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Un message sur le thème de l'école classique viennoise. Compositeurs de l'école classique viennoise

Compositeurs de l'école classique de Vienne

Problème né dans la ville d'Erasbach (Autriche) dans la famille d'un forestier.

Le grand opéra mythologique, qui traversait une crise aiguë, acquiert chez Gluck les qualités d'une véritable tragédie musicale, pleine de passions fortes, élevant les idéaux éthiques de fidélité, de devoir et de sacrifice de soi. L'apparition du premier opéra réformateur "Orphée" a été précédée d'un long voyage - la lutte pour le droit de devenir musicien, de voyager et de maîtriser divers genres d'opéra de cette époque.

L'événement le plus important dans l'évolution créative du compositeur et dans la vie musicale de Vienne fut la première du premier opéra réformé - "Orphée" (1762), le mythe grec ancien sur le légendaire chanteur Gluck et R. Calzabigi (auteur de le libr., personne partageant les mêmes idées et collaborateur constant du compositeur à Vienne) interprété dans l'esprit strict et sublime du drame antique. La beauté de l'art d'Orphée et la puissance de son amour peuvent surmonter tous les obstacles - cette idée éternelle et toujours passionnante est au cœur de l'opéra, l'une des créations les plus parfaites du compositeur. Dans les airs d'Orphée, dans le célèbre solo de flûte, également connu dans de nombreuses versions instrumentales sous le nom de "Melody", le don mélodique original du compositeur s'est révélé ; et la scène aux portes d'Hadès - le duel dramatique d'Orphée et des Furies - est restée un exemple remarquable de la construction d'une grande forme d'opéra dans laquelle l'unité absolue du développement musical et scénique a été réalisée.

Joseph Haydn(1732-1809) - compositeur autrichien.

Haydn est un représentant de l'école classique viennoise. Il a contribué à la formation des genres classiques (symphonie, sonate, concerto pour instruments et orchestre, quatuor), des formes (principalement la forme sonate et le cycle sonate-symphonique), des principes de développement (développement motif-thématique) et de la composition de l'orchestre ( ce qu'on appelle le double). Les œuvres de Haydn se caractérisent par un ton optimiste, la polyvalence du contenu, l'harmonie et la proportionnalité des proportions. La profondeur philosophique s'y conjugue avec la simplicité des images quotidiennes et humoristiques.

La musique de Haydn est la musique de « la joie et du loisir ». Sa musique est riche de contrastes, de pauses et de surprises inattendues. Dans la musique symphonique, il utilise les techniques des onomatopées : le chant des oiseaux, le murmure d'un ruisseau, il donne des croquis visibles du lever du soleil, des portraits d'animaux.

Mozart Amadeus Wolfgang(27.1.1756, Salzbourg, - 5.12.1791, Vienne), compositeur autrichien. Parmi les plus grands maîtres de la musique, Mozart se distingue par l'épanouissement précoce d'un talent puissant et complet, le destin inhabituel de la vie - des triomphes d'un enfant prodige à la difficile lutte pour l'existence et la reconnaissance à l'âge adulte, le courage sans précédent d'un artiste qui préférait la vie précaire d'un maître indépendant au service humiliant d'un despote-noble.

M. a appris à jouer des instruments de musique et à composer auprès de son père, le violoniste et compositeur L. Mozart. Dès l'âge de 4 ans, M. joue du clavecin, et dès l'âge de 5-6 ans il commence à composer (à 8-9 ans, M. crée ses premières symphonies, et à 10-11 ans, les premières œuvres pour Théâtre musical). En 1762, M. et sa sœur, la pianiste Maria Anna, entament des tournées en Allemagne, en Autriche, puis en France, en Angleterre et en Suisse.

En 1769-77, il fut accompagnateur, en 1779-81 comme organiste à la cour du prince-archevêque de Salzbourg. Après la production de l'opéra « Idomeneo, roi de Crète » à Munich (1781), M. rompt avec l'archevêque et s'installe à Vienne, gagnant sa vie grâce à des cours et des académies (concerts). Dès la fin de 1787, M. était musicien de chambre à la cour de l'empereur Joseph II avec la responsabilité de composer des danses pour les mascarades.

Les difficultés de la vie, le besoin et la maladie rapprochent la fin tragique de la vie du compositeur ; il meurt avant d’avoir 36 ans et est enterré dans une fosse commune.

L'œuvre de Mozart constitue l'apogée musicale du XVIIIe siècle, née du siècle des Lumières. L'excitation et la passion sont tout aussi caractéristiques de la musique de M., tout comme l'endurance, la volonté et une grande organisation. La musique de M. conserve la grâce et la tendresse du style galant, mais le maniérisme de ce style est surmonté, notamment dans les œuvres de maturité. La pensée créatrice de M. se concentre sur une expression approfondie du monde spirituel, sur un reflet véridique de la diversité de la réalité. Avec la même force, la musique de M. transmet le sentiment de plénitude de la vie, la joie d'être - et la souffrance d'une personne subissant l'oppression d'un système social injuste et luttant passionnément pour le bonheur, pour la joie. Le deuil atteint souvent la tragédie, mais une structure claire, harmonieuse et affirmant la vie prévaut.

Dans l'opéra, Mozart utilisait rarement des intrigues mythologiques et se tournait vers des sources littéraires. Il y combinait les principes dramatiques et comiques. Il s'agit de ses opéras « Les Noces de Figaro » d'après la pièce de Bramarche « Don Giovanni ». L'opéra-conte «La Flûte enchantée» a été un énorme succès (malheureusement, il n'a pas rapporté un sou au compositeur).

Le summum de la musique sacrée de Mozart était le « Requiem » (1791), une œuvre composée de chœur, de solistes et d’orchestre symphonique. Le leitmotiv de l’œuvre est le sort d’une personne souffrante confrontée au sévère jugement de Dieu.

Avec une puissance dramatique époustouflante, il révèle dans le refrain « Meurt en colère » des images de mort et de destruction, contrastées avec la prière et les lamentations touchantes. Le point culminant lyrique de « Requiem » était « Lacrimosa " Mozart, mortellement malade, n'a pas eu le temps de terminer cette œuvre. Basé sur des croquis, il a été réalisé par l'un de ses élèves.

Ludwig van Beethoven

L'œuvre de Beethoven est imprégnée d'héroïsme révolutionnaire, d'idées et d'images élevées, pleines de drame et d'une énorme puissance émotionnelle. « Par la lutte - vers la victoire » - telle est l'idée principale, incarnée avec une puissance convaincante et conquérante dans ses Troisième (« Héroïque ») et Cinquième symphonies.

Un humanisme élevé, une véritable démocratie, une grandeur héroïque, une richesse spirituelle inépuisable, une sagesse et une humanité sont contenus dans les œuvres du brillant compositeur allemand. Pour transmettre ses pensées et ses sentiments, il a toujours trouvé de nouveaux moyens d'expression, transformant et enrichissant les genres musicaux traditionnels. Véritable innovateur, combattant inflexible, il a incarné des concepts idéologiques audacieux dans une musique étonnamment simple et claire, compréhensible pour le plus grand nombre d'auditeurs. Les époques et les générations changent, mais la musique immortelle de Beethoven continue d’exciter et de ravir le cœur des gens.

Les compositeurs J. Haydn, W. A. Mozart et L. Beethoven appartiennent au mouvement artistique de la culture musicale européenne de la seconde moitié du XVIIIe – début du XIXe siècle appelé « classicisme viennois ». Les principes artistiques de base de cette direction sont présentés en musique au tournant des XVIIIe-XIXe siècles, car dans les premières œuvres de Haydn et de Mozart, ils commençaient tout juste à émerger, et feu Beethoven était déjà proche de la direction suivante : le romantisme.

Le classicisme viennois a été préparé par l'expérience artistique de ses prédécesseurs et contemporains, notamment l'opéra et la musique instrumentale italienne et française, la musique allemande (Handel, Bach, école de Mannheim).

Ce qui a précédé la naissance de l'ère des classiques viennois - Musique d'Autriche

Au 17ème siècle le théâtre musical commence à se développer. Des spectacles musicaux et dramatiques (kaiserspiels) sont organisés. Sous l'influence de la musique italienne, une troupe d'opéra de cour italienne se forme et des opéras sont mis en scène (dont des opéras de C. Monteverdi).

