphes à la danse folklorique et de cour, à l'art ancien. Ce système fut plus tard appelé « classique ».
Dans la première moitié du XIXe siècle. Les écoles italienne et française de ballet classique sont enfin créées.
Le théâtre de ballet italien se caractérisait par une technique virtuose, des sauts complexes et des mouvements de main nets et rigides. Parfois, au nom de la brillance extérieure et de la virtuosité, les interprètes sacrifiaient le sens et l'expressivité de la danse. Le chorégraphe S. Viganò, qui a mis en scène avec succès des ballets sérieux et complexes sur la musique de Beethoven, basés sur les intrigues des tragédies de Shakespeare, etc., est resté seul au Théâtre La Scala de Milan.
Contrairement à l'école de ballet italienne, l'école de ballet française était célèbre pour sa grâce, sa plasticité, la douceur de ses lignes, mais en même temps elle se caractérisait par la froideur de l'exécution. Représentation de ballet en France au XVIIIe siècle. généralement basé sur une intrigue ancienne ou mythologique.
Les artistes du théâtre royal ne s'efforçaient même pas de reproduire fidèlement les caractéristiques historiques ou nationales, mais imitaient les manières et les costumes de la cour. Les bergers de la Grèce antique apparaissaient sur scène avec des chaussures à talons rouges, inspirées des dandys de la cour, et des perruques poudrées avec des boucles. Tout cela a suscité la déception du classicisme chez de nombreux chorégraphes et artistes, les poussant à rechercher de nouveaux moyens capables de transmettre plus pleinement la vérité de la vie.
En Russie, l'art du ballet professionnel est apparu au XVIIIe siècle. Bien qu'au début les professeurs et les directeurs soient étrangers, les danseurs russes ont perçu d'eux de manière créative ce qui répondait aux exigences de la culture de la danse russe, étroitement liée à la danse folklorique, ce qui l'enrichissait et l'ennoblit. Ils cherchaient à imprégner les éléments empruntés d’un esprit national.
C'est ainsi que s'est formée l'école russe de danse classique. L'étape la plus importante de son développement est associée au séjour en Russie du chorégraphe français Charles Didelot (1767 -1837), l'un des créateurs du romantisme dans l'art du ballet. Les sentiments humains vivants, la sublimité poétique du contenu des peintures artistiques, la manière libre et audacieuse de l'interprétation - c'est ce qui était particulièrement attrayant dans ses ballets et constituait un nouveau mot dans l'art. Il a aidé les artistes à créer des images historiquement véridiques, à réinterpréter le contenu d'anciens mythes, en mettant en scène les ballets « Acis et Galatée », « Zéphyr et Flore », « Cupidon et Psyché » basés sur ceux-ci.
Didelot a introduit le « ballet volant » comme moyen d'expression artistique, c'est-à-dire des vols d'interprètes au-dessus de la scène, réalisés à l'aide d'appareils mécaniques.
Alors qu'il est encore sur la scène anglaise, Didelot commence à mettre en scène des ballets réalistes de genre. Mais les créations les plus marquantes de Didelot furent les ballets dramatiques « Le Prisonnier du Caucase » (d’après A.S. Pouchkine), « La Cabane hongroise » et « Raulde Kreki », qu’il a mis en scène en Russie. Didelot, que ses contemporains appelaient « le Shakespeare et le Byron de la scène du ballet », alternant habilement épisodes drôles et dramatiques, obligeait le spectateur à suivre le sort des héros avec une profonde sympathie. Certes, dans les ballets de Didelot, il y avait encore beaucoup de pantomime, et la danse avait un caractère auxiliaire, puisque les personnages dansaient principalement lors des fêtes et de toutes sortes de célébrations.
En Russie, Didelot a formé des ballerines aussi célèbres qu'Avdotya Istomina et Maria Danilova. Après Didelot, à chaque nouvelle génération, le ballet russe devient plus original.
Les chorégraphes russes Walberch et Glushkovsky ont introduit des thèmes nationaux dans le ballet.
Pas un seul spectacle de ballet ne peut être créé sans chorégraphe. Il révèle le contenu de la musique écrite par le compositeur en images de danse, réfléchit à la composition et à la combinaison des danses et développe tous les rôles. Sous la forme artistique des images de danse, des expériences émotionnelles complexes et de puissants élans de l'esprit humain sont véhiculés. Parfois, en danse, un chorégraphe parvient à exprimer autant de pensées et de sentiments qu'il peut le faire avec des mots.