En 1708, un nouveau théâtre de cour fut construit à Vienne et des chanteurs autrichiens apparurent.

Du milieu du XVIIIe siècle. la musique a joué un rôle de premier plan dans la culture autrichienne. Des cinémas maison et des chapelles aristocratiques ont ouvert leurs portes. Musique instrumentale divertissante - divertissements, sérénades - diffusée. Des concerts symphoniques et des représentations d'opéra ont été organisés. Des comédies musicales viennoises ont été mises en scène sous la direction de I. Stranitsky, l'un des fondateurs de l'opéra-comique national autrichien Singspiel.

Compositeurs-prédécesseurs des classiques viennois - G. Muffat, G. K. Wagenzeil, G. M. Monn, G. Reuther et autres.

Le représentant du classicisme musical, K. V. Gluck, était proche de la quête des classiques viennois.

Traits caractéristiques de l'ère du classicisme viennois :

universalité de la pensée artistique, logique, clarté de la forme artistique ;
une combinaison organique de sentiment et d'intelligence, de tragique et de comique, de calcul subtil et de naturel, de facilité d'expression.

Les œuvres des classiques viennois expriment une compréhension dynamique des processus de la vie, qui a trouvé son incarnation la plus complète dans le cycle sonate-symphonique.

L'ère des classiques viennois se caractérise par :

l'épanouissement des principaux genres instrumentaux de l'époque - symphonies, sonates, concerts et ensembles de chambre.
la formation finale d'un cycle sonate-symphonique en 4 parties.
caractéristiques : ordre strict, centralisation combinée à la diversité et à la richesse internes. La forme de la période se forme, les thématiques musicales s'individualisent.

L'apogée du classicisme a coïncidé avec la formation de l'orchestre symphonique - à cette époque, sa composition stable était déterminée et les groupes d'orchestre se distinguaient.

Des types d'ensembles de chambre ont vu le jour : trios avec piano, quatuors à cordes, etc.

Une large direction de la musique pour clavier solo a émergé.

Différents types d'opéras se sont développés (de Mozart) - comédie lyrique et socialement accusatrice, drame musical, opéra de conte de fées philosophique, etc.

Haydn est le créateur du style instrumental des classiques viennois. Ses œuvres établissent un cycle sonate-symphonique en 4 parties, une composition performante et une sorte de thème thématique.

Haydn s'est avéré être le plus proche de la sphère instrumentale ; il s'est davantage tourné vers des images objectives de genre folk. Beethoven - à l'héroïsme. Mozart – à diverses nuances d'expériences lyriques.

École classique de Vienne

(Classiques viennois, classicisme viennois, classiques viennois) - l'orientation de la musique européenne de la seconde moitié du XVIIIe - premier quart du XIXe siècle. Les compositeurs Joseph Haydn, Wolfgang Amadeus Mozart et Ludwig van Beethoven en font partie.

Fonctionnalités musicales

Les trois grands compositeurs de l'école viennoise sont unis par leur maîtrise virtuose des styles de musique et des techniques de composition les plus divers : des chants populaires à la polyphonie de l'époque baroque. Les classiques viennois ont créé ce type élevé de musique instrumentale dans laquelle toute la richesse du contenu figuratif s'incarne dans une forme artistique parfaite.

La caractéristique principale de cette orientation est l'utilisation de trois techniques : l'accompagnement obligatoire, la présence de thématiques transversales et le travail sur le thème et la forme.

Les œuvres des classiques viennois expriment une compréhension dynamique des processus de la vie, qui a trouvé son incarnation la plus complète dans la forme sonate et a déterminé la symphonie de nombre de leurs œuvres. Le symphonyisme, au sens large, est associé à l'épanouissement des principaux genres instrumentaux de l'époque - symphonie, sonate, concerto et ensemble de chambre, et à la formation finale du cycle sonate-symphonique en 4 parties.

L'apogée de l'école classique viennoise a coïncidé avec le processus général de formation de l'orchestre symphonique - sa composition stable, la définition fonctionnelle des groupes orchestraux. Les principaux types classiques d'ensembles de chambre ont émergé - trio avec piano, quatuor à cordes et autres. Parmi la musique pour instruments solistes, la musique pour piano se démarque particulièrement. L'œuvre lyrique de Mozart a ouvert de larges perspectives pour le développement de divers types d'opéras - comédie lyrique et socialement accusatrice, drame musical, opéra de conte de fées philosophique et autres.

Chacun des maîtres de l’école classique viennoise avait une personnalité unique. La sphère de la musique instrumentale s'est avérée la plus proche de Haydn et de Beethoven ; Mozart s'est également montré dans les genres lyriques et instrumentaux. Haydn se tournait davantage vers les images objectives de genre folklorique, l'humour, les blagues, Beethoven - vers l'héroïsme, Mozart, étant un artiste universel - vers diverses nuances d'expérience lyrique.

La plate-forme centrale pour le développement de ce courant musical était Vienne, la capitale de la culture musicale de l'époque. Et si Paris avec son opéra et Londres avec ses concerts publics étaient les villes musicales qui donnaient le ton en Europe dans la seconde moitié du XVIIIe siècle, alors Vienne, après la mort du célèbre Mozart et l'installation de Beethoven, occupait une position dominante. dans le monde de la musique. Et si Mozart de son vivant était plutôt l'un des célèbres compositeurs viennois, alors Beethoven considérait déjà Vienne comme le couronnement de sa carrière créative. Cette circonstance a été remarquée avec perspicacité par le comte Ferdinand Ernst Gabriel von Waldstein, admirateur de Beethoven, dans sa lettre : « Grâce à votre diligence infatigable, vous recevrez des mains de Haydn l’esprit de Mozart. »

Le terme « classiques viennois » a été utilisé pour la première fois par le musicologue autrichien Raphael Georg Kiesewetter en 1834 à propos de Haydn et de Mozart. Plus tard, d’autres auteurs ont ajouté Beethoven à cette liste. Les classiques viennois sont souvent appelés représentants de la première école viennoise.

Le système des genres, des formes et des règles d'harmonie, développé par l'école viennoise classique, conserve encore aujourd'hui son importance.

École classique de Vienne

http://dic.academic.ru/dic.nsf/enc_music/1528/%D0%92%D0%B5%D0%BD%D1%81%D0%BA%D0%B0%D1%8F

(Allemand : Wiener Klassik) - un mouvement créatif qui s'est développé en Autriche au 2ème semestre. 18ème siècle - 1er quart du 19ème siècle. Trois grands compositeurs en font partie - J. Haydn, W. A. Mozart et L. Beethoven. Chacun d’eux avait une brillante créativité. l'individualité, qui déterminait le caractère général de la musique, le choix des genres et les caractéristiques de la musique. langue. Ainsi, dans la musique de Haydn, les ambiances lumineuses et joyeuses prédominent, le genre et les éléments du quotidien jouent le rôle principal ; Le style lyrique-dramatique de Mozart est particulièrement important. Commencer; Le trait dominant de la musique de Beethoven est l’héroïque. le pathétique de la lutte, du dépassement, de la victoire. Haydn a écrit dans une variété de genres, mais le plus important. apporté des contributions au domaine des instruments. musique et oratorio (« Création du monde », « Saisons ») ; dans l'œuvre de Mozart, qui a enrichi l'instrument. la musique, la place la plus importante appartient à l'opéra ; Beethoven, créateur d'unités. l'opéra "Fidelio", sur lequel il a travaillé pendant de nombreuses années, de par la nature de son talent, il s'est tourné vers l'instrumental. musique. Malgré toute leur unicité individuelle, les œuvres de ces artistes révèlent les traits communs les plus importants : réalisme, caractère optimiste et affirmant la vie, orientation humaniste, nationalisme authentique, démocratie. Œuvres des compositeurs V. K. Sh. se distingue par l'étendue de la couverture du contenu de la vie. Le profond sérieux y est organiquement combiné avec la gaieté, les plaisanteries et la tragédie. le début est avec la bande dessinée. L’émotionnel se connecte au rationnel ; vol libre de fantaisie - avec calcul précis, harmonie extrême, clarté, perfection des formes. Les représentants de V. k. sh. étaient capables d'exprimer même le contenu le plus complexe dans un langage extrêmement simple et compréhensible. V.k.sh. comme les arts. la direction a évolué à mesure que nous nous dirigeons vers la créativité. la maturité de ses aînés - Haydn et Mozart. Et l'œuvre de feu Beethoven dépasse les limites de ce qui est typique de l'ensemble de V. k.sh. style. Ainsi, certains chercheurs (G. Abert) limitent la période de V. k.sh. 1782-1812, bien que l'activité créatrice de Haydn et Mozart ait commencé plusieurs décennies plus tôt, et que le plus jeune des représentants du lycée, Beethoven, ait continué à créer jusqu'en 1827. La formation du lycée. tombe sur les années de développement rapide de l’allemand. et autrichien éclaircissement. Elle connaît son apogée. poésie; l'art surgit. critique, la philosophie atteint un développement élevé. Les plus grands artistes et penseurs de l'époque - Herder, Goethe, Schiller, Lessing, Kant, Hegel - proposent de nouvelles idées humanistes. idéaux. Les meilleurs représentants de l'allemand et autrichien les cultures absorbent des avancées socio-politiques et éthiques. et esthétique Idées françaises bourgeois éducateurs. Une grande partie de leur esthétique. les idéaux, en particulier le slogan de liberté et de naturel proclamé par Rousseau, ont été incarnés dans les œuvres des compositeurs V. K. Sh. L'œuvre de Beethoven a été influencée de manière indélébile par les idées des grands Français. révolution. Compositeurs V. k. sh. a hérité des réalisations de ce qu'on appelle première école viennoise, les représentants les plus éminents de la race étaient G. H. Wagenzeil (1715-77), G. M. Monn (1717-50), G. Muffat (1690-1770), J. Startzer (1726-87). Cependant, la musique origines de V. k. sh. ne sont pas réductibles au proprement autrichien. revendication - elles sont beaucoup plus larges. Parmi eux se trouve l’Italie. l'opéra, cultivé depuis longtemps à Vienne, et l'italien. instr. musique. Mozart s'est familiarisé avec l'italien. musique non seulement à Vienne, mais aussi en Italie même, qu'il visita en 1771 et 1772-73. Un rôle important dans la formation de V. k.sh. appartient à l'école de Mannheim, qui s'est développée en Bavière ; il comprenait d'éminents Tchèques. musiciens J. Stamitz (1717-57), F. K. Richter (1709-89), K. Kannabikh (1731-98) et d'autres. Influence incontestable sur les représentants de V. k.sh. Les travaux de J. S. Bach (1685-1750), de ses fils Carl Philipp Emanuel (1714-88) et Johann Christoph (1732-95), ainsi que de G. F. Handel (1685-1759) ont également eu un impact. Directement prédécesseur de V. k. sh. il y avait K.V. Gluck (1714-87). Il commença sa réforme de l'opéra à Vienne (1750-72) et dans ses opéras parisiens, il resta largement fidèle à la tradition viennoise. Gluck a créé un art de l’opéra d’importance mondiale, qui a influencé tout le développement ultérieur de l’Europe. opéras. Les traits de « Gluck » sont clairement évidents dans « Idomeneo » et « Don Giovanni » de Mozart, dans les ouvertures de l'opéra « Fidelio » et dans les oratorios de Beethoven. La musique de l’Angleterre, qu’il visita en 1791-92 et 1794-95, eut également une certaine influence sur l’œuvre de Haydn. Parmi les muses les plus importantes. origines de V. k. sh. - adj. musique. La population de l'Autriche était multinationale - en plus des Autrichiens. Les Allemands comprenaient également des Tchèques, des Hongrois et des Slovènes, qui avaient leur propre peuple distinctif. musique culture. Les gens se sont rencontrés à Vienne. musiciens de toutes ces nationalités. Compositeurs V. k. sh. ont absorbé des éléments de leur art, qui ont formé une caractéristique autrichienne dans leur travail. "alliage". Le plus directement les gens. Haydn a mis en œuvre les mélodies dans ses compositions. Mozart a moins souvent eu recours à d'authentiques couchettes. mélodies, mais profondément assimilé leur caractère et leur esprit; bon nombre des thèmes originaux qu’il a créés sont proches des échantillons folk. Allemand et autrichien chansons (par exemple, dans les opéras "La Flûte enchantée", "Don Juan"). Grand intérêt pour les gens. Beethoven a fait preuve de chant. Il a effectué de nombreux traitements des couchettes. chansons diverses nationalités. Le travail des compositeurs V. k. sh. était étroitement lié à la musique viennoise quotidienne. En témoignent les divertissements, sérénades, cassations créées par Haydn et Mozart, les marches et danses écrites par Beethoven. Compositeurs V. k. sh. résume essentiellement toute l’expérience antérieure de la musique du monde. art. Sur cette base et en maintenant le rôle dominant du gouvernement allemand. et autrichien national élément, ils ont développé un langage véritablement universel. « Ma langue est comprise dans le monde entier », écrivait Haydn, et il en était ainsi en réalité. Compositeurs V. k. sh. a répondu aux aspirations des principaux penseurs et musiciens de l'époque - Herder, qui considérait la musique comme « l'art de l'humanité », Gluck, qui a admis qu'il aimerait écrire une musique compréhensible pour tous. Musique langage des compositeurs V. k. sh. caractérisé par la simplicité, la clarté, l'expressivité. Comparé à la musique du préclassique et du début du classique. les périodes leur rythme est plus naturel, détendu, varié et caractéristique. Une des nouveautés importantes des muses. langue des représentants de V. k. sh. - division claire de la musique. tissus en structures relativement courtes, sortes de « cellules expressives », de « grains », correspondant à un principe structurel unique. À cet égard, le soutien des compositeurs est V. K. Sh. servi les gens chant et danse avec leur principe caractéristique d'unification structurelle d'un nombre pair de mesures - deux, quatre, huit, etc. La période de huit temps revêt une importance particulière dans l'œuvre des classiques viennois, qui est divisée en deux phrases similaires de quatre temps (ces dernières, à leur tour, sont divisées en deux temps). V.k.sh. a apporté avec lui un grand enrichissement de l'harmonie. Si les prédécesseurs de V. k. sh. Ils utilisaient principalement des accords de trois fondamentales. fonctions, représentants de V. k. sh. D'autres consonances des systèmes majeurs et mineurs sont également largement utilisées, ce qui marque un retour à une nouvelle étape dans la richesse des harmoniques. langue de G. F. Handel - J. S. Bach. Ils utilisent plus librement les dissonances et les chromatismes. Leur art de la modulation atteint un haut niveau de développement. Ils utilisent à la fois chromatique et enharmonique. modulation; inattendu harmonieux Les « tours » sont particulièrement fréquents chez Haydn et Mozart. Bien que des représentants de V. k.sh., ainsi que des compositeurs préclassiques. période, ils privilégient les tonalités majeures, la gamme de tonalités qu'ils utilisent s'élargit considérablement. Avec la caractéristique en interprétant chaque tonalité individuelle, on maîtrise l'expressivité. et possibilités formatrices de comparaison tonale. S'appuyant sur la richesse de l'art de la chanson populaire, les représentants de V. k.sh. est arrivé à une nouvelle compréhension de la mélodie, de ses fonctions et de ses capacités. C'était avec la période de V. k.sh. la