L'imagination créatrice de Didelot donne naissance à un ballet romantique, exprimant le désir de rêves et de contes de fées sublimes et poétisés. Les héros du ballet romantique lui-même étaient toutes sortes de créatures fantastiques : elfes, sylphes, fantômes et ombres. La ballerine Maria Taglioni et son père, le chorégraphe Philippe Taglioni, étaient dans les années 30. XIXème siècle les représentants les plus typiques de ce nouveau ballet.
Le meilleur ballet de l'époque romantique, Giselle, a été créé en 1841 à Paris. Il dépeint la tragédie d’une paysanne pure et confiante, profondément choquée par l’infidélité de son bien-aimé. Giselle meurt de chagrin et se transforme en fée des forêts-wilisa. Ce ballet éternellement jeune parle le langage de la danse et évoque de grands sentiments et figure toujours au répertoire des théâtres soviétiques et étrangers.
Une création tout aussi passionnante de l'ère du romantisme est le ballet « Esmeralda », mis en scène par l'éminent chorégraphe français J. Perrot (1810-1892) d'après le roman « Notre Dame de Paris » de V. Hugo (voir article « Victor Hugo »). Il n’y avait pas une seule créature fantastique ici. Perrault cherchait à exprimer directement l'action dramatique dans la danse. Le talent de ce chorégraphe n'a pas été reconnu dans son pays natal et s'est véritablement épanoui en Angleterre et surtout en Russie.
L’histoire du ballet russe est étroitement liée au développement de la musique classique russe. Avant l'avènement de la musique de ballet de P. I. Tchaïkovski, la musique ne servait qu'à accompagner la danse : seul un certain tempo, un rythme et une mélodie mémorable lui étaient exigés. La musique du ballet symphonique de Tchaïkovski, profonde, colorée, expressive, a aidé le spectateur à imaginer ce qui ne peut être exprimé dans la danse. Dans le ballet « Casse-Noisette », le compositeur a révélé le monde lumineux et joyeux des rêves des enfants ; dans « Le Lac des Cygnes », il a parlé de l'amour qui brise les mauvais sorts ; dans « La Belle au bois dormant », il a montré le triomphe du bien sur le mal. La beauté et la pureté du monde intérieur de l'homme, glorifiées par Tchaïkovski, sont devenues à jamais le contenu principal de l'art du ballet russe.
Alors qu'il travaillait sur La Belle au bois dormant, Tchaïkovski s'est tourné plus d'une fois vers le merveilleux chorégraphe Marius Petipa (1822-1910). Français de naissance, il consacre près de soixante ans au ballet russe. Grand connaisseur de danse classique, Petipa a particulièrement réussi dans les ballets « La Belle au bois dormant », « Don Quichotte », « La Bayadère », dans lesquels les danses semblaient se confondre avec la musique.
Un autre directeur exceptionnel des ballets de Tchaïkovski, Lev Ivanov (1834 -1901), a créé d'étonnantes danses lyriques de cygnes dans le Lac des Cygnes (actes 2 et 4 du ballet). Ivanov a cherché à exprimer dans la danse toute la richesse du contenu de la musique.
La fusion complète de la musique, de la danse et de la peinture dans un spectacle de ballet a été réalisée au début du 20e siècle. chorégraphes M. Fokin et A. Gorsky. Ils ont réussi non seulement à reproduire fidèlement la vie sur la scène du ballet, mais également à trouver des moyens d'expression uniques pour chaque ballet qui correspondaient au contenu. En collaborant avec les meilleurs artistes, Gorsky et Fokin ont élevé l'art de la conception de performances à un niveau élevé.
En Occident dans la seconde moitié du XIXe siècle. le ballet tomba en déclin, perdit son sens indépendant et devint un appendice de l'opéra, tandis que l'art du ballet russe continuait à développer les meilleures caractéristiques du ballet classique.
Le ballet classique se distingue par un schéma de mouvement strict, une pureté noble et une performance spirituelle.
Tous les moyens d'expression du ballet classique servent à révéler le contenu profond et les expériences complexes des personnages.
Les tournées du ballet russe à Paris et à Londres (au début du XXe siècle) ont fait une superbe impression sur le public occidental. L'exceptionnelle ballerine russe Anna Pavlova a été reconnue comme l'une des plus grandes danseuses de l'école classique. Dans la danse « Le cygne mourant » (musique de Saint-Saëns, chorégraphie de M. Fokin), qui n'a duré que trois minutes, Pavlova a révélé toute une gamme d'expériences. Le talent brillant des chorégraphes et artistes russes, l'art inspiré d'Anna Pavlova ont eu une énorme influence sur la renaissance du ballet européen. Pavlova, et après ses autres professeurs, a ouvert des écoles de danse classique en Angleterre. Les artistes talentueux qu’ils forment forment des troupes professionnelles qui existent encore aujourd’hui (« Marie Rambert Ballet », « Royal Ballet » – anciennement « Sadler’s Wells »). Leur répertoire comprend non seulement des ballets de compositeurs russes, mais aussi de merveilleuses œuvres de Tchaïkovski.
Dans les années 30 XXe siècle Le ballet national a été relancé en France, en Italie et dans d'autres pays. Il a beaucoup emprunté à l’école russe et soviétique de danse classique, extrêmement populaire en Occident.
Le meilleur de l’héritage classique de l’école russe a été développé davantage dans le ballet soviétique. Il peut à juste titre être considéré comme une nouvelle étape supérieure de l'art chorégraphique. La danse classique du ballet soviétique, conformément aux exigences de notre époque, se développe, s'améliore et s'enrichit continuellement, absorbant les meilleures caractéristiques de l'art de la danse de notre pays.
Sur la scène soviétique, « Le Lac des Cygnes », « La Belle au bois dormant », « Giselle » vivent une nouvelle vie. Ayant conservé tout ce qui est précieux des productions passées, ils sont imprégnés d'une perception différente de la musique, d'une nouvelle idée de la grandeur et de la beauté de la vie, et sont remplis d'une tension dramatique particulière. L'art du ballet soviétique s'efforce de révéler le meilleur d'une personne, toute la richesse de son monde intérieur. Cela ne plaît pas seulement aux yeux, mais éveille également de nobles aspirations, des sentiments et des pensées élevés chez le public.
On attribue à l’art chorégraphique soviétique la création de grands ballets réalistes dédiés aux héros populaires et aux combattants de la liberté de différents pays et époques. Il s'agit de « Le Coquelicot rouge » de Gliere (voir article « R. M. Gliere »), mis en scène par V. Tikhomirov et L. Lashchilin ; « Flammes de Paris » de B. Asafiev, chorégraphe Vainonen ; « Spartak » de Khatchatourian (voir article « Aram Khachaturian ») ; « Laurencia » de A. Crane, chorégraphe V. Chabukiani ; « Le chemin du tonnerre » Kara Karaeva, chorégraphe K. Sergeev ; « Fleur de pierre » de S. Prokofiev, chorégraphe Yu. Grigorovich.
Le fonds d'or du ballet soviétique comprend des œuvres aussi merveilleuses que "La Fontaine Bakhchisaraï" de B. Asafiev et "Roméo et Juliette" de S. Prokofiev (voir l'article "S. S. Prokofiev"). Les directeurs de ces ballets sont les chorégraphes R. Zakharov et L. Lavrovsky a réussi à traduire le contenu poétique des grandes œuvres de Pouchkine et de Shakespeare dans le langage de la danse.
Le peuple soviétique est fier d'interprètes aussi remarquables que Oulanova (voir l'article « G. S. Oulanova »), M. Plisetskaya, O. Lepeshinskaya, R. Struchkova, K. Sergeev, V. Chabukiani et bien d'autres glorieux élèves des écoles de ballet soviétiques. .
L'admiration générale des spectateurs étrangers a été suscitée par la tournée des artistes soviétiques qui, avec les metteurs en scène, ont réussi à transformer le ballet en « une représentation dramatique intense, pleine de vivacité, d'inventions chorégraphiques... d'effets scéniques et d'émotion », comme le disait » a écrit la presse étrangère. Les représentations du ballet soviétique dans un certain nombre de pays européens et en Amérique étaient considérées comme des « événements d’importance historique ».