déclaration des muses est liée. thèmes non seulement comme porteur d'une certaine expressivité, mais aussi comme art. une image contenant de riches opportunités de développement potentielles. En cours de formation de V. k.sh. caractéristique, individualité, expressivité de la mélodique originale. constructions, les thèmes acquièrent une grande importance. Son « look » dès les premières mesures détermine désormais le « visage » de la composition. Conformément à la structure de la chanson, le thème des œuvres des compositeurs V. K. Sh. le plus souvent présenté sous la forme d’un point arrondi. Malgré le laconisme d'une telle structure, le sujet s'avère souvent complexe en interne, car il se compose généralement d'un certain nombre de motifs individuels, opposés et équilibrants. Pour cette raison, le classique musique le sujet est susceptible d'un développement intensif, étant soumis à divers transformations, mais sans perdre la plupart des créatures. des fonctionnalités qui permettent à l’auditeur de le « reconnaître » même sous une forme très altérée. Compositeurs V. k. sh. atteint la plus haute maîtrise dans le domaine thématique. développement, élaboration, en utilisant une variété de techniques - changement de tonalité, harmonisation, rythme, éléments mélodiques, etc. Mais ce qui les caractérise particulièrement est la division du thème en thèmes séparés. motifs, eux-mêmes soumis à diverses transformations et se combinent les uns avec les autres de différentes manières. Ainsi, parfois, le « grain » du développement n’est pas le thème dans son ensemble, mais seulement son motif. Néanmoins, grâce à la logique et à la détermination du développement (en particulier dans les œuvres de Beethoven), l’auditeur a souvent l’impression que tout est « intégré » dans un sujet thématique donné. le noyau se développe « tout seul » comme un organisme vivant. Haydn et Beethoven construisent souvent des mouvements entiers sur la base de quelques motifs, ce qui garantit notamment l'unité et l'intégrité des œuvres. Mozart avec sa mélodie. L'inventivité est généralement plus « inutile », mais il appréciait également la méthode de développement « motivique », l'ayant étudiée à partir des écrits de Haydn, un pionnier dans ce domaine. Le principal et le plus caractéristique de V. k.sh. musique La forme est la Sonate Allegro. Bien que sa formation ait commencé. plus tôt, c'étaient les compositeurs V. k. sh. a apporté une contribution décisive au domaine de la formation de la sonate allegro et a créé un véritable classique. type de ce formulaire. Le principe directeur de la sonate allegro qu’ils ont créée est le contraste et son adoucissement ultérieur, conduisant à l’unité (voir. Forme sonate ). Sonate allegro des compositeurs V. K. Sh. est la « pierre angulaire » des instruments à plusieurs parties. formes Leur travail a une sensation classique. type de sonate-symphonique en quatre mouvements. cycle - avec une deuxième partie lyrique lente, un menuet ou un scherzo comme troisième partie et une finale animée, souvent en forme de ronda. Ce cycle sous-tend tous les principaux instruments. œuvres des compositeurs V. K. Sh. - des symphonies, divers ensembles de chambre, nommés selon leur composition (trios, quatuors, quintettes, etc.), des sonates pour instruments solistes et accompagnés. Seulement du classique. le concert est structuré comme un cycle en trois parties – il lui manque un menuet et un scherzo. Sinon, les écarts par rapport au schéma ci-dessus sont rares. Sonate-symphonie Le cycle, qui est une combinaison logiquement harmonieuse et opportune de parties, a servi de base aux plus hautes réalisations des compositeurs de V. K. Sh. dans le domaine de l'instr. musique. Dans ces grands instr. dans des œuvres exprimant un grand contenu vital, ils s'élèvent au plus haut niveau de généralisation artistique. Dans de nombreuses œuvres instrumentales matures de Haydn, Mozart et Beethoven, un seul concept idéologique détermine également les liens thématiques entre les différentes parties. Développement puissant d’outils musique dans les œuvres des compositeurs V. K. Sh. est étroitement lié au développement d'instruments, performer. ensembles et associations. La plus haute association de ce type était la Symphonie. orchestre, formé précisément à cette période. Composition de ce qu'on appelle (petite) symphonie classique. L'orchestre était installé au 2ème étage. 18ème siècle dans les travaux de J. Haydn. Aucun des instruments inclus dans le classique. l'orchestre n'était pas nouveau ; cependant, leurs fonctions ont changé. La composition de l'orchestre dans son ensemble s'est stabilisée. La première place dans l'orchestre était occupée par le violon et les instruments de sa famille (quintette à archets), le groupe à vent comprenait la clarinette et le cor comme membres égaux. Le trombone est entré dans la symphonie. orchestre uniquement de la 5e symphonie de Beethoven. Avec un groupe de cordes assez important (de 24 à 30 violons, 10 à 20 autres instruments à cordes), une composition en binôme d'instruments en bois (à l'exception de la flûte) et en cuivres a été établie (3-4 cors n'étaient impliqués qu'à titre exceptionnel) ; Les timbales étaient constamment utilisées comme instruments de percussion. Tous les outils ont été utilisés de la manière la plus naturelle. volumes et registres. Les joueurs de vent qui ont joué précédemment aideront. les fonctions sont devenues indépendantes. un groupe avec des capacités de timbre caractéristiques. Nouveau dans le domaine des instruments de chambre. ensembles, leur composition a été renforcée - les anciennes associations diverses ont été remplacées par des compositions stables strictement réglementées de cordes et de php. trio, cordes quatuor, quintette, duo k.-l. instrument et FP. Parmi les instruments solistes, le php acquiert une importance primordiale, remplaçant progressivement le clavicorde et le clavecin (chembalo). L’interprétation même du phonographe a changé : la transparence et le son de chambre caractéristiques des œuvres de Mozart et Haydn ont été remplacés par le son « orchestral » des œuvres de Beethoven. Dans le domaine de l'opéra, les réalisations de Mozart et de Beethoven sont particulièrement significatives (Haydn accordait moins d'attention à l'opéra). De nouvelles formes d'opéra se dessinent très progressivement dans l'œuvre de Mozart, fondées sur l'assimilation de l'expérience de ses prédécesseurs (opera seria et opera buffa italiens, notamment ses variétés napolitaines tardives, Singspiel allemand, opéras « réformés » de Gluck). Trois des opéras les plus significatifs de Mozart - "Les Noces de Figaro", "Don Giovanni" et "La Flûte enchantée" - ont jeté les bases de différentes types de classiques les opéras sont réalistes. comédie, caractérisée par une sensibilité philosophique et psychologique aiguë. conflit, comédie dramatique (« Dramma giocosa », comme Mozart lui-même appelait « Don Giovanni ») et folklore poétique. musique contes de fées. Ces opéras se distinguent par un réalisme profond et une individualité subtile. la représentation de personnages agissant dans des relations complexes, une musique authentique. dramaturgie qui imprègne toute l’action, organique. une combinaison de principes différents, apparemment opposés - sérieux, sublimes et joyeux, comiques. Bien que les deux premiers de ces opéras aient été écrits en italien. livret, ils étaient adressés aux Autrichiens. et allemand auditeur et constituait les étapes les plus importantes du développement de l'allemand. national opéras. Beethoven dans son « Fidelio » a créé un type unique d’héroïsme révolutionnaire sublime. opéra, résumant et repensant l’expérience de Gluck et « l’opéra du salut » du temps des Grands Français. révolution. Les jalons les plus marquants dans le développement du genre oratorio furent les oratorios de Haydn « La Création du monde » et « Les Saisons », qui couronnèrent son œuvre. Combinant des éléments des oratorios, de l'opéra, du singspiel, du chant, de la musique religieuse et de la symphonie de Haendel, Haydn a créé des œuvres profondément impressionnantes qui combinent l'importance du contenu avec la simplicité et l'accessibilité du langage musical. Représenté dans les œuvres des compositeurs V. K. Sh. genres d'église la musique, sans changer extérieurement, est repensée de l'intérieur. Haydn, Mozart et Beethoven ont saturé leurs muses. des images d'une luminosité et d'une profondeur exceptionnelles (Requiem de Mozart) ; des œuvres de l'église. Dans la vie de tous les jours, ils sont devenus un type particulier d'instrument vocal de concert. musique (Messe en do majeur et Messe solennelle en ré majeur de Beethoven). Le travail des compositeurs V. k. sh. constitue l'un des sommets de la musique du monde. procès Cela a eu une influence indélébile sur tout le développement ultérieur des muses. procès L'éclat et la profondeur du thème thématique, la logique et la détermination du développement, la rigueur et en même temps la spiritualité et la liberté de forme des œuvres des compositeurs V. K. Sh. restent encore un exemple inégalé.