Le ballet est un art assez jeune. Elle a un peu plus de quatre cents ans, même si la danse décore la vie humaine depuis l'Antiquité. Le ballet est né dans le nord de l'Italie à la Renaissance. Les princes italiens aimaient les somptueuses festivités au palais, dans lesquelles la danse occupait une place importante. Les danses rurales ne convenaient pas aux dames et messieurs de la cour. Leur tenue vestimentaire, comme les salles où ils dansaient, ne permettait pas de mouvements désorganisés. Des professeurs spéciaux - des maîtres de danse - ont tenté de rétablir l'ordre dans les danses de cour. Ils répétaient à l'avance des figures individuelles et des mouvements de danse avec les nobles et dirigeaient des groupes de danseurs. Peu à peu, la danse est devenue de plus en plus théâtrale.
Le terme « ballet » apparaît à la fin du XVIe siècle (de l'italien balletto - danser). Mais il ne s’agissait pas alors d’un spectacle, mais seulement d’un épisode de danse véhiculant une certaine ambiance. De tels «ballets» consistaient généralement en «sorties» légèrement interconnectées de personnages - le plus souvent des héros de mythes grecs. Après de telles "sorties", la danse générale a commencé - le "grand ballet".
Le premier spectacle de ballet fut le Queen's Comedy Ballet, mis en scène en 1581 en France par le chorégraphe italien Baltazarini di Belgioioso. C'est en France que s'est développé le ballet. Il s'agissait d'abord de ballets masqués, puis de ballets mélodramatiques pompeux avec des intrigues chevaleresques et fantastiques, où les épisodes de danse étaient remplacés par des airs vocaux et des récitations de poésie. Ne soyez pas surpris, à cette époque le ballet n’était pas seulement un spectacle de danse.
Sous le règne de Louis XIV, les représentations du ballet de cour atteignirent une splendeur particulière. Louis lui-même aimait participer à des ballets et reçut son célèbre surnom de « Roi Soleil » après avoir interprété le rôle du Soleil dans le « Ballet de la nuit ».
En 1661, il créa la Royal Academy of Music and Dance, qui comprenait 13 grands maîtres de danse. Leur responsabilité était de préserver les traditions de danse. Le directeur de l'académie, le professeur de danse royale Pierre Beauchamp, a identifié cinq positions principales de la danse classique.
Bientôt l'Opéra de Paris fut ouvert et le même Beauchamp fut nommé chorégraphe. Une troupe de ballet est formée sous sa direction. Au début, il s’agissait uniquement d’hommes. Les femmes n'apparaissent sur la scène de l'Opéra de Paris qu'en 1681.
Le théâtre met en scène des opéras et des ballets du compositeur Lully ainsi que des comédies et des ballets du dramaturge Molière. Au début, les courtisans y participaient et les représentations n'étaient presque pas différentes des représentations du palais. Les menuets lents, les gavottes et les pavanes déjà mentionnés étaient dansés. Les masques, les robes lourdes et les talons hauts empêchaient les femmes d'effectuer des mouvements complexes. Ainsi, les danses masculines se distinguaient alors par plus de grâce et d'élégance.
Au milieu du XVIIIe siècle, le ballet gagna en popularité en Europe. Toutes les cours aristocratiques d'Europe cherchaient à imiter le luxe de la cour royale française. Des opéras ont ouvert dans les villes. De nombreux danseurs et professeurs de danse ont facilement trouvé du travail.
Bientôt, sous l'influence de la mode, les costumes de ballet des femmes sont devenus beaucoup plus légers et plus libres, et les lignes du corps étaient visibles en dessous. Les danseurs ont abandonné les chaussures à talons hauts pour les remplacer par des chaussures légères sans talons. Le costume masculin devient également moins volumineux : des pantalons serrés jusqu'aux genoux et des bas permettent de voir la silhouette du danseur.
Chaque innovation a rendu la danse plus significative et la technique de danse plus élevée. Peu à peu, le ballet se sépare de l’opéra et devient un art indépendant.
Bien que l'école de ballet française soit célèbre pour sa grâce et sa plasticité, elle se caractérise par une certaine froideur et une certaine formalité dans l'exécution. Les chorégraphes et les artistes ont donc cherché d’autres moyens d’expression.
À la fin du XVIIIe siècle, une nouvelle direction artistique est née : le romantisme, qui a eu une forte influence sur le ballet. Dans un ballet romantique, la danseuse se tenait sur des pointes. Maria Taglioni a été la première à le faire, changeant complètement les idées précédentes sur le ballet. Dans le ballet La Sylphide, elle apparaît comme une créature fragile venue de l'autre monde. Le succès fut fulgurant.
À cette époque, de nombreux ballets merveilleux sont apparus, mais, malheureusement, le ballet romantique est devenu la dernière période d'apogée de l'art de la danse en Occident. À partir de la seconde moitié du XIXe siècle, le ballet, ayant perdu son ancienne signification, devient un appendice de l'opéra. Ce n'est que dans les années 30 du XXe siècle, sous l'influence du ballet russe, que la renaissance de cette forme d'art a commencé en Europe.
En Russie, le premier spectacle de ballet - "Le Ballet d'Orphée et d'Eurydice" - a été présenté le 8 février 1673 à la cour du tsar Alexeï Mikhaïlovitch. Les danses cérémoniales et lentes consistaient en un changement de poses, d'arcs et de mouvements gracieux, alternant avec des chants et des discours. Il n'a joué aucun rôle significatif dans le développement de la danse scénique. C'était juste un autre « divertissement » royal qui attirait les gens par son caractère inhabituel et sa nouveauté.
Seulement un quart de siècle plus tard, grâce aux réformes de Pierre Ier, la musique et la danse font leur entrée dans la vie quotidienne de la société russe. Une formation obligatoire en danse a été introduite dans les établissements d'enseignement nobles. Des musiciens, des artistes d’opéra et des troupes de ballet importés de l’étranger commencèrent à se produire à la cour.
En 1738, la première école de ballet de Russie ouvrit ses portes et, trois ans plus tard, 12 garçons et 12 filles des serviteurs du palais devinrent les premiers danseurs professionnels de Russie. Au début, ils se produisaient dans les ballets de maîtres étrangers en tant que figures (comme on appelait les danseurs du corps de ballet), puis dans les rôles principaux. Timofey Bublikov, un merveilleux danseur de l'époque, brillait non seulement à Saint-Pétersbourg, mais aussi à Vienne.
Au début du XIXe siècle, l’art du ballet russe atteint sa maturité créative. Les danseurs russes ont apporté à la danse expressivité et spiritualité. Sentant cela très précisément, A.S. Pouchkine a qualifié la danse de sa contemporaine Avdotya Istomina de « vol rempli d’âme ».
Le ballet occupait à cette époque une place privilégiée parmi les autres formes d’art théâtral. Les autorités y ont prêté une grande attention et ont accordé des subventions gouvernementales. Les troupes de ballet de Moscou et de Saint-Pétersbourg se produisaient dans des théâtres bien équipés et des diplômés des écoles de théâtre rejoignaient chaque année l'équipe de danseurs, de musiciens et de décorateurs.
Dans l'histoire de notre théâtre de ballet, on trouve souvent les noms de maîtres étrangers qui ont joué un rôle important dans le développement du ballet russe. Il s’agit tout d’abord de Charles Didelot, Arthur Saint-Léon et Marius Petipa. Ils ont contribué à la création de l’école de ballet russe. Mais de talentueux artistes russes ont aussi donné l'occasion de révéler les talents de leurs professeurs. Cela attirait invariablement les plus grands chorégraphes d'Europe à Moscou et à Saint-Pétersbourg. Nulle part dans le monde ils n'ont pu rencontrer une troupe aussi nombreuse, talentueuse et bien entraînée qu'en Russie.
Au milieu du XIXe siècle, le réalisme fait son apparition dans la littérature et l’art russes. Les chorégraphes ont tenté fébrilement, mais en vain, de créer des performances réalistes. Ils n’ont pas pris en compte le fait que le ballet est un art conventionnel et que le réalisme du ballet diffère considérablement du réalisme de la peinture et de la littérature. La crise de l'art du ballet a commencé.
Une nouvelle étape dans l'histoire du ballet russe a commencé lorsque le grand compositeur russe P. Tchaïkovski a composé pour la première fois de la musique pour le ballet. C'était le Lac des Cygnes. Avant cela, la musique de ballet n’était pas prise au sérieux. Elle était considérée comme un type inférieur de créativité musicale, juste un accompagnement à la danse.
Grâce à Tchaïkovski, la musique de ballet est devenue un art sérieux au même titre que l’opéra et la musique symphonique. Auparavant, la musique dépendait entièrement de la danse, maintenant la danse doit se soumettre à la musique. De nouveaux moyens d'expression et une nouvelle approche de la création d'un spectacle étaient nécessaires.