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Introduction

Tout au long du XVIIIe siècle, dans un certain nombre de pays (Italie, Allemagne, Autriche, France, etc.), des processus de formation de nouveaux genres et formes de musique instrumentale ont eu lieu, qui ont finalement pris forme et ont atteint leur apogée dans ce qu'on appelle «Ecole classique viennoise.»

L'école classique viennoise, qui absorbait organiquement les avancées des cultures musicales nationales, était elle-même un phénomène profondément national, enraciné dans la culture démocratique du peuple autrichien. Les représentants de ce mouvement artistique étaient J. Haydn, V.A. Mozart, L. van Beethoven. Chacun d’eux était un individu brillant. Ainsi, le style de Haydn se distinguait par une vision du monde brillante et le rôle prédominant du genre et des éléments quotidiens. Le début lyrique-dramatique était plus caractéristique du style de Mozart. Le style de Beethoven est l'incarnation du pathétique héroïque de la lutte. Cependant, outre les différences qui ont déterminé l'individualité unique de chacun de ces compositeurs, ils sont unis par le réalisme, les principes d'affirmation de la vie et la démocratie.

L'art des classiques viennois a introduit dans la culture musicale mondiale un puissant courant réaliste et démocratique, basé sur les richesses de l'art populaire, et a donc conservé pour nous toute sa valeur et sa signification artistique.

1. L'école classique viennoise en tant que mouvement artistique dans la culture musicale du XVIIIe – début du XIXe siècle

1.1. Caractéristiques du style de l'école classique viennoise

Le style artistique du classicisme (du latin classicus - « exemplaire ») est né au XVIIe siècle en France. Sur la base d'idées sur la régularité et la rationalité de l'ordre mondial, les maîtres de ce style recherchaient des formes claires et strictes, des modèles harmonieux et l'incarnation d'idéaux moraux élevés. Ils considéraient les œuvres d’art antiques comme les exemples les plus élevés et inégalés de créativité artistique, c’est pourquoi ils ont développé des sujets et des images anciens. Le classicisme s'est largement opposé au baroque avec sa passion, sa variabilité et son incohérence, affirmant ses principes dans diverses formes d'art, y compris la musique.

Le summum du développement du classicisme musical fut l'œuvre de Joseph Haydn, Wolfgang Amadeus Mozart et Ludwig van Beethoven, qui travaillèrent principalement à Vienne et formèrent une direction dans la culture musicale de la seconde moitié du XVIIIe - début du XIXe siècle - les Viennois. école classique.

Les activités des compositeurs de l'école classique viennoise ont été préparées par l'expérience artistique de leurs prédécesseurs et contemporains, y compris l'opéra et la culture instrumentale italienne et française, et les réalisations de la musique allemande. La vie musicale de Vienne, le plus grand centre musical, et le folklore musical de l'Autriche multinationale ont joué un rôle important dans la formation de l'école classique viennoise. L'art des classiques viennois est étroitement lié à l'essor général de la culture austro-allemande, au siècle des Lumières, qui reflétait les idéaux humanistes du Tiers État à la veille de la Grande Révolution française. Les idées créatives des classiques viennois sont étroitement liées aux vues de G.E. Lessinga, I.G. Herdera, I.V. Goethe, F. Schiller, I. Kant, G. Hegel, avec quelques dispositions des encyclopédistes français.

L'art des représentants de l'école classique viennoise se caractérise par l'universalité de la pensée artistique, la logique et la clarté de la forme artistique. Leurs œuvres combinent organiquement sentiments et intellect, tragique et comique, calcul précis et naturel, facilité d'expression.

La musique des compositeurs de l'école classique viennoise est une nouvelle étape dans le développement de la pensée musicale ; Leur langage musical se caractérise par un ordre et une centralisation stricts combinés à une diversité et une richesse internes. Dans leur travail, des types classiques de structures musicales se forment - point, phrase, etc.

L'épanouissement de l'école classique viennoise a coïncidé avec le processus général de formation de l'orchestre symphonique - sa composition stable, la définition fonctionnelle des groupes orchestraux. Les principaux types classiques d'ensembles de chambre ont émergé - trio avec piano, quatuor à cordes, etc. Parmi la musique pour instruments solistes, la musique pour piano s'est particulièrement démarquée. L'œuvre lyrique de Mozart a ouvert de larges perspectives pour le développement de divers types d'opéras - comédie lyrique et socialement accusatrice, drame musical, opéra de conte de fées philosophique, etc.

Le travail des compositeurs de l’école classique viennoise, appartenant aux sommets de la culture artistique mondiale, a eu une influence considérable sur le développement ultérieur de la musique.

Les classiques viennois sont entrés dans l'histoire mondiale de la musique en tant que réformateurs majeurs. Leur œuvre est non seulement unique en elle-même, mais elle est également précieuse car elle a déterminé le développement ultérieur du théâtre musical, des genres, des styles et des mouvements. Leurs compositions ont jeté les bases de ce qui est aujourd’hui considéré comme de la musique classique.

Caractéristiques générales de l'époque

Ces auteurs sont unis par le fait qu'ils ont créé au tournant de deux époques culturelles et historiques majeures : le classicisme et le romantisme. Les classiques viennois ont vécu à une époque de transition, où l'on recherchait activement de nouvelles formes non seulement dans la musique, mais aussi dans la fiction, la peinture et l'architecture. Tout cela a largement déterminé l'orientation de leurs activités et les thèmes de leurs écrits. Le XVIIIe et la première moitié du XIXe siècle ont été marqués par de graves bouleversements politiques, des guerres qui ont littéralement bouleversé la carte de l'Europe et ont eu un fort impact sur l'esprit de l'intelligentsia moderne et des cercles instruits de la société. Les classiques viennois ne font pas exception. Par exemple, il est bien connu que les guerres napoléoniennes ont grandement influencé l'œuvre de Beethoven, qui, dans sa célèbre 9e symphonie (« Choral »), transmettait l'idée d'unité et de paix universelles. C'était une sorte de réponse à tous les cataclysmes qui ont secoué le continent européen à l'époque que nous envisageons.

Une vie culturelle

Les classiques viennois ont vécu à une époque où le baroque passait au second plan et où une nouvelle direction commençait à jouer un rôle de premier plan. Il recherche l'harmonie des formes, l'unité de la composition et abandonne donc les formes magnifiques de l'époque précédente. Le classicisme a commencé à déterminer l’apparence culturelle de nombreux États européens. Mais en même temps, il y avait déjà une tendance à surmonter les formes rigides de ce mouvement et à créer des œuvres puissantes avec des éléments dramatiques et même tragiques. Ce furent les premiers signes de l’émergence du romantisme, qui détermina le développement culturel de tout le XIXe siècle.

Réforme de l'opéra

Les classiques viennois ont joué un rôle décisif dans le développement de tous les genres musicaux de la période considérée. Chacun d'eux, pour ainsi dire, s'est spécialisé dans un style ou une forme musicale, mais toutes leurs réalisations ont été incluses dans le fonds d'or de la musique du monde. Gluck (compositeur) était le plus grand et l'un des auteurs les plus célèbres de son époque. Il est difficile de surestimer son rôle dans le développement du théâtre : après tout, c'est lui qui a donné au genre de l'opéra la forme achevée dans laquelle nous le connaissons aujourd'hui. Le mérite de Christopher Gluck est qu'il a été le premier à s'éloigner de la compréhension de l'opéra comme une œuvre permettant de démontrer les capacités vocales, mais a subordonné le principe musical à la dramaturgie.

Signification

Gluck est le compositeur qui a fait de l'opéra une véritable représentation. Dans ses œuvres, ainsi que dans celles de ses disciples, le chant commença à dépendre largement du mot. L'intrigue et la composition, et surtout le drame, ont commencé à déterminer le développement de la ligne musicale. Ainsi, l'opéra a cessé d'être un genre exclusivement divertissant, mais est devenu un type sérieux de création musicale avec une dramaturgie complexe, des personnages intéressants d'un point de vue psychologique et une composition fascinante.

Œuvres du compositeur

L’école classique viennoise constitue la base de tout le théâtre musical mondial. Une grande partie du mérite en revient à Gluck. Son opéra « Orphée et Eurydice » est devenu une percée dans ce genre. Dans ce document, l'auteur ne s'est pas concentré sur la virtuosité de la performance, mais sur le drame des personnages, grâce auquel l'œuvre a reçu un tel son et est toujours jouée aujourd'hui. Un autre opéra, Alceste, était également un nouveau mot dans la musique du monde. Le compositeur autrichien s'est à nouveau concentré sur le développement du scénario, grâce auquel l'œuvre a reçu une puissante connotation psychologique. L'œuvre est toujours jouée sur les meilleures scènes du monde, ce qui suggère que la réforme du genre lyrique menée par Gluck a été d'une importance fondamentale pour l'évolution du théâtre musical dans son ensemble et a déterminé le développement ultérieur de l'opéra dans cette direction.