Le développement ultérieur du ballet russe est associé au nom du chorégraphe moscovite A. Gorsky, qui, après avoir abandonné les techniques dépassées de la pantomime, a utilisé des techniques de mise en scène modernes dans le ballet. Attachant une grande importance à la conception pittoresque du spectacle, il attira les meilleurs artistes au travail.
Mais le véritable réformateur de l'art du ballet est Mikhaïl Fokin, qui s'est rebellé contre la construction traditionnelle d'un spectacle de ballet. Il a soutenu que le thème de la pièce, sa musique et l'époque à laquelle l'action se déroule nécessitent à chaque fois des mouvements de danse différents et un modèle de danse différent. Lors de la mise en scène du ballet « Nuits égyptiennes », Fokine s'est inspiré de la poésie de V. Bryusov et des dessins égyptiens anciens, et les images du ballet « Petrouchka » ont été inspirées par la poésie de A. Blok. Dans le ballet « Daphnis et Chloé », il abandonne la danse sur pointes et fait revivre les fresques antiques avec des mouvements libres et souples. Sa Chopiniana ravive l'atmosphère du ballet romantique. Fokin a écrit qu '«il rêve de créer un ballet-drame à partir du plaisir du ballet et de la danse dans un langage compréhensible et parlant». Et il a réussi.
En 1908, des représentations annuelles de danseurs de ballet russes ont commencé à Paris, organisées par la figure du théâtre S. P. Diaghilev. Les noms de danseurs russes - Vaslav Nijinsky, Tamara Karsavina, Adolf Bolm - sont devenus connus dans le monde entier. Mais en premier dans cette rangée se trouve le nom de l'incomparable Anna Pavlova.
Pavlova - lyrique, fragile, avec des lignes de corps allongées, des yeux immenses - évoquait des gravures représentant des ballerines romantiques. Ses héroïnes transmettaient un rêve purement russe d'une vie harmonieuse et spiritualisée ou de mélancolie et de tristesse face à quelque chose d'insatisfait. "Le Cygne mourant", créé par la grande ballerine Pavlova, est un symbole poétique du ballet russe du début du XXe siècle.
C’est alors, sous l’influence du savoir-faire des artistes russes, que le ballet occidental se bouscule et retrouve un second souffle.
Après la Révolution d’Octobre 1917, de nombreuses figures du théâtre de ballet ont quitté la Russie, mais malgré cela, l’école de ballet russe a survécu. Le pathétique du mouvement vers une nouvelle vie, les thèmes révolutionnaires et, surtout, la possibilité d'expérimentation créative ont inspiré les maîtres de ballet. Ils étaient confrontés à une tâche : rapprocher l'art chorégraphique des gens, le rendre plus vital et plus accessible.
C'est ainsi qu'est né le genre du ballet dramatique. Il s'agissait de représentations, généralement basées sur les intrigues d'œuvres littéraires célèbres, construites selon les lois de la représentation dramatique. Le contenu était présenté à travers la pantomime et la danse figurative. Au milieu du XXe siècle, le ballet dramatique est en crise. Les chorégraphes ont tenté de préserver ce genre de ballet, en améliorant la valeur divertissante des performances à l'aide d'effets scéniques, mais, hélas, en vain.
À la fin des années 1950, un tournant se produit. Chorégraphes et danseurs de la nouvelle génération ont fait revivre des genres oubliés : ballet en un acte, ballet symphonique, miniature chorégraphique. Et depuis les années 1970, des troupes de ballet indépendantes ont vu le jour, indépendantes des théâtres d’opéra et de ballet. Leur nombre est en constante augmentation et parmi eux, des studios de danse libre et de danse moderne font leur apparition. Mais les écoles académiques de ballet et de danse classique restent toujours en tête dans notre pays.
C'EST INTÉRESSANT
Dans les ballets du passé, il y avait tout un système de conventions. Si un artiste, par exemple, passait le bord de sa paume sur son front, ce qui implique qu'il avait une couronne sur la tête, cela signifiait « roi » ; il a croisé les bras en croix sur sa poitrine, ce qui signifie qu'il est « mort » ; a montré l'annulaire de la main, où l'on porte habituellement une bague - « Je veux me marier » ou « me marier » ; a commencé à faire des mouvements ondulatoires avec ses mains, ce qui signifie qu'il « a navigué sur un bateau » et ainsi de suite. Bien entendu, tous ces gestes n'étaient compréhensibles que par les chorégraphes, les acteurs et une poignée de balletomanes, visiteurs réguliers des ballets.