La prochaine étape du développement

Le compositeur autrichien Haydn appartient également à la célèbre galaxie des auteurs qui ont apporté une contribution significative à la réforme des genres musicaux. Il est surtout connu comme créateur de symphonies et de quatuors. Grâce à eux, le maestro a acquis une grande popularité non seulement dans les pays d'Europe centrale, mais aussi au-delà de leurs frontières. Les plus connues sont ses œuvres, qui font partie du répertoire mondial sous le nom de « Douze Symphonies de Londres ». Ils se distinguent par un sentiment d'optimisme et de gaieté, qui caractérise pourtant presque toutes les œuvres de ce compositeur.

Caractéristiques de la créativité

Un trait caractéristique des œuvres de Joseph Haydn était leur lien avec le folklore. Dans les œuvres du compositeur, on peut souvent entendre des motifs de chant et de danse, ce qui a rendu ses œuvres si reconnaissables. Cela reflète la vision du monde de l'auteur, qui a largement imité Mozart, le considérant comme le meilleur compositeur du monde. Il lui emprunta des mélodies joyeuses et légères, qui rendaient ses œuvres exceptionnellement expressives et lumineuses.

Autres œuvres de l'auteur

Les opéras de Haydn ne sont pas aussi populaires que ses quatuors et ses symphonies. Néanmoins, ce genre musical occupe une place prépondérante dans l'œuvre du compositeur autrichien, c'est pourquoi un certain nombre de ses œuvres de ce genre doivent être mentionnées, d'autant plus qu'elles constituent une étape notable dans sa biographie créative. L'un de ses opéras s'appelle « Le Pharmacien » et a été écrit pour l'ouverture du nouveau théâtre. Haydn a également créé plusieurs autres œuvres de ce type pour les nouveaux bâtiments du théâtre. Il écrivait principalement dans le style de l'opéra bouffe italien et combinait parfois des éléments comiques et dramatiques.

Les œuvres les plus célèbres

Les quatuors de Haydn sont à juste titre appelés la perle de la musique classique mondiale. Ils combinent les principes de base du compositeur : élégance des formes, virtuosité de l'exécution, son optimiste, diversité thématique et manière originale d'interprétation. L’un des cycles célèbres est dit « russe » car il est dédié au tsarévitch Pavel Petrovitch, futur empereur russe Paul Ier. Un autre groupe de quatuors est destiné au roi de Prusse. Ces compositions ont été écrites d'une manière nouvelle, car elles se distinguaient par leur extraordinaire flexibilité sonore et la richesse de nuances musicales contrastées. C’est avec ce type de genre musical que le nom du compositeur a acquis une importance mondiale. Il convient de noter ici que l'auteur a souvent eu recours à des soi-disant « surprises » dans ses compositions, créant des passages musicaux inattendus là où le public s'y attendait le moins. La « Symphonie pour enfants » de Haydn fait partie de ces œuvres insolites.

Caractéristiques générales de l'œuvre de Mozart

C'est l'un des auteurs de musique les plus célèbres, qui jouit toujours d'une extraordinaire popularité parmi les fans de musique classique et qui est apprécié dans le monde entier. Le succès de ses œuvres s'explique par le fait qu'elles se distinguent par leur harmonie logique et leur exhaustivité. À cet égard, de nombreux chercheurs attribuent ses travaux à l'ère du classicisme. Cependant, d'autres pensent que le compositeur viennois est devenu un précurseur du romantisme : après tout, dans ses œuvres, il y avait déjà une nette tendance à représenter des images fortes et extraordinaires, ainsi qu'une étude psychologique approfondie des personnages (nous parlons ici d'opéra). cas). Quoi qu’il en soit, les œuvres du maestro se distinguent par leur profondeur et en même temps leur extraordinaire facilité de perception, leur drame et leur optimisme. Ils sont faciles et accessibles à tous, mais en même temps très sérieux et philosophiques dans leur contenu et leur son. C'est précisément le phénomène de son succès.

Opéras du compositeur

L'école classique viennoise a joué un rôle décisif dans le développement du genre lyrique. Un immense mérite en revient à Mozart. Les performances mises en scène sur sa musique sont toujours extrêmement populaires et appréciées non seulement des vrais mélomanes, mais aussi du grand public. C'est peut-être le seul compositeur dont la musique est connue de tous d'une manière ou d'une autre, même s'ils ont la plus vague idée de son œuvre.

L'opéra le plus célèbre est peut-être Les Noces de Figaro. C'est probablement l'œuvre la plus joyeuse et en même temps inhabituellement drôle de l'auteur. L'humour est présent dans presque toutes les parties, ce qui l'a rendu si populaire. Le célèbre air du personnage principal est devenu un véritable succès dès le lendemain. La musique de Mozart - lumineuse, ludique, ludique, mais en même temps inhabituellement sage dans sa simplicité - a immédiatement gagné l'amour et la reconnaissance universelle.

Un autre opéra célèbre de l'auteur est « Don Giovanni ». En termes de popularité, il n'est peut-être pas inférieur à celui mentionné ci-dessus : des productions de ce spectacle peuvent être vues à notre époque. Il est significatif que le compositeur ait présenté l'histoire assez complexe de cet homme sous une forme à la fois très simple et sérieuse, démontrant ainsi une fois de plus sa profonde compréhension de la vie. En cela, le génie a pu montrer à la fois les composantes dramatiques et optimistes, inextricablement liées les unes aux autres dans toutes ses œuvres.

De nos jours, l'opéra « La Flûte enchantée » n'est pas moins célèbre. La musique de Mozart atteint son apogée dans son expressivité. Dans cette œuvre, c'est léger, aéré, joyeux et en même temps inhabituellement sérieux, on ne peut donc que se demander comment l'auteur a réussi à transmettre tout un système philosophique avec des sons aussi simples et harmonieux. D'autres opéras du compositeur sont également connus, par exemple, on peut aujourd'hui entendre périodiquement La Clemenza di Titus, aussi bien au théâtre qu'en concert. Ainsi, le genre de l'opéra occupait l'une des places principales dans l'œuvre du brillant compositeur.

Œuvres choisies

Le compositeur a travaillé dans diverses directions et a créé un grand nombre d'œuvres musicales. Mozart, dont la « Sérénade nocturne », par exemple, a depuis longtemps dépassé le cadre des concerts et est devenue largement connue, a écrit dans un langage très simple et accessible. C’est peut-être pour cela qu’on l’appelle souvent le génie de l’harmonie. Même dans les œuvres tragiques, il y avait un motif d’espoir. Dans « Requiem », il a exprimé ses réflexions sur une vie future meilleure, de sorte que, malgré le ton tragique de la musique, l'œuvre laisse un sentiment de paix éclairée.

Le concerto de Mozart se distingue également par son harmonie harmonieuse et sa complétude logique. Toutes les parties sont subordonnées à un thème unique et sont unies par un motif commun, qui donne le ton à l'ensemble de l'œuvre. Sa musique s’écoute donc d’un seul coup. Dans ce type de genre, les principes de base du travail du compositeur sont incarnés : une combinaison harmonieuse de sons et de parties, un son brillant et en même temps virtuose de l’orchestre. Personne d'autre ne pouvait structurer son œuvre musicale de manière aussi harmonieuse que Mozart. La « Sérénade nocturne » du compositeur est une sorte de standard pour la combinaison harmonieuse de parties avec des sons différents. Des passages joyeux et bruyants cèdent la place de manière très rythmée à des parties virtuoses à peine audibles.

Une mention spéciale doit être faite aux messes de l'auteur. Ils occupent une place prépondérante dans son œuvre et, comme d'autres œuvres, sont imprégnés d'un sentiment d'espoir lumineux et de joie éclairée. Il convient également de mentionner le célèbre « Rondo turc », qui a dépassé le cadre des concerts et peut donc souvent être entendu même dans les publicités télévisées. Mais le plus grand sens de l’harmonie se trouve peut-être dans le concerto de Mozart, dans lequel le principe de complétude logique atteint son plus haut degré.

En bref sur l'œuvre de Beethoven

Ce compositeur appartient entièrement à l’ère de la domination du romantisme. Si Johann Amadeus Mozart se situe, pour ainsi dire, au seuil du classicisme et d'une nouvelle direction, alors Ludwig Van Beethoven s'est complètement tourné vers la représentation de passions fortes, de sentiments puissants et de personnalités extraordinaires dans ses œuvres. Il est peut-être devenu le représentant le plus éminent du romantisme. Il est significatif que, se tournant vers des thèmes dramatiques et tragiques, il n'ait écrit qu'un seul opéra. Le genre principal pour lui restait les symphonies et les sonates. On lui attribue la réforme de ces œuvres, tout comme Gluck a réformé l'interprétation de l'opéra à son époque.

Une caractéristique frappante de l’œuvre du compositeur était que le thème principal de ses œuvres était l’image de la volonté puissante et titanesque d’un individu qui, avec un énorme effort de volonté, surmonte les difficultés et tous les obstacles. L. V. Beethoven a également consacré beaucoup d'espace dans ses compositions au thème de la lutte et de la confrontation, ainsi qu'au motif de l'unité universelle.

Quelques faits biographiques

Il venait d'une famille de musiciens. Son père voulait que le garçon devienne un compositeur célèbre, il a donc travaillé avec lui en utilisant des méthodes plutôt dures. C'est peut-être pour cette raison que l'enfant a grandi de nature sombre et sévère, ce qui a ensuite affecté sa créativité. Beethoven a travaillé et vécu à Vienne, où il a étudié avec Haydn, mais ces études ont très vite déçu à la fois l'étudiant et le professeur. Ce dernier a attiré l'attention sur le fait que le jeune auteur était dominé par des motivations plutôt sombres, ce qui n'était pas accepté à l'époque.

La biographie de Beethoven raconte également brièvement la période de sa passion pour la lutte de libération. Au début, il accepta avec enthousiasme les guerres napoléoniennes, mais plus tard, lorsque Bonaparte se proclama empereur, il abandonna l'idée d'écrire une symphonie en son honneur. En 1796, Ludwig commença à perdre l’audition. Cependant, cela n'a pas interrompu son activité créatrice. Déjà complètement sourd, il écrit sa célèbre 9e symphonie, qui devient un véritable chef-d'œuvre du répertoire musical mondial. (il est impossible d'en parler brièvement) contient également des informations sur l'amitié du maestro avec des personnes exceptionnelles de son temps. Malgré son caractère réservé et dur, le compositeur était ami avec Weber, Goethe et d'autres figures de l'ère du classicisme.

Œuvres les plus célèbres

Il a déjà été dit plus haut qu’un trait caractéristique de l’œuvre de L. V. Beethoven était le désir de représenter des personnages forts et émotifs, la lutte des passions et le dépassement des difficultés. Parmi les œuvres de ce genre, il convient de noter particulièrement «Appassionata», qui, en termes d'intensité des sentiments et des émotions, est peut-être l'une des plus puissantes. Lorsque le compositeur a été interrogé sur l’idée derrière sa création, il a fait référence à la pièce de Shakespeare « La Tempête », qui, selon lui, lui a servi de source d’inspiration. L’auteur a établi un parallèle entre les motifs des impulsions titanesques dans l’œuvre du dramaturge et son interprétation musicale de ce thème.

L’une des œuvres les plus populaires de l’auteur est la « Sonate au clair de lune », qui, au contraire, est empreinte d’un sentiment d’harmonie et de paix, comme en contraste avec la mélodie dramatique de ses symphonies. Il est significatif que le nom même de cette œuvre ait été donné par les contemporains du compositeur, peut-être parce que la musique ressemblait au miroitement de la mer lors d’une nuit tranquille. Ce sont les associations qui sont apparues chez la plupart des auditeurs lors de l’écoute de cette sonate. Non moins, et peut-être encore plus populaire, est la célèbre composition « Pour Eliza », que le compositeur a dédiée à l'épouse de l'empereur russe Alexandre Ier, Elizaveta Alekseevna (Louise). Cette œuvre frappe par son étonnante combinaison de motifs légers et de passages dramatiques sérieux au milieu. Une place particulière dans l'œuvre du maestro est occupée par son seul opéra « Fidelio » (traduit par « Fidèle » de l'italien). Cette œuvre, comme bien d'autres, est empreinte du pathétique de l'amour de la liberté et d'un appel à la liberté. "Fidelio" ne quitte toujours pas la scène des présentateurs, même si l'opéra n'a pas été immédiatement reconnu, comme c'est presque toujours le cas.

Neuvième Symphonie

Cette œuvre est peut-être la plus célèbre parmi les autres œuvres du compositeur. Il fut écrit trois ans avant sa mort, en 1824. La Neuvième Symphonie conclut la longue et pluriannuelle quête du compositeur pour créer l’œuvre symphonique parfaite. Il diffère de tous les précédents en ce que, d'une part, il a introduit une partie chorale (à la célèbre « Ode à la joie » de F. Schiller), et d'autre part, le compositeur y a réformé la structure du genre symphonique. Le thème principal se révèle progressivement à travers chaque partie de l’œuvre. Le début de la symphonie est plutôt sombre et lourd, mais même alors, un motif lointain de réconciliation et d'illumination résonne, qui grandit à mesure que la composition musicale se développe. Enfin, à la toute fin, résonnent des chants choraux assez puissants, appelant tous les peuples du monde à s'unir. Ainsi, le compositeur a encore souligné l'idée principale de son œuvre. Il voulait que ses pensées soient exprimées aussi clairement que possible, c'est pourquoi il ne s'est pas limité uniquement à la musique, mais a également introduit la performance des chanteurs. La symphonie a connu un succès retentissant : dès la première représentation, le public a ovationné le compositeur. Il est significatif que L.V. Beethoven l'ait composé alors qu'il était déjà complètement sourd.

L'importance de l'école viennoise

Gluck, Haydn, Mozart, Beethoven sont devenus les fondateurs de la musique classique, ayant une influence énorme sur toute l'histoire musicale ultérieure non seulement de l'Europe, mais aussi du monde. L'importance de ces compositeurs et leur contribution à la réforme du théâtre musical ne peuvent guère être surestimées. Travaillant dans une variété de genres, ils ont créé l'épine dorsale et la forme des œuvres, sur la base desquelles leurs disciples ont composé de nouvelles œuvres. Beaucoup de leurs créations dépassent depuis longtemps le cadre des concerts et sont largement entendues au cinéma et à la télévision. "Turkish Rondo", "Moonlight Sonata" et bien d'autres œuvres de ces auteurs sont connues non seulement des mélomanes, mais même de ceux qui ne connaissent pas très bien la musique classique. De nombreux chercheurs considèrent à juste titre l'étape viennoise du développement des classiques comme celle qui a été déterminante dans l'histoire de la musique, car c'est au cours de cette période que furent posés les principes de base de la création et de l'écriture des opéras, des symphonies, des sonates et des quatuors.

3. Génie musical - V.A. Mozart

L'œuvre de Mozart occupe une place particulière dans l'école classique viennoise. Dans ses œuvres, la rigueur classique et la clarté des formes se conjuguent avec une profonde émotivité. La musique du compositeur est proche de ces tendances de la culture de la seconde moitié du XVIIIe siècle qui s'adressaient aux sentiments humains (« Storm and Drang », en partie sentimentalisme). C'est Mozart qui a le premier montré la nature contradictoire du monde intérieur de l'individu.

Wolfgang Amadeus Mozart est né à Salzbourg (Autriche). Possédant une oreille musicale et une mémoire phénoménales, il apprend déjà à jouer du clavecin dans sa petite enfance et, à l'âge de cinq ans, il écrit ses premières compositions. Le premier professeur du futur compositeur fut son père Léopold Mozart, musicien dans la chapelle de l'archevêque de Salzbourg. Mozart maîtrisait magistralement non seulement le clavecin, mais aussi l'orgue et le violon ; était célèbre comme un brillant improvisateur. Dès l'âge de six ans, il parcourt les pays européens. À onze ans, il crée son premier opéra, Apollon et Hyacinthe, et à quatorze ans, il dirige déjà la première de son propre opéra Mithridate, roi du Pont au théâtre de Milan. À cette époque, il fut élu membre de l'Académie Philharmonique de Bologne.

Comme beaucoup de musiciens de cette époque, Mozart était au service de la cour (1769-1781) - il était accompagnateur et organiste de l'archevêque de Salzbourg. Cependant, le caractère indépendant du maître suscita le vif mécontentement de l’archevêque, et Mozart choisit de quitter le service. Parmi les compositeurs marquants du passé, il fut le premier à choisir la vie d'un artiste libre. En 1781 Mozart a déménagé à Vienne et a fondé une famille. Il gagnait de l'argent grâce à des éditions rares de ses propres compositions, à des cours de piano et à des performances (ces dernières l'incitant à créer des concerts pour piano et orchestre).

Mozart a accordé une attention particulière à l'opéra. Ses œuvres représentent toute une époque dans le développement de ce type d’art musical. Le compositeur a été attiré par l'opéra par la possibilité de montrer les relations entre les gens, leurs sentiments et leurs aspirations.

Mozart ne s'est pas efforcé de créer une nouvelle forme d'opéra : sa musique elle-même était innovante. Dans ses œuvres de maturité, le compositeur a abandonné la distinction stricte entre l'opéra sérieux et l'opéra comique - une performance musicale et dramatique est apparue dans laquelle ces éléments sont entrelacés. En conséquence, dans les opéras de Mozart, il n’y a pas de héros clairement positifs et négatifs ; les personnages sont vivants et multiformes, non liés par des rôles.

Mozart s'est souvent tourné vers des sources littéraires. Ainsi, l'opéra « Les Noces de Figaro » (1786) a été écrit d'après la pièce du dramaturge français P.O. "La Journée folle ou Les Noces de Figaro" de Beaumarchais, interdite par la censure. Le thème principal de l’opéra est l’amour, ce que l’on peut cependant dire de toutes les œuvres de Mozart. Cependant, il y a aussi un sous-texte social dans l'œuvre : Figaro et sa bien-aimée Suzanne sont intelligents et énergiques, mais ils sont d'origine modeste et ne sont que des serviteurs de la maison du comte Almaviva. Leur opposition au maître (un aristocrate stupide et dupé) suscite la sympathie de l'auteur - il est bien évident qu'il est du côté des amoureux.

Dans l’opéra « Don Juan » (1787), l’intrigue médiévale sur le conquérant du cœur des femmes a reçu une incarnation musicale. Le héros énergique, capricieux, volontaire et libre de toutes normes morales s'oppose en la personne du Commandant à une puissance supérieure, personnifiant l'ordre raisonnable. La généralisation philosophique cohabite ici avec les amours, les genres et les éléments du quotidien. Le tragique et le comique forment une unité inextricable. L'auteur lui-même a souligné cette caractéristique de l'opéra en donnant à son œuvre le sous-titre « Un drame joyeux ». Il semblerait que dans la finale, la justice triomphe – le vice (Don Juan) soit puni. Mais la musique de l'opéra est plus subtile et plus complexe que cette compréhension simplifiée de l'œuvre : elle évoque chez l'auditeur une sympathie pour le héros, resté fidèle à lui-même même face à la mort.

La parabole de conte de fées philosophique « La Flûte enchantée » (1791) a été écrite dans le genre Singspiel. L'idée principale de l'œuvre est l'inévitabilité de la victoire du bien sur le mal, un appel au courage, à l'amour, à la compréhension de son sens le plus élevé. Les héros de l'opéra sont soumis à de graves épreuves (silence, feu, eau), mais ils les surmontent dignement et atteignent le royaume de la beauté et de l'harmonie.

Mozart considérait la musique comme l'essentiel, même s'il était très exigeant sur le texte du livret. Dans ses opéras, le rôle de l'orchestre s'est considérablement accru. C'est dans la partie orchestrale que se révèle souvent l'attitude de l'auteur envers les personnages : soit un motif moqueur apparaîtra, soit une belle mélodie poétique apparaîtra. Pour un auditeur attentif, ces détails en disent plus que le texte. Les principales caractéristiques du portrait restent les airs, et les relations entre les personnages sont racontées dans des ensembles vocaux. Le compositeur a réussi à transmettre les traits de caractère de chaque personnage des ensembles.

Être un représentant de l'école classique viennoise. Mozart attachait une grande importance au genre symphonique. Les trois dernières symphonies sont particulièrement populaires : la trente-neuvième, la quarantième et la quarante et unième (Jupiter), créées en 1788. Dans les œuvres de ce genre, le cycle à quatre parties et les règles de la forme sonate sont enfin établies. Les symphonies de Mozart comportent de nombreuses nuances émotionnelles subtiles. Les thèmes sont souvent de caractère inégal, complexes en rythme et parfois accompagnés d'harmonies pointues, mais la musique conserve des formes nettes et claires.

Mozart est également devenu l'un des créateurs du genre du concert classique. La base du concert est la compétition entre le soliste et l'orchestre, et ce processus est toujours soumis à une logique stricte. Le compositeur possède vingt-sept concertos pour piano et orchestre, sept pour violon et orchestre. Dans certaines œuvres, l'auditeur est frappé par l'habileté virtuose et la fête, dans d'autres par le drame et les contrastes émotionnels.

L'œuvre pour piano de Mozart comprend dix-neuf sonates, dans lesquelles il a continué à développer la forme sonate, ainsi que des œuvres du genre fantastique (œuvre musicale basée sur l'improvisation et de forme libre). Le compositeur a abandonné le clavecin et le clavicorde, qui ont un son plus doux mais plus faible par rapport au piano. Le style pianistique de Mozart est distinct, élégant, avec une finition soignée de la mélodie et de l'accompagnement.

Les intérêts du maître ne se limitent pas à l'opéra et à la musique instrumentale. Il crée également des œuvres spirituelles : messes, cantates, oratorios, requiems. La musique du requiem (1791), destiné aux solistes, chœur et orchestre, est profondément tragique (Mozart a travaillé sur la composition alors qu'il était déjà malade, en fait juste avant sa mort). Les parties de la composition, rappelant les airs et les ensembles d'opéra, rendent la musique très émouvante, et les parties polyphoniques (tout d'abord « Seigneur, aie pitié ! ») personnifient le principe spirituel, la plus haute justice. L'image principale du requiem est celle d'une personne souffrante face à la dure justice divine.

Le maître n’a jamais eu le temps de terminer le requiem ; celui-ci a été finalisé d’après les croquis du compositeur par son élève F.K. Ziusmayr.

Mozart composait de la musique très facilement, parfois même sans brouillons, créant des créations d'une beauté et d'une harmonie artistiques inégalées. Les musiciens contemporains appréciaient beaucoup le talent de Mozart, mais la majorité du public aristocratique ne comprenait pas son œuvre et, au cours des dernières années de sa vie, n'acceptait pas du tout le compositeur. Mozart est mort dans la pauvreté et a été enterré dans une fosse commune à Vienne.

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Pierre Paul Rubens est né le 28 juin 1577, à la veille de la fête des saints Pierre et Paul, en l'honneur de laquelle il a été nommé. Le futur artiste est né dans la ville de Siegen, dans la province allemande de Westphalie, et était le sixième des sept enfants de la famille...

Scénario d'une fête de masse « Nous avons de quoi être fiers ! »

La musique dans une représentation théâtrale joue un rôle primordial dans la formation du concept idéologique et thématique et du contenu artistique et émotionnel...

Théâtres d'Omsk

Pendant de nombreuses années, le Théâtre Musical a été appelé à juste titre « le laboratoire de l’opérette soviétique ». De nos jours, le théâtre présente largement une variété de genres, une variété de spectacles : opéra, opérette, ballet et comédie musicale...

Le sens esthétique des œuvres ready-made de M. Duchamp

Il existe de nombreuses opinions et controverses différentes concernant les œuvres toutes faites de M. Duchamp. Certains diront que c'est un génie. Quelqu'un dira que c'est un idiot qui n'avait tout simplement rien de mieux à faire que de retourner des urinoirs...